INDICE: Unidad 1: El Islam y Al-Andalus Unidad 2: La Europa feudal Unidad 3: La ciudad medieval Unidad 4: Aragón en la Alta Edad Media (Siglos IX-XII) Unidad 5: Aragón en la Baja Edad Media (Siglos…
CONTEXTO HISTÓRICO SOCIAL: Contexto del Barroco en la España del XVII (http://www.materialesdelengua.org/) Felipe III, Felipe IV y Carlos II: tres reyes que no eran magos (http://www.materialesdelengua.org/) ¿Cómo era la vida cotidiana en la España del Siglo de Oro? BREVE INTRODUCCIÓN A LA LITERATURA BARROCA: La poesía, el teatro y la prosa MÁS SOBRE EL BARROCO: Os recomiendo estas diapositivas …
Luca Giordano, El barroco italiano
The Foundation Mass of the Order of Trinitarians - Juan Carreño de Miranda
El rapto de Europa se ha fechado hacia principios de la década de los años cuarenta del siglo XVII, estando inscrita dentro del periodo parisino del arti...
Women in the act of making themselves beautiful in front of a mirror has always been a popular on paintings. For the person hunting for cl...
Continuando con la sala dedicada a los “Testigos del amor de Dios”, nos detenemos en el “poverello de Asís”, como llamaban a san Francisco, una obra realizada por uno de los mejores escultores del XVIII en España.
Today is Feb. 14th! Happy Valentines Day! The concept of LOVE has been explored by many artists throughout history. Some of my own paintings and drawings are based on this theme. Love is a very strong emotion, and is probably as difficult to define as art itself. There are several kinds of love – maternal, patriotism, brotherly, romantic love, etc. Artists have interpreted this emotion in many ways, as seen in these 10 famous paintings and sculptures based on LOVE! Famous LOVE Artwork – Paintings and Sculptures Love - Robert Indiana Love (above) is a famous sculpture by American Pop artist Robert Indiana. There are several versions, at the Indianapolis Museum of Art, Philadelphia Museum of Art and the one above located in New York City, USA. The original design was actually for a Christmas card (1964) for the Museum of Modern Art. The design has also been reproduced countless times in popular culture. The Kiss - Gustav Klimt The Kiss (1907-1908) is a much loved painting by Gustav Klimt, an Austrian painter. The painting displays an embracing couple, surrounded by patterns in the robes. The style was influenced by the arts and crafts movement and Art Nouveau. The mediums are oil and gold leaf on canvas. The Kiss can be viewed at Österreichische Galerie Belvedere, Vienna. In The Garden - Pierre Auguste Renoir Renoir painted this painting in 1885, and it is now displayed at the Hermitage Museum in Saint Petersburg, Russia. A couple is seen relaxing and surrounded by the beauty of the garden. The man gazes at the lady, seemingly eager to capture her attention. A bouquet of flowers lay on the table. He holds one hand and wraps the other around her waist, while she gazes at the viewer. The love of the young man seems to be unrequited. The Kiss - Edvard Munch Edvard Munch (better known for his painting The Scream) captured the passion of love in this powerful expressionist painting The Kiss (1897). The faces are indistinguishable and locked together in a kiss. The image is dramatic and moody. The figures are melded together in an embrace, oblivious of anything else but each other. The Kiss can be seen at The Munch Museum. The Kiss – Auguste Rodin This time the kissing theme is explored by sculptor Rodin – The Kiss. This marble sculpture was created by Rodin in 1889. The concept for the sculpture originated from a relief in Rodin’s The Gates of Hell. The sculpture stirred controversy because of the erotic imagery, and first wasn’t considered appropriate for public viewing. The sculpture now appears at the Musée Rodin in Paris, France. Two of the several copies can be viewed at Ny Carlsberg Glyptotek in Copenhagen and Tuileries Garden in Paris. Dance in the Country - Pierre Auguste Renoir Dance in the Country is an oil on canvas painted by Renoir in 1883. The painting depicts a dancing couple. The couple appears to be engrossed in the music and each other as they dance, accentuated by the appearance of a dropped hat and messy table. The painting can be seen at Musée d'Orsay, Paris, France. Le Printemps (Spring) - Pierre Auguste Cot This oil on canvas painting was painted by Pierre Auguste Cot in 1873. It depicts young love, as a young couple shares a swing. The couple is surrounded by symbols of nature’s rebirth and life associated with spring, such as butterflies, flowers and water. The couple gaze at each other, while the girl embraces the young man. The surrounding dense forest symbolizes a hidden place. The painting symbolizes the newness of life and rebirth associated with Spring. The painting can be viewed at Metropolitan Museum of Art, New York City. Return of the Prodical Son – Rembrandt This painting is Rembrandt’s interpretation of the parable of the prodical son from the Bible. The love seen here is unconditional, and is the type of love that comes from a forgiving parent. The father welcomes his son home after squandering his inheritance, while the other son stands judgementally. The oil painting was created two years before Rembrandt’s death, and is considered by many to be one of his finest works of art. Find the painting at Hermitage Museum, Saint Petersburg. The Lovers - Rene Magritte The Lovers is a painting by French surrealist Rene Magritte, created in 1928. The painting depicts a veiled couple embracing and kissing. Obviously symbolic, many have speculated about why the couple is veiled. Many have also interpreted the painting in different ways – the common interpretation being “Love is blind”. Do you have any opinions about the meaning of the painting? The Lovers can be viewed at the Museum of Modern Art in New York City. Siesta - Van Gogh Siesta was painted in 1890 while Van Gogh stayed at St. Rémy. The painting is a copy of one of Jean Francois Millet’s etchings. A couple naps in the shade of a haystack, during midday. The brush strokes and composition is more relaxed than much of Van Gogh’s work at the time, which shows Van Gogh’s genius in capturing a peaceful moment in time. The painting can be viewed at Musée d'Orsay in Paris, France.
Iglesia del convento de San Plácido. Madrid. Foto: turismomadrid.com El escultor portugués Manuel Pereira instaló su prestigioso taller en la calle Cantarranas (actual Lope de Vega) de Madrid hacia 1646. Allí convivió junto a su familia, madre y hermano (el también escultor Pantaleón Gómez). Su vida conoció los éxitos y fracasos propios de los artistas, conociendo incluso la prisión en 1635 cuatro años antes de fallecer su mujer, debido a las deudas contraídas. Pudo liberarse de ella gracias a sus fiadores y colaboradores, el ensamblador Juan Bautista Garrido y el pintor Giuseppe Leonardo. Recibió el nombramiento de Familiar del Santo Oficio, un titulo muy apreciado por él según se deduce de su testamento, en cuyo encabezamiento antepone este título al oficio de escultor, tras presentar las pruebas pertinentes de limpieza de sangre y alegando ser descendiente de "cavalleros fidalgos del Reyno de Portugal". Su deseo de ascender socialmente se vio cumplido al llegar a disfrutar de una desahogada posición económica y al conseguir casar a su hija Damiana con D. José de Mendieta, caballero de la Orden de Santiago, a la que también llegaron a pertenecer sus nietos. En Madrid realizó una copiosa producción escultórica, en piedra, alabastro y madera. Sus modelos, especialmente la iconografía de crucificados vivos y santos, ejercieron una gran influencia en la escultura madrileña de su tiempo, en una época de gran demanda de imágenes para las iglesias de Madrid y alrededores. Ya desde la capital de España realizó encargos para Alcalá de Henares, Loeches y Torrejón de Velasco -como ya vimos-, Amorebieta, Ávila, Burgos, Longares, Martín Muñoz de las Posadas, Murcia, Pamplona, Salamanca, Segovia, Sevilla y Soria. También envió obras desde Madrid al convento portugués de Santo Domingos de Bemfica por encargo del conde de Figueiro, de las que se conservan un singular crucifijo y una Virgen del Rosario de gran dulzura en su rostro, trabajando como colaboradores su hermano Pantaleón y los escultores Manuel Correa, también originario de Oporto, Manuel Delgado y el navarro José Martínez. Fotos: Jesús Urrea Manuel Pereira alcanzó una edad longeva, observándose en su etapa final cierta influencia de Alonso Cano, si bien durante los diez últimos años de su vida sufrió una paulatina ceguera que le fue apartando de la vida profesional. Su ciclo vital se inició en un Portugal recién anexionado a la corona española, vivió y trabajó en un reino que fue dual más de sesenta años y murió como extranjero en Madrid en 1683 a punto de cumplir los 95 años de edad. Gracias a las investigaciones realizadas por Mercedes Agulló Cobo y Jesús Urrea Fernández podemos hacer un completo recorrido cronológico por las obras madrileñas de Pereira, muchas de las cuales conocemos en todo su esplendor si bien, en muchos casos, la tarea de reproducirlas no resulta nada fácil por no decir que se trata de una misión imposible. Por ello agradecemos también a los autores de algunas de las fotografías que, por su dificultad, hemos utilizado para ilustrar este artículo: El Cristo del Olivar, tallada en 1647, preside el oratorio de igual nombre y tiene como todos los Cristos del escultor unas esbeltas proporciones e influencias del granadino Alonso Cano. Foto: Pessoas en Madrid El Cristo del Perdón. Representaba a Cristo arrodillado sobre la esfera del mundo intercediendo ante el Padre por los hombres. Desapareció junto al convento del Rosario de Madrid en 1936. Podemos hacernos una idea suya por las réplicas que se hicieron de él como la de Comillas y la de Luis Salvador Carmona de 1751 para la Granja de San Ildefonso, repetida en Atienza y en el Convento de Nª Sª del Rosario de Nava del Rey. Cristo del Perdón. Luis Salvador Carmona. Convento de los Sagrados Corazones, Madres Capuchinas. Nava del Rey, Valladolid. Foto: Domus Pucelae Esculturas de San Antonio de Lisboa y Padua. Fueron talladas para la iglesia del Hospital de los portugueses. Sobre el dintel de la puerta de ingreso al templo se sitúa la hornacina que alberga la que talló en piedra hacia 1630-1647. Es una representación clásica de la iconografía del santo lisboeta a la que el autor le impregna de una especial ternura en la mirada que dirige al Niño. Foto: Pessoas en Madrid El retablo mayor lo preside una talla en madera policromada del santo realizada hacia 1632-1640. Se conserva muy reformada y repintada desde el siglo XVIII. Foto: Pessoas en Madrid Para la muy cercana iglesia del Convento de San Plácido realizó hacia 1668 las cuatro grandes tallas en madera policromada de San Anselmo, San Bernardo de Claravall, San Ruperto de Salzburgo y San Ildefonso. Están alojadas en las hornacinas de los machones del crucero del templo. Tienen una factura imponente con una policromía austera y expresividad concentrada. Su desigual calidad hace sospechar a Jesús Urrea la intervención de algún colaborador. San Bernardo de Claravall. Foto: Jesús Urrea. San Ruperto de Salzburgo. Foto: Jesús Urrea. San Ildefonso. Foto: Jesús Urrea. Se relacionan también con Pereira las esculturas de San Plácido y San Benito situadas en la parte baja de las calles laterales del retablo mayor. Foto: turismomadrid.com Y para la fachada del mismo templo talló en piedra un bellísimo altorrelieve de la Anunciación situado sobre el dintel de la puerta, así como un San Benito dentro de un nicho protegido por una reja. Foto: Pessoas en Madrid Foto: Pessoas en Madrid Para la parroquia de San Andrés talló un gran número de esculturas entre 1658 y 1668. El retablo mayor alojaba las imágenes de la Virgen, San Andrés, San Pedro, San Pablo, Santa Teresa de Jesús, San Pedro de Alcántara, San Juan Evangelista, San Marcos, San Lucas y San Mateo mientras que la barroca capilla de San Isidro albergaba las de los diez Santos labradores (Adán, Eliseo, Alejandro, Eustaquio, Orencio, Simeón, Emeterio, Lamberto, Galdénico y Esteban). Estas últimas fueron trasladadas al Colegio Imperial en el siglo XVIII donde fueron pintadas de blanco, según el gusto neoclásico de la época. Todas ellas desaparecieron en 1936. San Esteban labrador. Foto: Jesús Urrea. Antonio Palomino le atribuye también las estatuas de piedra de la Virgen, San Isidro y San Andrés perdidas a excepción de la del titular de la parroquia, que tras un largo periodo de abandono por el jardín y decapitada ha sido recientemente restaurada y colocada en una de las portadas laterales de la Capilla de San Isidro. Foto: Pessoas en Madrid La única escultura profana conocida de Pereira es la lamentablemente desaparecida de Neptuno. Fue labrada en piedra para ser colocada en la fuente del Humilladero de San Francisco en 1640. San Antonio Abad fue esculpido en piedra para la portada del convento de Las Maravillas y en talla procesional para la parroquia de San Luis, ambos realizados hacia 1644 y desaparecidos en 1936. Para el convento de Las Maravillas también realizó una escultura en mármol y piedra de Tamajón de la Virgen con el Niño, hacia 1644. San Agustín y San Felipe fueron igualmente tallados en piedra en 1638 y en 1646 respectivamente. Los conventos de sus titulares fueron derribados en el siglo XIX. Idéntica suerte corrieron las esculturas de San Benito y San Martín y sus respectivos conventos, atribuidas por Antonio Palomino y Ceán Bermúdez respectivamente. El convento de Santo Tomás fue derribado tras un incendio en 1875 y con él también desaparecieron las imágenes de San Pedro y San Pablo realizadas para la capilla de Santo Domingo en Soriano. La Virgen de Montserrat fue tallada en 1641 en madera policromada por el pintor y amigo del maestro Luis Fernández. Preside el retablo mayor de la iglesia de Nuestra Señora de Montserrat. Foto: Viendo Madrid Santa Isabel de Portugal. Talla en madera policromada. c. 1625. 180 x 88 x 55 cm. Monasterio de las Descalzas Reales. Inv. 00612119. Al conocer el carácter ascético de la obra madrileña de este escultor, podemos comprender la inquietud y admiración que esta provocaba en un inteligente y mundano Felipe IV. Casi dos décadas después de contemplar embelesado a San Bruno, el rey tendría aún que soportar las altivas y severas miradas de San Anselmo, San Ruperto o San Ildefonso cuando este cruzara la penumbra de la iglesia de San Plácido en busca de una aventura amorosa en el interior del convento. No en vano, cuenta la leyenda, que el arrepentimiento fue grande y en pago por tal pecado ofrecería al convento el Cristo pintado por Velázquez. Esta vez, sus pensamientos serían parecidos al nuevamente hamletiano: Ser o no ser, esa es la cuestión. ARTÍCULOS RELACIONADOS: Manuel Pereira (I) BIBLIOGRAFÍA: DOMUS PUCELAE. J. M. Travieso. lahornacina.com, Semblanzas.
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“#Maíno introdujo en España el realismo colorista del primer #Caravaggio, desarrollado por pintores como #Gentileschi”
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