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In 2020 discover the stunning Bourges Cathedral, a Gothic masterpiece built in the Middle Alges admired for its proportions and the unity of its design.

Arte Gótoco 1.- Generalidades 2.- La reforma del Cister 3.- Arquitectura Gótica 3.1.- Características generales 3.2.- Arquitectura gótica en Francia 3.3.- Arquitectura gótica en Italia 3.4.- Arquitectura gótica en Inglaterra y Alemania 3.5.- Arquitectura gótica en Portugal 3.6.- Arquitectura gótica en España 4.- Escultura Gótica 4.1.- Características generales 4.2.- Escultura gótica en Francia 4.3.- Escultura gótica en Alemania e Inglaterra 4.4.- Escultura gótica en Italia 4.5.- Escultura gótica en España 5.- Pintura Gótica 6.- Resumen 1.- Generalidades El gótico es un estilo que surge como consecuencia de la evolución del románico y se va a desarrollar durante los tres últimos siglos de la Edad Media. Hasta mediados del XVIII no comienza el término gótico a adquirir un significado positivo. El reconocimiento definitivo se debe al Romanticismo, ya en el XIX, cuyo ideario se encuentra en sintonía con el mundo medieval y por lo tanto con el gótico. El arte gótico surge en Francia, en París a mediados del XII y tendrá como punto de arranque la reforma del Cister. El arte gótico nace en el seno de una sociedad feudal con sus estamentos (nobleza, clero y pueblo), su nacimiento coincide con un momento de esplendor económico, momento de nacimiento de grandes catedrales, que llevará al desarrollo de una burguesía importante. Otro aspecto importante es que por primera vez en la historia los artistas se empiezan a agrupar en gremios, como consecuencia de que ya han adquirido conciencia de su condición de artistas. Estamos ante una sociedad que comienza a cambiar y esos cambios repercutirán en el arte. 2.- La reforma del Cister El punto de partida del arte gótico son los monasterios cistercienses. Hacia el año 1100, San Roberto, abad de Molesmes, se aparte de la orden benedictina de Cluny y funda, junto a San Bernardo, la orden del Cister, quedando instituída dicha orden en 1134 mediante la llamada "Carta de Caridad". Lo que pretendía el Cister era aparterse de los excesos de la orden de Cluny y volver a los orígenes en la aplicación de la regla de San Benito. Volver a una vida monacal de austeridad y severidad en cuanto a comodidades personales y conventuales. Los primeros cistercienses se instalan en Citeaux, al sur de DIjon, pretendiendo llevar una vida de absoluta pobreza y apartados del resto del mundo para alcanzar una vida espiritual plena. Los conventos cistercienses tenían que reflejar ese modo de vida, no pudiendo hacer ostentación de riqueza ni de grandiosidad y suprimiendo todo lo superfluo. Los monjes blancos, como se llamaban los del Cister (hábito blanco en honor a la Virgen), en contraposición a los monjes negros o monjes cluniacenses, buscaron para sus conventos lugares alejados de poder, cercanos a rios para poder vivir de la pesca y de su huerta. Tenían que ser lugares que permitiera que todos los edificios del monasterio estuvieran en dentro de los muros monacales, para evitar la dispersión que había en los monasterios cluniacenses. Con el Cister, el claustro se convierte en elemento fundamental del monasterio, en consonancia con la idea de que los principios de claridad y orden rijan la vida monacal. Respecto a la iglesia dentro del monasterio, cabe distinguir dos modelos, según el tipo de cabecera: las que siguen el modelo Citeaux, con cabecera de testero plano, modelo prescrito por el propio San Bernardo; y las que siguen el modelo Claraval, con cabecera semicircular con girola y capillas radiales. "El monasterio de Santes Creus" en Tarragona se construye bajo las premisas de Citeaux, con cabecera de testero plano; y el "monasterio de Poblet" sigue el modelo de Claraval, de cabecera con girola y capillas radiales. Otra característica del estilo cisterciense es la sobriedad absoluta en la decoración. Se pretende que no haya ningún elemento que distraiga de lo verdaderamente importante, que es la oración y el recogimiento. Desde muy pronto los monasterios del Cister empiezan a usar bóveda de crucería y el arco apuntado. Este estilo monástico que difunden los cistercienses va a suponer el estilo de transición entre el románico y el gótico. 3.- Arquitectura Gótica 3.1.- Características generales Si los monasterios románicos sugieren un "encerrarse o recogerse en Dios", las catedrales góticas van a suponer un "elevarse a Dios", el triunfo de la luz sobre la sombra, del vano sobre el muro. Con el gótico prevalece la altura sobre la anchura y esto va a ser posible en las novedades introducidas en las cubiertas, en las bóvedas, la boveda gótica es la de crucería, se irá complicando dando lugar a la de abanico, terceletos, etc. La bóveda de crucería está formada por dos arcos de medio punto que se cubren mediante plementos o paños. El pilar es el elemento sustentante del edificio gótico, y va a ser un soporte dinámico. En el exterior el peso de los muros se descarga a través de los arbotantes, en los contrafuertes. El arbotante puede ser simple o doble. El simple se usa cuando la iglesia es de tres naves y cuando la diferencia de altura entre la nave central y las laterales no es muy acusada. En las iglesias de 5 naves encontramos arbotante doble y de doble vuelo. El arco gótico va a permitir que las catedrales ganen en altura. El arco apuntado característico del XIV se inscribirá en un arco agudo. Si en el románico el monumento característico fué el monasterio, en el gótico, el monumento por excelencia será la Catedrál. Las catedrales se sitúan como eje fundamental de la vida urbana. La planta de las catedrales góticas seguirá la disposición románica de 3 o 5 naves con crucero y con girola a la que se pueden abrir capillas radiales. La nave central será más alta que las laterales. La preocupación por la luz llevará a un calado cada vez mayor, sustituyendo el muro por ventanas o vidrieras. La vidriera es una de las grandes aportaciones del arte gótico. Los vidrieros trabajaban en estrecha colaboración con los pintores que proporcionaban los cartones que servían de base a la decoración. Los muros externos se van a convertir en muros de cierre. Se horadan mediante rosetones que pueden llegar a alcanzar dimensiones descomunales. Las portadas de las catedrales góticas permiten hacer una lectura del interior. El tímpano se va a dividir verticalmente en tantas zonas como naves posea el templo. Con respecto a las fachadas hay que destacar que mientras los arquitectos románicos usaban los capiteles para contar "historias", los góticos van a hacer esto en las portadas, presentarán una abundante decoración y estarán flanqueadas por dos torres de base cuadrada. Se pueden distinguir 3 etapas: primera etapa, progótico o gótico de transición, coincide con los monasterios cistercienses, paso del románico al gótico. Gótico clásico, momento de las grandes catedrales XIII XIV. Ultima etapa, gótico flamígero XV etapa barroquizante, predomina la ornamentación en las formas arquitectónicas. 3.2.- Arquitectura gótica en Francia El arte gótico surge en Francia y tiene como punto de partida el arte desarrollado en los monasterios cistercienses. Los encontramos en la "Abadía de Saint-Denis" 1144 y en la "Catedral de Sens" 1140. Saint-Denis, la abadía había sido panteón real en época merovingia y en época caroligia se había convertido en una de las primeras iglesias del reino. La girola será la innovación que marcará el rasgo definitivo del gótico. La primera catedral gótica va a ser la de "Sens", la nave principal se cubre con bóvedas sexpartitas, alternando pilares y columnas. Los ejemplos más significativos de este primer gótico son "la Catedral de Laon" y "Notre-Dame de París". Estas catedrales organizan su interior siguiendo un alzado cuatripartito característico de este Gótico inicial: arquería, gran tribuna, triforio y cuerpo de ventanas o claristorio. La fachada de la catedral de París recoge el prototipo de fachada de Saint-Denis, establece una serie de elementos que van a ser constantes a lo largo de todo el gótico clásico, es lo que se denomina concepción "ad cuadratum" (la fachada se podría inscribir en un cuadrado perfecto) dos torres alineadas en la fachada, galería de reyes, claraboya circular en el centro o rosetón y por último galería abierta que sirve para enmascarar el arranque de las torres. Las gárgolas de Notre-Dame son una reconstrucción debida al gran arquitecto francés del XIX Viollet Le Duc, entusiasta del mundo gótico. "La catedral de Laón" se proyecta con 7 torres, modelo que deriva del románico normando. Con las 7 torres (dos en la fachada principal, dos menores en cada brazo del crucero y la torre o cimborrio sobre el tramo central del crucero. El paso del XII al XIII lo representa la "Catedral de Chartres", es de destacar el tipo de arbotante empleado. Chartres se convirtió en un arquetipo para el resto de Catedrales del Norte de Francia. Sin duda, uno de los ejemplos más representativos del gótico francés es "la catedral de Reims". Esta catedral comienza su construcción a principios del XIV, siguiendo el esquema de Notre-Dame de París. Es mucho menos sobria y además con una mayor profundidad conseguida gracias a las hornacinas que avanzan el pórtico. El rasgo más característico es la hipertrofía de la cabecera. La última de las catedrales definida como clásica, es la de "Amiens", la que más influencia va a ejercer en las construcciones de otras catedrales. Es obra de Robert de Luzarches; aquí por primera vez se produce el vaciado del triforio, consiguiendo dotar este espacio de una mayor luminosidad y ligereza. De la segunda mitad del XIII como ejemplo significativo, podemos citar "La Sainte-Chapelle" de París y las Catedrales de "Bourges" y "Beauvais". La santa capilla del antiguo palacio real, se concibe como un gran relicario de piedra (destinada a albergar una reliquia, la corona de espinas, llevada en procesión en 1239). Como capilla palatina que era, se distribuye en dos plantas, destacando la superior en la que la vidriera ha reemplazado casi por completo en muro es obra de Pierre de Montreuil. Las catedrales de Bourges y Beauvais presentan el mismo afán de luminosidad, consecuencia de la evolución del estilo. A partir de aquí, el estilo se asienta y desde finales del XIII y principios del XIV se introducen pocas novedades arquitectónicas. Se repiten las fórmulas ya creadas y se acaban las obras empezadas. Al Norte de Francia y Bélgica corresponden los ejemplos más sobresalientes del último gótico. En los antiguos estados de Borgoña y en Flandes es donde vamos a encontrar los edificios más valiosos de fines del XV y principios del XVI "La catedral de Amberes" y la "Lonja de los Paños de Ypres". 3.3.- Arquitectura gótica en Italia Se desarrolla en el XIII y XIV. Es un estilo que no arraiga en un país que mira al mundo clásico. Supone una continuidad en sus tradiciones, que arrancan del mundo antiguo. Donde sí se nota la influencia del nuevo estilo es en los edificios de las órdenes mendicantes, en los monasterios de franciscanos y dominicos que van a seguir el modelo cisterciense; ejemplo "Basílica de San Francisco en Asis". La costumbre italiana de recubrir los edificios con materiales suntuosos (marmoles de colores), no contribuye a subrayar la verticalidad. Al dividir los edificios en bandas horizontales se consigue acentuar el movimiento horizontal. Una excepción es la "Catedral de Milán" obra de arquitectos franceses y alemanes, labrada en marmol y que refleja la preocupación de los artistas italianos por lo ornamental. Además del "Duomo de Milan", lo mejor del gótico ITaliano lo encontraremos en la arquitectura civil, destacan los palacios venecianos "Palacio Ducal" la "Ca d´Oro y fuera de Venecia, en Florencia el "Palacio de la Signoria" que contrasta con los venecianos por su aspecto de fortaleza. En el Sur de Italia encontraremos un gótico más puro, "castel nuevo de Nápoles". 3.4.- Arquitectura gótica en Inglaterra y Alemania Inglaterra Sí encontramos una arquitectura plenamente gótica, la evolución del estilo va a seguir un curso distinto al del resto de los paises europeos. Dentro del gótico en Inglaterra podemos distinguir 3 etapas: .- Early english o early arquitectura (hasta 1250). Dentro de esta etapa de gótico temprano vamos a encontrar los ejemplos más destacados de lo que es hoy el gótico inglés, catedrales de "Canterbury", "Salisbury", "Lincoln" y "Westminster". Como elementos comunes destacar la utilización de cabeceras rectangulares, el empleo de grandes torres y la multiplicación de los pisos. .- Decorated style. Esta etapa comprende un siglo, desde 1250 a 1350 (estilo decorativo) la preocupación fundamental es el aspecto ornamental o decorativo. Es una etapa de predominio de bóvedas de abanico, estrelladas. Hay un predominio de la curva y la contracurva en las formas. Muchos autores han situado el origen del gótico flamígero en Inglaterra. Corresponden a este periodo "la catedral de Wels". .- Perpendicular style o gótico perpendicular. Desde mediados del XIV a principios del XVI. En Europa se desarrolla el gótico flamígero, en Inglaterra es el momento del predominio en los muros de las lineas verticales interrumpidas por otras horizontales. Corresponde a este momento las capillas reales del "Colegio del Rey" de Cambridge y la de Enrique VII de la "Abadía de Westminster". Alemania La arquitectura gótica en Alemania va a estar fuertemente influida por los modelos franceses, y dentro de estos, especialmente por Chartres. Los ejemplos más sobresalientes del gótico alemán lo constituyen la "Catedral de Colonia" y la "Catedral de Estrasburgo". la "Catedral de Colonia" se empieza a constituír en 1248 y no se concluye definitivamente hasta mediados del XIX, y a pesar de que se siguen durante todo este tiempo los planos primitivos, su aspecto exterior no deja de producir sensación de obra moderna. Es de grandes proporciones, con cinco naves. "La Catedral de Estrasburgo" destaca fundamentalmente por su fachada principal con una decoración tan delicada que más bien parece una obra de orfebrería que de cantería. Con la evolución de estilo irá desapareciendo la dependencia francesa, y así a fines del XV encontramos las llamadas "Iglesias de salón" o "hallenkirche" en las que desaparece el crucero. 3.5.- Arquitectura gótica en Portugal Lo más singular se produce en el XV con el "estilo manuelino", desarrollado con el reinado de D. Manuel el Afortunado (1495-1521) momento de mayor poderío político y económico de Portugal. Se caracteriza este estilo por un recargamiento decorativo, coincidiendo esto con el final del gótico del resto de Europa. Los temas ornamentales van a estar relacionados con las empresas ultramarinas lusitanas; los elementos que se repiten son la cuerda con la arandela de red, las velas de los barcos hinchada por el viento y la esfera armilar. Dentro de los monumentos manualinos destacamos "el monasterio de los Jerónimos de Belem", situado en el mismo lugar del que partiera Vasco de Gama. Lo más interesante del conjunto de Belem es el claustro que inicialmente se dispone en dos pisos, añadiendo luego otro cuerpo bajo, consiguiendo unos efectos de claroscuro impresionantes. Otros dos ejemplos del gótico Portugués son el "monasterio de Batalha" y la "torre de Belem" en Lisboa. 3.6.- Arquitectura gótica en España En España, la orden del Cister fué protegida por la corona y encontramos numerosos ejemplos de monasterios cistercienses, que marcan el arranque del gótico. Destacar el "Monasterio de Poblet" en Cataluña. La arquitectura gótica en España es como en Francia, de grandes catedrales. LA influencia de la arquitectura de los monasterios cistercienses se dejará notar en algunas catedrales, como las de Lérida, Taragona o Zamora, que aunque son románicas, evidencian una transición. De estos inicios del gótico español a fines del XII hay que destacar las catedrales de "Ávila" y "Cuenca". En el XIII el foco arquitectónico se sitúa en Castilla, destacando 3 casos: Toledo, Burgos y León; estas catedrales responden a modelos desarrollados en Francia. Las Catedrales de Toledo y Burgos se comienzan a construir en el mismo año 1221. "La Catedral de Burgos" obra del maestro Enrique, consta de 3 naves, crucero muy desarrollado y girola a la que se abren 5 capillas poligonales y 3 rectangulares. En la organización del muro se aprecian grandes semejanzas con la catedral de Bourges. El exterior se debe a Juan de Colonia y presenta un aspecto con rica decoración escultórica, principalmente en las puertas del "Sarmental" y la "Coronería". Las agujas de las torres son del XV. la "Catedral de Toledo" de be su traza al maestro Martín, va a ser la que más influencia tendrá posteriormente. Es de 5 naves y lo más interesante es la forma en que se organiza la girola. Es una girola doble, con alternancia de tramos rectangulares y triangulares que dan lugar a una combinación de capillas grandes y pequeñas. Toledo servirá de modelo de catedrales del XV y XVI como la Catedral de Granada. Encontramos en Toledo elementos de influencia árabe como la arquería polilobulada del triforio. La última gran catedral del XIII es la "catedral de León" la más francesa de todas las catedrales góticas españolas y es la que menos influencia ha ejercido sobre otras construcciones. Comienza su construcción avanzado el XIII y debe su traza, como la de Burgos al maestro enrique. Es una catedral de 5 naves cubierta con bóveda de crucería y lo más destacable es la reducción del muro a lo imprescindible, la convierte en la catedral más luminosa de todo el gótico español. En el XIV el foco de interés se desplaza de Castila, al reino de Aragón, zona levantina. En Castilla en el XIV se concluyen las obras ya iniciadas durante el XIII en Levante, es el momento de la construcción de las catedrales de Barcelona, Gerona y Palma de Mallorca. Como característica principal de la arquitectura gótica española del XIV habrá que significar la propensión a la nave única y sobre todo el aprovechamiento del especio entre los contrafuertes para situar capillas. Son iglesias con poca iluminación y de exteriores macizos, faltos de la ligereza propia del gótico. "La Catedral de Barcelona" es de 3 naves más otras 2 de capillas alojadas en los estribos y otra de crucero que no sobresale de las fachadas laterales. Su traza se debe a Bertran Riquer y la fachada principal es del XIX. La "Catedral de Gerona" es de 3 naves hasta el crucero, a partir de ahí se decide continuar en una sola nave de proporciones gigantescas. La "Catedral de Palma de Mallorca" es de 3 naves y capillas en los estribos, destacando la gran anchura de la nave central. En el XV la primera catedral que inicia su construcción en España es "la Catedral de Sevilla", es una de las mayores iglesias de la cristiandad. De 5 naves, con las naves laterales dobles de la misma altura, sin girola y se proyectó sin torres con la idea de respetar la de la primitiva mezquita almohade, que hoy conocemos como "La Giralda". En el XV se desarrolla un estilo hispano-flamenco o estilo de los Reyes Católicos, por coincidir con el reinado de Isabel y Fernando. Este estilo coincide una fusión entre el gótico flamígero y las formas locales y se va a desarrollar en 2 focos. Un foco toledano con el arquitecto Juan de Guas a quien debemos el monasterio "San Juan del los Reyes" en Toledo y "el palacio del "Duque del Infantado" en Guadalajara. Otro gran arquitecto de la escuela Toledana es Enrique Egas, autor de la planta de la "Catedral de Granada", se construirá, ya en el renacimiento, pero su cabecera se inspira en el modelo de la catedral de Toledo. Se le debe la traza de los tres grandes hospitales durante el reinado de los Reyes Católicos: Toledo, Granada y Santiago de Compostela. El otro foco es el burgalés. En Burgos se encarga de introducir la estética flamígera Juan de Colonia que se encargará de realizar las agujas caladas de la catedral de Burgos, cubierta con una rica bóveda octogonal estrellada y calada sólo en el centro. Las últimas grandes catedrales góticas en España en el XVI son las de Salamanca y Segovia, obras de Juan y Rodrigo Gil de Hontañón, inspiradas en la Catedral de Toledo. En esta última etapa del gótico se levantan en las principales ciudades, palacios civiles y casas particulares que repiten un esquema de sobriedad en sus proporciones y decoración. 4.- Escultura Gótica 4.1.- Características generales El arte gótico es el arte de las catedrales, es todo un conjunto que requiere la incorporación de la escultura y la pintura. El cambio de actitud espiritual de esta época es un cambio de actitud impulsada sobre todo por San Franciaco de Asis, con su optimismo y esa manera casi ingenua de ver el mundo. Frante a la visión apocalíptica del románico, ahora se parte de la base de que todo ha sido creado por Dios y por lo tanto todo es bello de por sí. Como consecuencia de este cambio, en escultura los personajes se humanizan y pierden el hieratismo y la rigidez; se irá profundizando en el naturalismo. Esto pronto se deja notar en los 2 temas fundamentales de iconografía: La Virgen María y el Cristo Crucificado. Frente a la Virgen románica, impasible, representada como trono de Dios, la virgen gótica se muestra como madre que es, en actitud cariñosa frente a su hijo, inclinando el rostro para mirarle e incluso jugando con él. Igual pasa con el Crucificado, frente al románico, insensible al dolor, se nos muestra ahora un Cristo que sufre. EStos cambios se irán acentuando conforme vaya evolucionando el estilo. En las catedrales el primer punto para la colocación de las estatuas son los pórticos, los cuales cumplen una función compleja pues deben de hacer abandonar al fiel de todo lo que conlleva la vida terrena para adentrarlo en el mundo espiritual. Los escultores góticos van a aprovechar los tímpanos, jambas y arquivoltas para la ubicación de sus esculturas. El deseo de humanizar y dotar de expresividad a las figuras, lleva a que las estatuas de las jambas en muchos casos se comuniquen entre sí e incluso sonrían. Esta tendencia ya se empezó a acusar a fines del románico y buen ejemplo de ello son las figuras del "Pórtico de la gloria" del "Maestro Mateo" en la Catedral de Santiago de Compostela. En las arquivoltas la colocación de las estatuas sufre un cambio con respecto al románico. Las figuras van a seguir la forma de la arquivolta. Con respecto a los tímpanos, estos siguen un programa iconográfico continuado. En el XIII se sigue una disposición de los tímpanos en 3 registros y posteriormente se dividirán en 3, 5 e incluso más. En el exterior de la catedral también encontramos esculturas en las galerías de reyes, las partes altas de los contrafuertes y las gárgolas propiamente dichas. En el interior hay que resaltar en primer lugar, que frente al románico, la escultura gótica evita los capiteles figurados. Ahora es el momento de los capiteles tipo vegetal, sobre todo hiedra, vid, roble o trebol y hoja de cardo llamada cardina. Se siguen representando seres fantásticos y monstruos, pero ya aisladamente y no en el interior gárgolas y remates de barandales. Otros puntos de ubicación de esculturas en el interior son los retablos, las sillerías de coro y los sepulcros. Se pueden distinguir 3 momentos importantes en la evolución de la evolución de la escultura gótica. En una primera etapa que comprende el XIII y llega hasta mediados del XIV, se impondrá el tipo creado en Francia, de figuras de rostro triangular, ojos rasgados y expresión sonriente. Desde mediados del XIV hasta el XV se alargan las figuras, se las hace describir curvas y contracurvas y se multiplican los pliegues de los ropajes. En el XV se abandona el "estilo curvilineo". Se individualizan los rostros, convirtiéndise en verdaderos retratos. 4.2.- Escultura gótica en Francia Hay dos obras que marcan el inicio de lo que es la escultura gótica en Francia y son "la Abadía de Saint-Denis" y el "pórtico real de la catedral de Chartres". Cartres es el centro renovador del XIII (Juicio final, Coronación de la Virgen, Natividad de Cristo y Santos martires) esto servirá de modelo para el resto de las catedrales europeas. Las figuras de la "Catedral de Amiens 1235 anuncian el estilo más naturalista, que tendrá su esplendor el siglo siguiente. En esta catedral es de resaltar el famoso "Beau-Dieu" o Cristo bendiciendo el parteluz. En "Reims" trabajan hasta 5 maestros diferentes. Aquí debemos destacar al llamado "maestro de la sonrisa", caracteriza a sus figuras, dotándolas de elegancia y expresividad. En las tres puertas de Reims los tímpanos han sido sustituídos por vidrieras. En el XIV el foco principal de la escultura francesa se traslada a Borgoña. El creador de la escuela borgoñona es Claus Sluter, cuya obra maestra es "Pozo de Moises", se trata de un pedestal hexagonal para un Calvario y cuyo Moises es inspirador del Moises de Miguel Angel. 4.3.- Escultura gótica en Alemania e Inglaterra Lo mejor de la escultura gótica en Alemania lo vamos a encontrar en la Catedral de Estrasburgo y más concretamente en su fachada principal, la cual presenta una clara influencia de Reims. Aquí las figuras sonrien a carcajadas o reflejan el dolor con esta tendencia al expresionismo tan netamente alemana. Las catedrales de "Bamberg" y "Naumburgo" tienen ejemplos importantes de la escultura gótica Alemana. En ellas se mezcla lo profano con lo divino y vemos en la fachada de Bamberg a Adán y Eva junto a las estatuas de los emperadores, y estos en lugares reservados a personajes divinos. En Inglaterra,a diferencia de lo que ocurre en el resto de Europa, se va a valorar más la escultura funeral que la monumental. Lo más singular de la escultura gótica inglesa lo representan los relicarios de alabastro que alcanzaron gran éxito y se llegaron a exportar numerosas cantidades al resto de Europa durante el XIV y el XV. Se conservan muy pocos en la propia Inglaterra, consecuencia de la persecución iconoclasta de la Reforma. 4.4.- Escultura gótica en Italia Hay una tendencia goticista dentro de un clima que es protorenacentista; el taller más destacado está en Siena, donde Nicola Pisano realiza el "púlpito de marmol del baptisterio de la catedral". Posteriormente su hijo Giovanni Pisano combinará la influencia clásica con las formas del gótico francés y en este estilo realizará el "púlpito de la Catedral de Siena". Aunque cronológicamente las esculturas realizadas en Italia en este periodo corresponden con el desarrollo del gótico, conceptualmente ya son obras renacentistas. 4.5.- Escultura gótica en España En el XIII el foco de actividad escultórica lo encontramos en Castilla con las escuelas de León y Burgos. Va a ser una escultura de clara inspiración francesa. Debemos destacar en León el conjunto escultórico de su fachada principal con "la Virgen Blanca" y en Burgos la decoración escultórica de las puertas del crucero (puertas del Sarmental y de la Coronería) y la posterior del claustro. La del Sarmental presenta en el tímpano a Cristo bendiciendo, mientras que los evangelistas, acompañados de sus respectivos símbolos, escriben sobre unos pupitres. La puerta del claustro presenta un gótico más avanzado. En el XV se paraliza la actividad artística de Castilla, asolada por la peste negra de 1340, convirtiéndose en centro los reinos de Aragón y Navarra. El reino de Aragón con Pedro el Grande conquista Nápoles y Sicilia, lo que motiva que vengan a trabajar artistas muy relacionados con los talleres italianos. La infliencia Italiana se ve en la Catedral de Tarragona. La escultura del Reino de Navarra tendrá menos repercusión "sepulcro de Carlos el Noble y su mujer" en la catedral de Pamplona. En el S. XV Castilla vuelve a recuperar su hegemonía y va a primar la escultura funeraria sobre la monumental. Burgos y Toledo se constituyen en sedes de las escuelas escultóricas "el retablo de la cartuja de Burgos" y el extraordinario "Sepulcro de Juan II y Doña Isabel de Portugal" también en la Cartuja. El conjunto que componen el retablo y el enterramiento constituyen uno de los mejores conjuntos de toda la escultura gótica del XV en Europa. En Toledo citar a Egas Cueman, autor de la "puerta de los leones" de la Catedral de Toledo en la que hay que destacar los típicos plegados angulosos flamencos en los ropajes de las figuras. Resulta más rica y ostentosa la escuela de Burgos que la de Toledo. Los sepulcros toledanos también son de interés; en ellos se euele representar al difunto de medio incorporado y leyendo en su lecho mortuorio. Destacamos el sepulcro de " Don Martín Vazquez de Arce", el "Doncel" en la catedral de sigüenza. En Sevilla la gran obra escultórica de fines del XV y principio del XVI es el retablo mayor de la catedral, dividido en numerosas calles y cuerpos con múltiples relieves. 5.- Pintura Gótica Una de las características principales del gótico era dotar a los espacios de luz, para lo cual se amplia el espacio destinado a vanos y a vidrieras, y como consecuencia se reduce el espacio destinado al muro. Esta disminución del muro trae como consecuencia la pérdida del espacio destinado a decoración pictórica que llevará a que la pintura gótica se tenga que desarrollar en espacios nuevos como podrían ser las propias vidrieras, los códices miniados y ya posteriormente los retablos. Las características fundamentales de la pintura gótica son una tendencia a la expresividad y al naturalismo contrarios a la rigidez del románico. Aunque la pintura gótica sigue siendo eminentemente lineal, el color deja de estar distribuído de un modo uniforme, acentuándose con sus gradaciones los valores plásticos de las figuras. La rigidez y el estatismo servían para expresar la idea del Dios románico distante e impasible. Así, el crucificado románico, rígido y con sus brazos adaptados a la cruz, carecía no sólo de volumen sino también de movimiento. El cristo del gótico rompe con la impasibilidad del románico y es un cristo que sufre. La renovación de la espiritualidad trajo consigo una renovación de la iconografía. Como en la arquitectura y en la escultura, en pintura va a ser Francia la encargada de marcar la tendencia a seguir. En el XIV serán Italia (con Giotto a la cabeza) y Flandes, con una pintura que ya es renacentista pero que al fundirse con las tradiciones netamente medievales del resto de Europa, darán lugar a un estilo que sí puede considerarse gótico. Como ejemplos notables de pintura gótica hay que citar la ilustraciones del las "Cántigas de Alfonso X el sabio", cuyos códices se conservan en el escorial y en Florencia y en cuyos folios, se representa la historia de la Castilla del momento (religión, niños jugando, cazadores, pintores, etc.) En cuanto a pintura mural destacar las pinturas de la "capilla de San Martín" en la catedral vieja de Salamanca. En España, lo más interesate se produce en la segunda mitad del XV, como consecuencia de la influencia de la pintura flamenca que entre otras cosas permitirá el desarrollo y perfeccionamiento de la pintura al óleo. El final del medievo es una época de extraordinaria riqueza, debido a la gran variedad de formulaciones artísticas propuestas y otras que empiezan a surgir y que supondrán el germen del arte posterior, del arte del Renacimiento. 6.- Resumen .- El gótico surge de la evolución del Románico, entre mediados del XII y XVI, nace en Francia, teniendo como punto de partida la reforma del Cister. La orden del Cister surge como reacción frente a los excesos a los que había llegado la orden de Cluny, supone una vuelta a la austeridad monacal. .- La estética gótica refleja una espiritualidad opuesta a la del Románico, frente al recogimiento de este último, el gótico persigue elevarse a Dios, lo que conlleva el triunfo de la luz sobre la sombra, del vano sobre el muro, de la altura sobre la anchura. .-Arquitectura: .- El monumento gótico por excelencia es la Catedral. La bóveda gótica es la de crucería y su arco el apuntado, en el exterior el peso de los muros se descarga sobre los arbotantes. .- Francia: país de origen del arte gótico. Se inicia el gótico en la Abadía de Saint-Denis. Primer gótico en Francia: Catedrales de Laon y Notre-Dame de París. Siglo XIII en Francia con las Catedrales de Chartes, Reims y Amiens. Últimos ejemplos del gótico en Francia: Catedrales de Bourges y Beauvais y Sainte-Chapelle de París. .- Italia: el gótico no va a arraigar en Italia, a excepción de la Catedral de Milán, obra de arquitectos franceses y alemanes. Lo mejor del gótico Italiano son los palacios Venecianos. En el Sur de Italia vamos a encontrar un gótico más puro, por influencia Española. .- Inglaterra: dentro del gótico en Inglaterra podemos distinguir tres etapas: 1.- Early english hasta 1250, como pueden ser las catedrales de "Canterbury", "Salisbury", "Lincoln" y "Westminster". Como elementos comunes destacar la utilización de cabeceras rectangulares, el empleo de grandes torres y la multiplicación de los pisos. 2.- Decorated style: etapa comprende aproximadamente un siglo desde 1250 a 1350. Es una etapa de predominio de bóvedas de abanico, estrelladas, de todo lo más ornamental. Corresponden a este periodo la "catedral de Wells". 3.- Perpendicular style o gótico perpendicular: desde mediados del XIV hasta principios del XVI. Corresponde a este periodo las capillas reales del "colegio del Rey" de Cambridge y la de Enrique VII de "la abadía de Westminster". .- Alemania: muy influída por los franceses (Catedral de Colonia) "Iglesias de salón "hallenkirche". .- Portugal: Estilo manuelino. Recargamiento decorativo. Motivos ornamentales de tipo marítimo. Monasterios de Belem y Batalha y torre de Belem. .- España: punto de arranque del gótico en los monasterios cistercienses (Poblet y Santes Creus). Primer gótico: Catedrales de Ávila y Cuenca. Siglo XIII: Catedrales de Burgos (con influencia de la catedral de Bourges), Toledo, la que más influirá en las posteriores y León, la más francesa de todas las catedrales góticas españolas. En el XIV propensión a las iglesias de nave única. En el XV desarrollo del llamado "estilo de los Reyes Católicos" o "hispano-flamenco": fusión del gótico flamígero con formas locales, especialmente mudéjares. Dos focos: el foco Toledano (San Juan del los Reyes) con Juan Gris y Enrique Egas y foco burgalés con Juan de Colonia que hará las agujas de la Catedral de Burgos. .-Escultura: Búsqueda del naturalismo y de la expresividad. Francia: inicio de la escultura gótica en la abadía de Saint-Denis y en la cateral de Chartres. El programa iconográfico seguido en las portadas de Chartres (Juicio final, Coronación de la Virgen, Natividad de Cristo y Santos mártires) servirá de modelo para el resto de las catedrales europeas. Alemania: Mejores ejemplos de escultura gótica alemana en la Catedral de Estrasburgo. Inglaterra: destacar dentro de la escultura gótica la escultura funeraria. España: dos focos: en el XIII la actividad escultórica se centra en Castila (Burgos, con Gil de Siloé y Toledo con Egas Cueman) y en el XIV el foco se desplaza a los Reinos de Aragón y Navarra (influencias de las obras italianas que ya son conceptualmente renacentistas). .-Pintura: Igual que en la escultura, se rompe con la rigidez y el hieratismo del románico. La pintura del inicio del gótico sigue las pautas marcadas por Francia. Poca pintura mural. La pintura gótica se desarrolla principalmente en vidrieras, los códices miniados y los retablos. #gotico#artegotico#cister

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ARCHIVO ZERKOWITZ www.zerkowitz.es

Nicola (1215/1220-1278/1284) y Giovanni Pisano (1250?-1314), padre e hijo, son dos arquitectos y escultores italianos considerados como los más importantes del Gótico y como precedentes de la escultura renacentista como lo fue Giotto para la pintura. Trabajaron juntos pero su estilo es diferente. Nicola fue también maestro de Arnolfo di Cambio, que trabajó como colaborador para él. Su principal aportación fue la vuelta a las formas clásicas de esculpir, sobre todo gracias a la influencia que sobre ellos tuvo el descubrimiento del Sarcófago Phaedra en el Camposanto de Pisa. Dotan a la escultura de movimiento, expresividad y volumen. Ambos son maestros de la narración y la composición, y juegan en sus representaciones con la luz y la oscuridad mediante el bajo, medio y alto relieve (relieve ático). Pero también destacan a la hora de realizar escultura en bulto redondo. NICOLA PISANO (Apulia, fallecido hacia 1284) “Púlpito del Baptisterio de la Catedral de Pisa” (mármol de Carrara, 1260) La primera obra reconocida de Nicola Pisano para la que se inspira en los Púlpitos que se realizaban en el sur de Italia, pero él añade la realización de relieves plenamente clásicos. En éste púlpito se consigue mucho más que la simple narración de escenas que ayudan al desarrollo de la liturgia, ya que encontramos la primera muestra de arquitectura escultórica en la que el arte supera a la mera finalidad educativa. La estructura es hexagonal (símbolo de la Muerte de Cristo) y se sitúa junto a la pila bautismal que es anterior y de forma octogonal (símbolo de la Resurrección de Cristo), y se armoniza con el conjunto de construcción circular (símbolo del nuevo nacimiento, eternidad y Dios). El púlpito se apoya sobre una gran columna en cuya base esculpe figuras grotescas y animales que simbolizan al paganismo derrotado por el Cristianismo, ésta columna está rodeada por otras seis columnas exteriores. El conjunto es aún muy gótico con arcos trilobulados, aunque ya va introduciendo gran cantidad de elementos clásicos como las figuras de evangelistas y profetas en las esquinas de los arcos y figuras de las virtudes y San Juan Bautista entre cada uno de ellos. Los relieves se organizan de forma armoniosa, separándolos con columnas clásicas. Los paneles muestran una narración consecutiva de escenas evangélicas: La Anunciación, la Natividad, el Anuncio a los pastores, la Adoración de los Magos, la Presentación en el Templo, La Crucifixión y el Juicio Final. Quedan restos de pintura que nos hacen pensar que estuvo policromado, y podemos ver especialmente la utilización de tonos oscuros en los fondos para remarcar el claro-oscuro. Nicola adaptó al contexto cristiano el estilo de realización de relieves greco-romano (relieve ático) ya que es clara la inspiración del sarcófago de Phaedra encontrado en el Camposanto de Pisa y que impactó al artista. Pero lo más destacado es la realización de las figuras, con un estudio maestro del volumen, la expresividad, el tratamiento de cabellos y ropajes, el espacio y el movimiento, la introducción de una ligera ambientación y la maestría en la narración. “La Anunciación, el nacimiento de Jesús y la adoración de los pastores” Unifica en un solo panel las tres escenas, lo que será común en él y en su hijo a partir de ahora. La imagen de la Virgen está claramente inspirada en la de Phaedra del Sarcófago encontrado en el Camposanto de Pisa, pero Nicola da su toque personal y la hace propia. La realización de ésta figura a la manera de las matronas romanas es plenamente clásica, ya sea en su peinado como en el tratamiento de los ropajes y el rostro. “Adoración de los Magos”, aprovecha la realización de las figuras de los Magos para hacer un estudio de las tres edades del hombre. “La Presentación en el Templo”, es una de los paneles que más se inspiran en los relieves del sarcófago Phaedra encontrado en el Camposanto de Pisa y que tanto impresionó a padre e hijo. Las representaciones de la Profetisa Ana y de Santa Isabel parecen directamente sacadas de dicho sarcófago. También las figuras de Simeón y su acólito parecen sacadas de las figuras de Dionisios y el sátiro (que también inspirarán a Miguel Ángel a la hora de realizar su Baco). “La Fidelidad”, se trata de una figura alegórica que porta un perro, símbolo de fidelidad. Algunos consideran que esta figura salió de las manos de su hijo Giovanni. “La Fortaleza” Es quizás una de las figuras que mejor muestran la evolución hacia el Clasicismo de Nicola Pisano. Se trata de una de las virtudes que emanan de la obra de Platón sobre la República, pero esta vez no utiliza la figura femenina como era tradicional, sino la de un hombre que porta una piel de león y los atributos de la fuerza. Se considera a esta figura el primer atisbo de renacimiento del clasicismo, por lo tanto una obra maestra que inspirará a los grandes escultores del Renacimiento Italiano. Se aparta de la manera de representar desnudos en el Gótico primitivo, parece que Pisano se inspiró en uno de los Sarcófagos que hay en el Museo de las Termas, aunque se muestra técnicamente diferente siendo éste de Nicola más clásico y de mayor calidad técnica. Miguel Ángel bien pudo inspirarse en ésta figura para realizar su David, con la curva praxiteliana (contraposto) y la idéntica posición de las piernas, así como por la expresión de conjunto de fuerza tanto física como psicológica. A pesar de no llegar al metro de altura, parece monumental dentro del contexto. “Púlpito de la Catedral de Siena” (Mármol, 1265-1268) El éxito del Púlpito de la Catedral de Pisa hizo que se encargara a Nicola Pisano la realización de éste de la Catedral de Siena. Realizado en mármol de Carrara muestra variaciones con respecto al de Pisa. Es octogonal (Símbolo de la Resurreción de Cristo) y tiene siete relieves históricos. Coloca figuras entre cada panel, a diferencia del de Pisa en el que utilizó columnas, de ésta manera sobrecarga la decoración a lo que añade la cornisa volada y decorada con figuras. Las narraciones se contemplan como en una tira narrativa. Dada la oscuridad interior de la Catedral de Siena y la dificultad de lectura de las escenas Pisano opta por aumentar el tamaño de los paneles, aunque también multiplica el número de figuras y las reduce de tamaño. Las columnas fueron reemplazadas en 1329 y se modificó la escalera en el siglo XVI al cambiar la ubicación del Púlpito a su lugar actual. La influencia del estilo de los marfiles franceses es clara, aunque Nicola destaca por su seguimiento de las formas germanas de representar en la escultura. Pero será sobre todo el paulatino conocimiento de los relieves romanos lo que irá marcando su estilo y el de su hijo Giovanni. Cada vez se muestra más interesado en la buena terminación del conjunto cuidando la superficie, la composición y la profundidad (a lo que ayuda la colocación de puentes: trozos de piedra que sujetan las figuras casi en bulto redondo con la superficie del panel); y sigue tratando de dar ambientación en la medida de lo posible. También ha evolucionado en la expresividad y en el tratamiento de volúmenes y ropajes. El Púlpito descansa sobre columnas que se apoyan sobre figuras de leones (dos machos que devoran sus presas y dos hembras que crían a sus cachorros). Una columna interior reposa sobre las figuras de varios personajes que representan las artes liberales. Los siete relieves nos narran episodios de la vida de Cristo con añadidos a las escenas ya presentadas en el de Pisa: la Anunciación, Adoración de los magos, La matanza de los inocentes (que probablemente fuera realizada por su hijo Giovanni), El Juicio Final. "La Adoración de los Magos" es el segundo de los 7 paneles de relieves históricos. Muestra una gran acumulación de personajes ya que superpone varias escenas del viaje de los Magos y finalmente la adoración en el Portal. podemos ver también su gusto por añadir fondos de paisaje a pesar de la falta de espacio. “Cristo del Apocalípsis” Entre los paneles que representan la matanza de los inocentes y la Crucifixión se encuentra esta escultura que nos muestra al Cristo Juez del Apocalipsis. Con una mirada casi amenazadora, nos muestra las marcas de la Pasión. Está realizado con gran realismo y mucha influencia clásica en el tratamiento del torso y los ropajes. “Madonna con el Niño” muestra la imagen de María con majestuosidad coronada al estilo medieval, hace un tratamiento de los pliegues perfecto, dando sensación de pesadez de las telas esculpidas de forma delicada y al tiempo marcando el volumen del cuerpo que cubre. El rostro de maría es dulce, con una ligera sonrisa mientras que el niño aparece más forzado como añadido posteriormente. “Fonte Maggiore” (1278, mármol y bronce, Piazza 4 Novembre, Perugia) Ésta es la última obra conocida de Nicola Pisano. En ella colaboró con su hijo Giovanni y varios ingenieros hidráulicos. Se trata de un encargo de las autoridades de Perugia y Nicola aprovechará para representar uno de los derechos fundamentales de los ciudadanos mediante alegorías: el libre acceso al agua. La orientación de la fuente es hacia los cuatro puntos cardinales y marca el centro de la ciudad. La fuente se realizó en mármol y bronce y se eleva sobre una escalinata de 4 peldaños. Su base es poligonal con 25 lados y aunque aparece cuajada de esculturas lo arquitectónico domina. Se construyó en tres niveles, el primero sobre una base de 25 lados cada uno con dos relieves. El segundo nivel se sustenta sobre columnas y tiene una base de 12 caras con las salidas de agua hechas en bronce y en cuyos ángulos coloca 24 figuras. El tercer nivel consiste en un vaso de bronce muy simple sobre una base de columna muy alta. Todo ello está coronado por tres cariátides de bronce que portan cántaros sobre sus cabezas. Las decenas de relieves son una mezcla típicamente medieval: escenas bíblicas, animales fantásticos, personificación de las estaciones y lugares, y retratos de los dignatarios locales, pero el vigor y la espontaneidad de la talla expresa una nueva libertad y naturalidad. GIOVANNI PISANO, hijo de Nicola Pisano (1250-1314), comienza trabajando con su padre pero poco a poco va consiguiendo independencia y llegará a considerarse uno de los padres de la escultura renacentista. Destaca como autor de relieves en los que utiliza la técnica ática. Será uno de los inspiradores de la obra de Miguel Ángel. Profeta de la Fuente maggiore (Perugia, 1278, mármol). La fuente de Perugia, realizada por su padre fue completada en 1278. Se considera que ésta escultura es obra únicamente de Giovanni, aunque hay autores que la consideran de Nicola. "Madonna con el niño" (Camposanto, Pisa, 1280, Mármol), realizada durante su colaboración con su padre. Eculturas para la fachada de la Catedral de Siena (1280-1297) Realiza varias obras en diferentes años para decorar la fachada de la Catedral, lo que es novedoso en la Italia Gótica, nada aficionada hasta ahora a decorar con esculturas las fachadas de las catedrales ni los pórticos, lo que encontramos en Siena no es más que la influencia de Francia. En éste caso las figuras iban a situarse entre los gabletes de las puertas, en pequeñas hornacinas góticas, no en los tímpanos. Su uso se generalizará a partir de ahora, especialmente lo vemos en la Catedral de Santa María de las Flores en Florencia. Hoy día las esculturas de Giovanni Pisano se encuentran refugiadas en el Museo della Opera del Duomo de Siena. De ellas destacan: "Platón" (Piedra, 1280, Museo de la Opera del Duomo, Siena) Se trata de una de las figuras destinadas a la fachada de la cathedral, hoy en el Museo. Giovanni no muestra tanto gusto como su padre por lo decorativo, de hecho sus representaciones son mucho mas sobrias y carentes de sobrecargamiento. "Sibila" (1285-1295, mármol, Museo de la Opera del Duomo, Siena) "El profeta Ageo" (1285-1295, mármol, Museo de la Opera del Duomo, Siena) Representación del profeta Isaías (1285-1295, mármol, Museo de la Opera del Duomo de Siena) La figura muestra gran movimiento y expresividad, exageradas ya que está realizada para ser observada desde lejos. La barba muestra la maestría de Giovanni en su manejo del claro-oscuro. Miriam (mármol, 1285-1297, Museo de la Opera del Duomo, Siena) destinada a la fachada de la Catedral representa a la hermana de Moisés. Tiene gran movimiento que se refleja en la boca entreabierta, el cuerpo torcido, la cabeza ladeada y los pliegues. Hoy se encuentra en el museo. "Madonna con el Niño" (marfil, Tesoro del Duomo, Pisa, 1299) originalmente formaba parte de un tabernáculo en el que se situaba entre dos ángeles y con relieves en marfil. "Púlpito de la Iglesia de san Andrés" (mármol, 1301, Pistoia), se encargó éste púlpito a Giovanni hacia 1297 y la inscripción nos informa que fue encargado por Canon Arnoldus siendo terminado en 1301. La Iglesia de San Andrés es una pequeña iglesia románica, lo que obliga al autor a diseñar un púlpito hexagonal de pequeñas dimensiones. Su realización en plenamente gótica, en los arcos y en las decoraciones. Pero las figuras ya muestran una evolución hacia el clasicismo que se verá plenamente culminada en el Púlpito de Pisa. Las figuras altas aparecen ligeramente curvadas hacia el espectador, técnica que utiliza Pisano por primera vez, con el objetivo de facilitar la visión desde abajo. La técnica utilizada es la del cincel, con una realización rápida y profunda, lo que ha dejado numerosas marcas de golpe de cincel en el mármol. Las figuras son muy expresivas, algunas inacabadas para resaltar la expresividad. La mayor profundidad del relieve sirve para jugar con la luz y las sombras. Los cinco relieves principales represetan: la Anunciación, la Natividad y el anuncio a los pastores; La Adoración, el sueño de los Magos y el sueño de José; La matanza de los Inocentes; La Crucifixión y el Juicio Final. Muestran la maestría de Giovanni como narrador de las historias bíblicas. Como en Siena, hay figuras en los ángulos que separan las escenas de los relieves. En la foto vemos la cara del Púlpito que muestra la Crucifixión y a continuación el Juicio Final. “Matanza de los Inocentes” con gran realismo muestra Giovanni el sufrimiento de las madres, la cruel muerte de los niños y la crueldad de los asesinos. Una gran cantidad de figuras amontonadas, algunas de las cuales piden clemencia a Herodes, que aparece entronizado a la derecha. “Nacimiento de Jesús” Representa en una misma escena cuatro momentos diferentes: La Anunciacion, La Natividad, el lavado del Niño y la Anunciación a los Pastores. “Adoración de los Magos”, muestra en un mismo panel el sueño de José, el sueño de los magos y la adoración de los Magos. "Diácono" hay imágenes que separan cada panel de relieves históricos. Las columnas que soportan el púlpito descansan también sobre figuras, como las de los leones que crían a varios cachorros y se apoyan sobre un conejo. Otra de ellas sustituye los leones por un atlante barbado que retuerce su cuerpo en contraposto. Una de las figuras que separa los relieves del Púlpito es éste diácono. "Sibila", En los ángulos de las arquivoltas se sitúan las imágenes de las seis sibilas atendidas por genios que susurran a sus oidos. Será un motivo utilizado también por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. La influencia de los marfiles franceses se ve reflejada en todo el conjunto. Ésta muestra una figura pagana que veremos muy repetida en el Renacimiento. La mujer es inspirada por un genio que aparece sobre su hombro, la forma de representar es comparable con la manera en la que Miguel Ángel representa a la Sibila Libia en la Capilla Sixtina. El movimiento y el volumen en el tratamiento de los ropajes es una de las grandes aportaciones de los Pisano a la escultura Gótica y que abre paso a los grandes del Renacimiento. “Púlpito de la Catedral de Pisa” (Mármol, 1302-1311) Después de completar el Púlpito de la Cateral de Pistoia, Burgundio di Tado le encarga a Giovanni el de la Catedral de Pisa en mármol de Carrara. Fue instalado en el coro derecho pero en 1595 sufrió un incendio y tuvo que ser desmantelado, se reconstruyó en 1926, aunque algunas de las representaciones no pudieron ser recuperadas de los museos extranjeros en los que se encuentran. Es de forma octogonal, siguiendo el modelo del Púlpito que hizo su padre en la Catedral de Pisa, pero añade nuevas plataformas para que tengan cabida más relieves, como los paneles que incluyó en la parte alta de la escalera. En conjunto recoge 9 paneles decorados con relieves históricos repartidos: 7 en la parte superior y 2 en la parte alta de la escalera. Todo ello da una sensación circular al conjunto, más que octogonal. Los relatos se leen como una tira de cómic, la pesada cornisa ayuda a impulsar el ojo del espectador. Nos muestra a Giovanni como un narrador de talento que utiliza la superposición de episodios y creando variaciones a lo que venía a ser la forma de representación de los Pisano. También introdujo dos nuevos temas - uno con tres episodios en la vida de Juan el Bautista, y otro que representa la traición y la flagelación, así como Cristo ante Caifás. No se sabe con seguridad cuántas manos intervinieron en su realización, pero la variedad en el relieve muestra que fueron el maestro y varios ayudantes, ya que la manera de realizar el bajorrelieve es diferente en cada parte. También las figuras muestran variedad a la hora de ser realizadas. Por otro lado alternan formas góticas con formas plenamente clásicas, como la realización de volutas que sustituyen a las formas góticas en las arquivoltas, y éste clasicismo no es propio de los Pisano, y de ser de mano de Giovanni nos lo mostraría aún más como un precedente del Renacimiento. “Natividad” La novedad que introducen los Pisano es la de tartar de dar una ambientación realista a los relieves. La escena muestra varios episodios, ya que junto con la Natividad aparece el anuncio a los pastores, dato que aprovecha el autor para dar ambientación paisajística y hacer un detallado estudio de los animales (ovejas y perros). Al mismo tiempo se reflejan dos escenas diferentes en el Portal: María observa a su Hijo en el pesebre en la parte superior, mientras que en la inferior aparecen las comadronas lavando al Niño recién nacido. “Crucifixión” Giovanni representa de forma completa la escena de la Crucifixión, poniendo las tres cruces y mostrando el conjunto a la manera en la que los pintores de la época lo realizaban. Gran cantidad de figuras rodean al Crucificado, que marca el centro de la representación, y en la parte superior el fondo se llena de ángeles, algunos portan el Cáliz y el Pan símbolos de la Eucaristía. Las figuras a los pies de la cruz se retuercen, subrayando el dramatismo del momento, y aparecen amontonadas junto a caballos en escorzo y figuras burlonas. “Huída a Egipto” "El Juicio Final", detalle que muestra a los condenados. Superposición de cuerpos desnudos en alto-medio y bajorrelieve, o relieve ático, que es un precendete de la manera de hacer relieves de Miguel Ángel en el Renacimiento. “La Fortaleza y la Prudencia” Los soportes inferiores del Púlpito son las figuras más interesantes del conjunto. Es probable que también sea la reconstrucción más inexacta. Giovanni se muestra realmente innovador en ésta zona. Por un lado muestra a la Ciudad de Pisa o de la Iglesia que amamanta a dos niños a sus pechos, como imagen de la Caridad. Lo sitúa sobre una base en la que representa a las cuatro virtudes cardinales. La Prudencia se inspira en las Venus clásicas, una de las representaciones de Giovanni que se cataloga de obra maestra del Arte Italiano dentro de éste Púlpito. “Hércules” es otra de las figuras de la base del Púlpito. Giovanni realiza una representación de Hércules muy espiritual, dado que se trata de una figura pagana decorando un púlpito cristiano. Se encuentra por su clasicismo y maestría entre una de las obras maestras de la escultura italiana, siendo claro antecedente de la escultura renacentista. Ya vemos a un escultor que ha creado su propia manera de representar, muy diferente a la de su padre. "Madonna con el Niño" (Cappella Scrovegni o Arena, Padua, 1305-1306, mármol) ésta Madonna fue encargada por Enrico Scrovegni para decorar la capilla familiar en Padua. Hoy se encuentra frente a la tumba de la familia y forma conjunto con dos ángeles que son de realización posterior. Las dos figuras se miran cara a cara en un gesto tierno e íntimo, ella sustenta al Niño sobre su cadera forzando la figura en contrapposto. El niño busca de manera instintiva el pecho de su madre. El clasicismo a la hora de realizar las figuras y los ropajes es claro, y algunos ven la influencia que sobre el autor tuvo El Giotto, que realizaba las pinturas de la capilla al mismo tiempo, aunque no hay pruebas sobre ello ya que no se sabe si Giovanni se trasladó a Padua para trabajar o lo hizo en Pisa. El goticismo aparece todavía en la corona de la Virgen, muy influenciada por formas góticas francesas. Madonna con el Niño y dos ángeles (Cappella Scrovegni o Arena, Padua, 1310?, mármol) El conjunto se situó decorando la capilla funeraria de la familia Scrovegni, Enrico encargó ésta capilla para expiar sus propios pecados y los de su padre, ya que habían ganado su enorme fortuna gracias a la usura, razón por la que Dante los sitúa en su Divina Comedia en el Infierno. "Madonna con el Niño" (Museo Cívico de Pisa, 1301-1312, mármol) Última obra de Giovanni que nos ha llegado. Está mutilada. Fue realizada para decorar el tímpano de la Catedral de Pisa.

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He lived in an age when artists were beginning to make names for themselves. The master-mason Hugues Libergier, whose funerary slab may be seen today in the cathedral of Reims, was his contemporary.

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