Un libro del historiador Juan Pablo Fusi analiza el tránsito de la cultura española desde el franquismo a la democracia El régimen que se impuso en España
FOTOGRAFÍA Y ARTES PLÁSTICAS: UN SIGLO DE INTERRELACIONES 1837-1937 DRA. Mª LUISA BELLIDO GANT Universidad de Granada “Hay un rumor sordo de que, gracias a este instrumento, desaparecerán de golpe …
A la hora de estudiar o leer sobre los diferentes periodos históricos, las etiquetas utilizadas para definirlos resultan a veces confusas. La Edad Media… ¿está entre medias de qué? ¿Por qué llamamos Edad Moderna a los siglos XVI al XVIII, que tienen muy poco de “modernos”? Si lo que denominamos Contemporánea acaba a finales del siglo XX , ¿cómo hemos de llamar a nuestros tiempos actuales?.
Allá por los años 50 del siglo XX, surgió en Perú una escuela de pintores que rotulaba «a puro pulso» las matrículas y la carga máxima que podían transportar los camiones. Más de medio siglo después e inspirados por esa experiencia, los diseñadores gráficos y artistas visuales Azucena del Carmen y A
La década de 1930, los años previos a la Segunda Guerra Mundial, vieron La gran crisis mundial de 1929, que fue una grave crisis financiera mundial. Su duración varía según los países exami
Los momentos claves del siglo XX, los que moldearon la cultura como la conocemos hoy, retratados de maneras espectaculares e interesantes.
Unos 50 expertos seleccionaron las mejores creaciones de la centuria pasada; Le Corbusier, Mies van der Rohe y Frank Lloyd Wright son los grandes elegidos; Villa Savoye, situada en las afueras de París, está en la cima del ranking
Puedes escuchar todos los capítulos del programa "Curiosidades de la historia" en tu plataforma favorita de podcast aquí: Spotify | Ivoox | Apple Podcast | Google Podcast.
First appearing in the early 1900s, the Shell logo has moved from a realistic pecten rendering, to today's Raymond Loewy design from 1971.
Los momentos claves del siglo XX, los que moldearon la cultura como la conocemos hoy, retratados de maneras espectaculares e interesantes.
Entre 1820 y 1930 se producía una de las mayores migraciones humanas de la historia. Millones de europeos procedentes principalmente de zonas rurales, emigraron durante varias décadas hacia América y en menor medida a otros continentes como Oceanía.
Фото Китая начала 20-ого века. Основной источник - форум www.popularasians.com/forum/showthread.p hp Человек, разместивший эти снимки, сделал предварительно их специальную обработку, поэтому они кажутся вполне себе современными. Все фото я сделал кликабельными, так как утомился,…
La legendaria periodista y escritora está considerada la corresponsal más intrépida del siglo XX. Oriana Fallaci hizo además gala de una fuerte personalidad y una profunda inteligencia, y realizó innumerables entrevistas a todo tipo de personajes con un estilo muy peculiar. Aunque llegó a resultar un incordio para muchos, todo el mundo quería ser entrevistado por ella.
www.youtube.com/watch?v=UdgFQHQxcDU&feature=related CHULAPO/A No confundir nunca la vestimenta real y tradicional de Madrid con la que equivocadamente se viene considerando como traje típico, véase "ropa castiza" de los chulapos y chulapas o manolo y manola, pues no es en sí un traje regional, sino más bien una forma de vestimenta usual allá por el siglo XIX. Fijado por las zarzuelas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX (La verbena de la Paloma) chaquetilla o chaleco con clavel en la solapa, pantalones oscuros y ajustados, gorra negra a cuadros, botines y pañuelo blanco al cuello y ellas con pañuelo a la cabeza con clavel rojo o blanco, blusa blanca y ajustada con falda de lunares o vestido típico de lunares hasta los pies y Mantón de Manila. En Madrid se celebra el 15 de mayo San Isidro Labrador, donde los chulapos y las chulapas se visten con el traje típico, bailan el chotis y degustan las famosas rosquillas del Santo. MANTON DE MANILA Su nombre está asociado al Puerto de Manila (Filipinas), donde la colonia española desembarcaba los productos traídos del Lejano Oriente durante el siglo XV. En realidad el origen de esta prenda está en China donde se realizaban en seda y estaban bordados a mano generalmente de flores o pájaros. En un principio estaban decorados con dragones, bambú o pagodas (decoraciones típicas chinas). Sobre sus dimensiones es significativo mencionar que debía - por lo menos - cubrir toda la espalda y llegar al extremo de cada brazo, cuando éstos se ubican en posición de cruz con el torso. Por otro lado es de destacar que cuanto más liviano esté confeccionado, mucho mejor para poder soportarlo comodamente sobre el cuerpo y lucirlo con más prestancia al efectuar movimientos o figuras (en este último caso y más precisamente, se hace referencia a su utilización generalizada por las bailarinas (bailaoras) de flamenco). Bailaora con mantón (s.XIX)El mantón de Manila está fuertemente asociado al baile flamenco, aunque es un complemento del vestido usado también por las cantaoras y además, en algunas épocas, se ha usado como una prenda cotidiana. El origen del bordado de Mantón está en China. Los primeros mantones bordados y otras prendas, como quimonos, cojines o cuadros se hacen en China. Tradicionalmente se realizaban en seda y estaban bordados a mano con motivos florales de la naturaleza como flores, pájaros, y motivos Chinos: pagodas, dragones...todo ambientado en el paisaje oriental. Aunque su origen se encuentra en China, es la capital de Filipinas, antigua colonia española, la que le ha dado nombre. En la época imperial española (sXVI) el comercio marítimo se concreta en varias rutas: Una de ellas es la ruta de Manila (Filipinas) a Veracruz (México) y a Sevilla (España). Sevilla conoce el mantón traído de Manila (de ahí su nombre) muy prontamente, y algún pueblo del Aljarafe, como es Villamanrique, estuvo relacionado con este comercio, por ser el marqués de Villamanrique Virrey de México y más tarde por tener entre sus marineros al marino Bernal, de origen manriqueño. En poco tiempo, las decoraciones chinas de los mantones fueron sustituidas por motivos autóctonos; desaparecieron los dragones, el bambú y las pagodas y aparecieron rosetones y pájaros, rosas, claveles y otras flores, cada una con su significado (lirio: pureza; margarita: impaciencia; rosa: secreto; girasol: fidelidad…). También fue en España donde se le añadieron los flecos. Poco a poco, el mantón de Manila se fue convirtiendo en una prenda habitual del vestido femenino por toda la geografia española, y más especialmente en las tierras del sur, tanto entre las mujeres pudientes de la alta sociedad como entre las clases populares. La moda pasó y el mantón dejó de ser vestido cotidiano, pero quedó asociado al vestuario flamenco, sobre todo de bailaora, y a los vestuarios regionales. ------------------------------------------- Chulapas / A Do not ever confuse the real and traditional dress of Madrid which has been wrongly considered as costume, see "clothes Castiza" of Chulapos and manola Chulapas or manolo and therefore is not in itself a costume, but rather a usual form of dress back in the nineteenth century. Posted by operettas of the late nineteenth and early twentieth century (La verbena de la Paloma) jacket or vest with a carnation in his lapel, and tight dark pants, black plaid hat, boots and a white scarf around his neck and those with tissue at the top with red or white carnation, white blouse and skirt set with moles or moles traditional dress to the feet and Manila shawl. Held in Madrid on May 15 San Isidro Labrador, where Chulapas Chulapos and wear the traditional dress, dance and taste the famous chotis the Holy donuts. MANTON DE MANILA /Shawl His name is associated with the Port of Manila (Philippines), where the Spanish colony landed on goods brought from the Far East during the fifteenth century. In fact the origin of this garment is in China where they were engaged in silk and hand embroidered flowers and birds generally. In the beginning were decorated with dragons, bamboo pagodas (typical Chinese decorations.) On its magnitude is worth mentioning that should - at least - to cover the entire back and reach the end of each arm, when they are placed in a position to cross with the torso. On the other hand it is noteworthy that the more light is made of, much better to be able to stand comfortably on the body and wear it with more poise when performing movements or figures (in the latter case, more precisely, it refers to its widespread use by dancers (dancers) of flamenco). Dancer with shawl (nineteenth century) The Manila shawl is strongly associated with flamenco dancing, although it is a complement to the dress is also used by singers and also at certain times, has been used as an everyday garment. The origin of the embroidered shawl in China. Early embroidered shawls and other garments, such as kimonos, cushions or tables are made in China. Traditionally it was performed in silk and hand embroidered with floral motifs from nature like flowers, birds, and Chinese motifs: pagodas, dragons ... all set in the eastern landscape. Although its origins lie in China, is the capital of the Philippines, former Spanish colony, which has given name. In the Spanish imperial era (sXVI) maritime trade in several specific routes: One is the route of Manila (Philippines) to Veracruz (Mexico) and Sevilla (Spain). Sevilla known Manila shawl brought (hence the name) very quickly, and some people of Aljarafe, as Villamanrique was related to this trade, as the Marquis de Villamanrique Viceroy of Mexico and later to have among its sailors to Marine Bernal, manriqueño home. Soon, Chinese decorations shawls were replaced by native motifs; disappeared dragons, pagodas and bamboo and roses and birds appeared, roses, carnations and other flowers each with its meaning (lily: purity; margarita: impatience rose: secret sunflower loyalty ...). It was also in Spain where the fringes were added. Gradually, the shawl was becoming a common piece of female clothing throughout the Spanish geography, and more especially in the southern lands, both among wealthy women of high society and among the popular classes. The fashion passed and shawl longer everyday clothing, but clothing was associated with flamenco, particularly flamenco dancer, and regional costumes.
Robert Capa, former staff photographer for "LIFE" magazine, was killed yesterday when he stepped on a mine in the Thai Binh region of northern Viet Nam, according to an ...
El periodista Witold Szabelowski explica en un libro su viaje por cuatro continentes conociendo a los cocineros que dieron de comer a algunos de los tiranos más conocidos del siglo XX.
Les nuits de Place Blanche / Christer Strömholm ; texto de Joakim Strömholm ; diseño de Silvia Rotllant Barcelona : Fundació Foto Colectania, 2015 [04-16] 48 p. ISBN 9788416282159 / 25 € / ES / CAT / EN / FR / Fotografía / Francia / Historia – Siglo XX / Marginalidad / París / Prostitución / Testimonios / Transexualidad / Transgénero “Les nuits de Place Blanche” nos sumerge en la vida nocturna de París de los años 50 y 60, concretamente en la comunidad transexual del barrio cercano a la plaza Pigalle. Christer Strömholm, considerado el padre de la fotografía contemporánea en Suecia, retrata a los personajes de manera íntima y exuberante, ya sea en la calle o en las habitaciones de los hoteles donde residen. Para el autor, se trata de un trabajo sobre la libertad de cada uno para elegir su propia vida y su identidad que, con el tiempo, se ha convertido en un conjunto de recuerdos conmovedores de las debilidades y fortalezas del ser humano. En definitiva, se trata de una serie que destila fragilidad y belleza y que simboliza muy bien lo que para Strömholm significa trabajar con la fotografía: la posibilidad de ahondar en las grandes preguntas de la vida, como el amor, la muerte y la soledad humana. DOCUMENTACIÓN Les nuits de Place Blanche. Christer Strömholm Blog Fundación Foto Colectania, 2015-04-22 https://fotocolectania.wordpress.com/2015/04/22/publicacion-de-les-nuits-de-place-blanche-christer-stromholm/ > Y TAMBIÉN… La tentación de existir en colectania Teo Camino | Lamono, 2015-04-23 http://lamonomagazine.com/review-la-tentacion-de-existir-en-colectania/#.VTt98WabTZs Les nuits de Place Blanche. Christer Strömholm Blog Fundación Foto Colectania, 2015-04-22 https://fotocolectania.wordpress.com/2015/04/22/publicacion-de-les-nuits-de-place-blanche-christer-stromholm/ Aquellas transexuales pioneras de los 50 Andrea Miotto | Shangay, 2015-04-21 http://shangay.com/aquellas-transexuales-pioneras-de-los-50 Exposición de Anders Petersen y Christer Strömholm Blog Fundación Foto Colectania, 2015-04-16 https://fotocolectania.wordpress.com/2015/04/16/exposicion-de-anders-petersen-y-christer-stromholm/ La tentación de existir' llega a la Fundación Foto Colectania de Barcelona Chueca, 2015-04-16 http://www.chueca.com/articulo/la-tentacion-de-existir-llega-a-la-fundacion-foto-colectania-de-barcelona El "mundo marginal" llega a Foto Colectania con la exposición 'La tentación de existir' Europa Press, 2015-04-15 http://www.europapress.es/catalunya/noticia-mundo-marginal-llega-foto-colectania-exposicion-tentacion-existir-20150415143208.html Strömholm y Petersen, la tentación de existir Hoyesarte, 2015-04-13 http://www.hoyesarte.com/evento/2015/04/stromholm-y-petersen-la-tentacion-de-existir/ Christer Strömholm y las amigas transgénero de la Plaza Blanche Frako Ayapul | Fotofestín, 2014-06-25 http://fotofestin.com/christer-stromholm-y-las-amigas-transgenero-de-la-plaza-blanche/ Les amis de Place Blanche Andy Basile, 2014-05-07 http://www.andybasileinsight.com/les-amis-de-place-blance/
Miseria, alcoholismo y drogas marcaron su vida, pero su voz inconfundible la convirtió en un símbolo del siglo XX
Los expertos alertan de posibles efectos devastadores si el patógeno llega a España
La Escuela Moderna fue un centro de enseñanza que existió al comenzar el siglo XX en Cataluña. Fue fundada en 1901 en Barcelona por el pedagogo y librepensador Francisco Ferrer Guardia. El objet…
Existen referencias del azafrán que datan del año 2300 a. C. A partir de esta fecha son variadas y diversas las referencias sobre su uso en ritos y ceremonias religiosas, en medicina, en la gastronomía, etc. Según las investigaciones de los egiptólogos, ya se usaba mucho en el antiguo Egipto. En los Cantos de Salomón se mencionaba ya el nombre de Karkom, cómo uno de los productos más alabados del reino vegetal. Con esta palabra, procedente tal vez de la India, está relacionado el nombre griego Krokos y el latino Crocum (Crocus de los poetas). En la literatura griega y romana se cita con frecuencia, y lo que del azafrán en tales obras se dice demuestra el importante papel que el color y el olor del azafrán tuvieron en la vida refinada de la antigüedad clásica. Se ha usado frecuentemente como tinte (colorante). Se teñían de azafrán los vestidos de fiesta y se esparcía azafrán por el suelo de las salas en que se celebraban festines y se rellenaban de azafrán los cojines. Una definitiva identificación del azafrán data de 1.700- 1.600 a. C. en una pintura en el palacio de Minos en Knossos en Creta. Otro fresco data de 1.500 a. C. y presenta a una joven cosechando azafrán ceremoniosamente, ha sido descubierto recientemente en Akrotiri en la isla de There. El azafrán es recolectado, picando la flor entera en Minos mientras que las jóvenes de Teran pican solo los estigmas directamente. Más tarde el azafrán es mencionado en la Biblia, en la Ilíada y en el siglo V a. C. en el registro Kashonini. En el siglo IV a.C la principal área de cultivo era en Corycos en Cilicia, en las costas mediterráneas de Turquía y en Inglaterra. En Egipto sobre el 1.000 a.C el azafrán pudo ser usado en embalsamamientos ó más tarde ocasionalmente para colorante de mortajas en donde las momias eran cubiertas, amarillo las hembras y rojo los machos. El azafrán era un importante colorante en la Grecia antigua y en Roma era usado para colorear la ropa de matrimonio. En otro tiempo fue usado como tintes para el pelo por los romanos. Los griegos lo consideraban como un perfume sensual. Fue esparcido en los vestíbulos, patios, y teatros griegos y en baños romanos; las calles de Roma fueron rociadas con un azafrán cuando Nerón entró en la ciudad. El azafrán procede de las mesetas de Anatolia y desde esta Península asiática se extendió al resto del mundo propiciado, en gran parte por los árabes, quienes aprovecharon la mítica “Ruta de la Seda” en sus transacciones comerciales con Oriente (India, China, Thailandia) y el “Mare Nostrum” de los romanos, para trasladar a occidente esta especia, llegando a la Península Ibérica en los siglos VIII Y IX durante el Califato de Córdoba, no tardando en extenderse por la mayor parte de los territorios de Al-Andalus. El nombre de azafrán se debe a los árabes , ellos lo llaman sáfaran, que significa “ser amarillo”. EGIPTO: Los antiguos egipcios, en sus banquetes, acostumbraban a rodear el borde de sus vasos con flores de azafrán y también lo utilizaban para embalsamar a sus faraones, ya que vinculaban esta especia con los poderes del Más Allá. ANTIGUO TESTAMENTO: Se hace referencia a que los hebreos purificaban el agua sagrada con azafrán. GRECIA: Según la mitología griega, el azafrán recibió su nombre de un joven llamado Croco, que fue transformado posteriormente por los dioses en esta planta. Otra leyenda griega cuenta que el origen de esta planta se debe al dios Hermes, divinidad griega del fuego, que habiendo herido de muerte, sin querer, a su amigo Croscos, hizo transformar la sangre que manaba de su cabeza en unas florecillas con vistosos estigmas de color rojo. Hipócrates, el padre de la Medicina, no dudó en incluir al azafrán en sus fórmulas y Homero en su Iliada destaca que los héroes y ninfas iban vestidos con túnicas de azafrán. Los antiguos griegos acostumbraban a esparcir azafrán en los teatros para perfumarlos, el color azafrán era el de los reyes y las mujeres lo utilizaban para teñir sus vestidos. ROMA: Los antiguos romanos usaban azafrán en sus baños, y al igual que los griegos, se recostaban en almohadones rellenos de azafrán porque pensaban que así evitarían las resacas. Los griegos ya lo utilizaban contra la embriaguez pretendiendo retardar las borracheras mediante infusiones de azafrán que se tomaban antes de entregarse a los placeres del dios Baco, además de considerar esta especia como un poderoso y demostrado afrodisíaco. Se esparció azafrán en las calles de Roma cuando Nerón hizo su entrada triunfal en la capital del Imperio como era tradicional hacerlo. Las cortesanas, en la época imperial lo utilizaban como producto de belleza. Se llegó a poner azafrán en el agua de los canarios para que mejoraran su plumaje. ORIENTE: Tras la muerte de Buda, sus discípulos establecieron el azafrán como color oficial en sus túnicas. Allí, el azafrán es símbolo de sabiduría, y como tal, forma parte de los ritos budistas. VÍNCULO CON EL MEDIO GEOGRÁFICO. LA MANCHA El azafrán fue introducido en España durante la dominación árabe. Durante los siglos VIII y IX fue un producto monopolizado por la alta burguesía andalusí. La cocina arábiga era muy pródiga en condimentos herbáceos, por lo que en todos los huertos existían semilleros de estas plantas, principalmente cominos, alcaravea, ajemuz, mastuerzo, anís de grano dulce, hinojo, anís silvestre, culantro, mostaza, menta, hierbabuena y perejil. Pero el condimento más importante para la economía musulmana era el azafrán, usado como colorante y aderezo indispensable en la mayoría de los platos. Posteriormente, existe constancia escrita del cultivo de azafrán en La Mancha en la obra “Cultivo del azafrán en La Solana” de J.A. López de la Osa, de 1897, en la que se incluyen datos sobre este cultivo de cien años atrás, citándose un inventario judicial del año 1720 en el que también aparece el azafrán. En el primer tercio del siglo XIX La Mancha producía el azafrán de mejor calidad de España, alcanzándose los mayores rendimientos por hectárea de secano. Está abundantemente documentado, el cultivo inmemorial en Pedro Muñoz, Campo de Criptana y Manzanares (Ciudad Real), en Lillo, Madridejos, Villacañas, Villanueva de Alcardete y Cabezamesada (Toledo) y en Motilla del Palancar (Cuenca). Pero la mejor prueba de la existencia de un fuerte vínculo histórico del cultivo con la región manchega está en las múltiples manifestaciones culturales que son tradicionales de esta zona. Como toda actividad fuertemente enraizada en una sociedad, el cultivo del azafrán ha dado lugar a un vocabulario propio de gran riqueza.; El trabajo de M. Nuñez y J.C. Conde, “El léxico del azafrán en el habla manchega (Al-Basit. Revista de Estudios Albacetenses, 28. Albacete 1991) incluye una amplia muestra de expresiones referidas al azafrán recogidas mediante encuestas realizadas en la provincia de Albacete. La tradición del cultivo del azafrán en La Mancha está también presente en manifestaciones del folklore típico de la región, existiendo una jota manchega dedicada a este producto, en canciones y refranes, y es el tema de ambientación de la zarzuela que lleva por título “La rosa del azafrán” (Libreto de F.Romero y G. Fernández Show; y música del maestro Jacinto Guerrero, estrenada en Madrid en 1930). Cabe destacar también la existencia de manuales de divulgación de las técnicas de cultivo y elaboración, como el anteriormente citado, de J.A. López de la Osa, o la obra de L. Jiménez Martín “El azafranero práctico” (Albacete: Imprenta Eduardo Miranda, 1900). La relevancia de este cultivo dentro de las manifestaciones culturales tradicionales se vuelve a poner de manifiesto con la Fiesta de la Rosa del Azafrán que se realiza en Consuegra (Toledo), siempre el último fin de semana de Octubre, los concursos de monda que se celebran en La Solana (Ciudad Real) en el marco de sus fiestas patronales y el Festival de la Rosa del Azafrán de Santa Ana (Albacete). Por último, como muestra significativa del carácter tradicional y de la importancia económica de este cultivo, cabe citar la costumbre, que aún pervive en algunos pueblos manchegos, de regalar unas briznas de azafrán a las parejas de novios como símbolo del deseo de prosperidad. Zona Geográfica del Azafrán de La Mancha: Está situada en el interior de la Comunidad Autónoma de Castilla-La Mancha, ocupando las comarcas manchegas pertenecientes a las provincias de Toledo, Cuenca, Ciudad Real y Albacete. POSTED ON 28/01/2014 BY ASOMA Fuente: http://azafransolidario.org/2014/01/historia-del-azafran/ http://www.alacenadelaprendiz.es/2013/06/el-azafran-curiosidades-e-hsitoria.html
La educadora italiana María Montessori aseveraba que la mayor señal de éxito de un profesor es poder decir: «Ahora los niños trabajan como si yo no existiera».
Arquitecto: Rogers-Piano Construido en: 1977 Superestructura: 7 niveles Altura : 42 m (en la Rue Beaubourg), 45,5 m (en la piazza) Longitud : 166 m, anchura : 60 m Infraestructura: 3 pisos Profundidad: 18 m, longitud: 180 m, anchura : 110 m. Excavación: 300.000 m³ Hormigón armado: 50.000 m³ Estructura metálica: 15.000 toneladas de acero Fachadas, superficies acristaladas: 11.000 m² Superficies opacas: 7.000 m² El Centro Pompidou es el nombre más comúnmente empleado (otros son Beaubourg o Centro Georges Pompidou) para designar al Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París (Francia), diseñado por los entonces jóvenes arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers. El edificio alberga el Musée National d'Art Moderne; el IRCAM, un centro de investigación musical y acústica; y una biblioteca(bibliothèque) con un aforo de 2.000 personas, abierta al público. Concluido en 1977, el Centro Pompidou fue inaugurado el 31 de enero del mismo año. Posee una de las colecciones de arte moderno y contemporáneo más completas del mundo junto con la Tate Modern de Londres y el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. El centro fue construido sobre el espacio que anteriormente ocupaba el mercado de Les Halles (por lo que hubo muchas opiniones contrarias a la demolición del antiguo y bastante emblemático mercado) durante el mandato del presidente francés Georges Pompidou, el cual falleció antes de que se terminara el edificio. Fue su sucesor, Valéry Giscard d'Estaing, quien lo inauguró en 1977. Rehabilitado entre 1997 y diciembre de 1999, volvió a abrir sus puertas al público el 1 de enero de 2000. Es de uno de los monumentos más visitados de Francia, con cerca de seis millones de visitantes al año. El Centro Pompidou fue diseñado por los entonces jóvenes arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers. El edificio es de un estilo que fue muy innovador en los años 70, cuadrado, de estructura industrialista, y con los elementos funcionales, conductos, escaleras, etc., visibles desde el exterior. Las conducciones de agua, aire o electricidad fueron pintadas de colores atrevidos y extraídos de la parte principal del edificio, para dejar un interior diáfano. Aunque se desató una polémica cuando fue acabado, hoy día la gente se ha acostumbrado a su peculiar aspecto y goza de mucha popularidad. Es uno de los primeros edificios de la arquitectura high-tech. PROYECTO El presidente de Francia, Georges Pompidou, que gobernó desde 1969 hasta 1974, quiso revitalizar el barrio de Les Halles, una zona deprimida económica y socialmente. En él estaba el mercado de abastos, un enorme centro que vendía productos al por mayor y al por menor. Fue diseñado en la época de Napoleón, y su primer proyecto era historicista, a lo cual, el emperador se negó. Así pues, este enorme mercado tuvo un diseño más funcional, con cubiertas en todos los pabellones y calles, y con la estructura metálica. Pompidou, para revitalizar el IV Distrito, decidió derribar este mercado ya que desprendía malos olores y producía un tráfico caótico. En su lugar se construyó el edificio de la bolsa, de planta circular, unos jardines y un nuevo centro comercial con conexión a la estación de metro del barrio. Otro edificio perteneciente a este plan de revitalización es el Centro Georges Pompidou, llamado originalmente Centro Beaubourg. Es un museo de arte contemporáneo importantísimo, tiene un gran centro cívico y una biblioteca de acceso público. El concurso para escoger el diseño de este edificio comenzó en 1970, y el jurado estaba compuesto por distinguidos y reconocidos arquitectos. Los que ganaron fueron Renzo Piano (*1937) y Richard Rogers (*1933), dos personas jóvenes y desconocidas en aquel año, los cuales se asociaron en este proyecto y en sólo otro más. Renzo Piano es italiano y tiene familia inglesa. Rogers es inglés y tiene madre italiana. Estos dos arquitectos ganaron el concurso, aparte de por su excelente proyecto, gracias a dos miembros del jurado. Uno de ellos era Philip Johnson(1906–2005), un estadounidense de la corriente miesiana que introdujo la arquitectura europea en Estados Unidos después de la II Guerra Mundial. El otro fue Jean Prouvé (1901–1984), un francés de la rama de los arquitectos franceses que unían la tecnología a la arquitectura en los años 1950. Le Ricolais fue un ingeniero experimental que probaba estructuras metálicas ligeras y tensadas. Prouvé, influido por este ingeniero, estuvo muy interesado en la tecnología y por eso le gustó bastante el proyecto de Piano y Rogers. Fue Prouvé el mayor impulsor en dar la victoria a estos dos jóvenes. La construcción del Pompidou comenzó en 1970. Cuatro años más tarde, el entonces Presidente de Francia Georges Pompidou, falleció, por lo que las obras del edificio sufrieron un importante parón. Fue la viuda del presidente francés la que hizo que se terminase con éxito en 1977. ENTORNO El Centro Pompidou contrasta enormemente con los edificios que le rodean. Así, la forma, los colores y la altura de este edificio resultan ser estridentes para su entorno en el momento en que se construyó y también hoy en día. Su función es también extraña en la época en que se hizo. Un centro que reúne arquitectura, arte moderno, arte antiguo, libros y lugares donde los niños «juegan con el arte», no era corriente entonces. Su museo de arte contemporáneo es el más importante del mundo. En cuanto a su apariencia exterior, el entramado de barras, tubos y elementos tecnológicos que se agolpan en las fachadas hace que el Pompidou se parezca a un juguete tecnológico, similar a un meccano. Es llamado por los parisinos «La fábrica de gas». Esta estridencia que tanto lo caracteriza formaba parte de las pretensiones del concurso. Esta es en la actualidad una de las construcciones más famosas de la arquitectura “High Tech”, que paradójicamente, en el momento de su inauguración fue producto de innumerables críticas por parte de historicistas conservadores que repitieron el fenómeno sucedido con la torre Eiffel, pues hoy en día, el Centro Georges Pompidou es un símbolo más de la ciudad TECNOLOGÍA El Centro Pompidou es uno de los primeros edificios de la corriente High-tech. Está notablemente influido por la arquitectura de Mies Van der Rohe y por la del grupo Archigram. En cuanto a la influencia del arquitecto alemán, se aprecia en el edificio el racionalismo propio de su Arquitectura Moderna en el sentido de que el inmueble es entendido como un contenedor vacío en el que se pueda meter cualquier cosa. El interior del Pompidou es completamente diáfano y es entendido por Johnson como un contenedor con espacios interiores móviles. Las grandes luces están salvadas por un total de catorce enormes vigas vierendel paralelas entre sí y perpendiculares a la fachada de la plaza. La influencia del grupo Archigram, es palpable en las novedosas y complicadas formas que tiene el edificio en cuanto a los muchísimos tubos, barras y estructuras que invaden las fachadas, usando una «tecnología en broma». Archigram creó numerosos diseños en los años 1960 llenos de fantasía y looks sicodélicos con influencias hippies. En sus proyectos abundaban los tubos, colores y estructuras metálicas exteriores. Se trata de un edificio en dos partes : 1. una infraestructura de tres niveles donde se reagrupan los locales técnicos y de servicio, 2. una amplia superestructura de vidrio y acero de siete niveles, incluyendo la terraza y el entresuelo, que concentra la mayoría de los sectores de actividad del Centro, con la excepción del Ircam, situado en la plaza Stravinsky La planta es rectangular, siendo los lados más largos los correspondientes a la fachada de la plaza y la de servicio. En la última planta hay un famoso restaurante de comida de fusión. Tiene un patio situado en la esquina superior derecha (según se mira al edificio desde la plaza). A esta terraza se accede por la escalera exterior de la fachada de la plaza A pesar de que todos los tubos y barras no dejen ver las fachadas del Pompidou, el interior es bastante luminoso ya que el acristalamiento es continuo. Por los techos interiores pasan todas las tuberías y elementos que hay en las fachadas, estando todos estos elementos a la vista. De esta manera, dentro del edificio se consigue esa misma imagen de caos y maraña de elementos tecnológicos propia del exterior. Renzo Piano colocó sobre cada obra de arte un pequeño falso techo para protegerla visualmente de la red de tubos que hay en el techo y evitar que la mirada se distraiga al contemplar la obra expuesta. PLAZA El Centro Pompidou ocupa poco menos de la mitad de su solar. La parte que sobra es una enorme plaza pública considerada parte del edificio ya que en ella se hacen actividades relacionadas con el centro. El diseño de este espacio exterior fue decisivo en la victoria de Piano y Rogers en el concurso. En la plaza se agolpan los teatros callejeros, dibujantes, pequeñas tiendas callejeras y grupos de jóvenes, todos ellos relacionados con el arte y la cultura. En los límites de este espacio público hay colocados enormes tubos, algunos de ellos agrupados de dos en dos, que son los respiraderos del aparcamiento subterráneo que ocupa todo el solar. El gran tamaño de estos tubos de refrigeración y su semejanza con las vías de ventilación de los barcos les convierten en elementos propios del Centro Pompidou, ampliando los límites del edificio a toda la plaza. El suelo de ésta está inclinado ligeramente hacia el Centro Pompidou, funcionando el edificio de telón de fondo. Desde la restauración del Centro Pompidou llevada a cabo desde septiembre de 1997 hasta enero de 2000, hay más restricciones en las actividades que se hacen en la plaza, habiendo más vigilancia tanto dentro como fuera del edificio. En esta reforma se abrió al tráfico algunas calles colindantes con la plaza que antes eran peatonales. El resto de edificios que forman parte de la plaza son, principalmente, de finales del siglo XIX, de estilo modernista y con influencias de edificaciones más antiguas. Los inmuebles que miran a la cara oeste del Pompidou tienen mansardas. En muchos de estos edificios había galerías de arte que resultaban ser muy visitadas gracias a la cercanía del Pompidou. Progresivamente, estas salas de arte dieron paso a tiendas, las cuales tienen mucho éxito gracias a la gran afluencia de turistas que visitan en Centro Pompidou. HIGH TECH Hay que recordar que este edificio es el tercer sitio más visitado de París. De esta manera, en el barrio que rodea al centro de arte hay una mezcla entre turistas y gente joven “canalla” y desinhibida. También viven yuppies, ejecutivos agresivos que viven en carísimos apartamentos. Jean Baudrillard escribió el libro L’effect Beaubourg en 1977. En él habla de lo que supone la construcción del Pompidou para el barrio en que se encuentra, una zona deprimida antes de la existencia de este centro de arte. Baudrillard dice en su libro que el arte del siglo XX es trasgresor, secreto y que quiere cambiar la sociedad. También apunta que el previsto mal uso del Centro Pompidou es una expresión del odio que genera ese arte contemporáneo y misterioso. El edificio tiene en cada uno de los forjados trece huecos limitados por catorce vigas vierendel paralelas. Estas piezas son de un enorme tamaño y son prefabricadas, por lo que hubo que hacer un gran despliegue logístico para llevarlas al solar de construcción. Las vigas son visibles en las fachadas laterales (la norte y la sur). Las vigas de diferentes plantas se unen entre sí con tensores. Los pilares del Pompidou son metálicos con sección redonda. Hay una estructura inventada en este edificio conocida por el nombre de Gerberette. Son unas piezas metálicas horizontales ancladas a los pilares por uno de los extremos a modo de voladizos. Tienen una sección curva y su función es sujetar las estructuras metálicas que sobresalen de las fachadas oeste y este. Su inventor es el ingeniero alemán Gerberett, y se diseñaron para ampliar la superficie de los puentes. De esta manera, se observa que toda la estructura del Pompidou es metálica, incumpliendo aparentemente la normativa parisina contra incendios. Sin embargo, esta legislación es respetada ya que los pilares están refrigerados por agua que hay en el interior de cada uno de ellos. El armazón metálico está formado por 14 pórticos que sostienen 13 tramos con una luz de 48 m cada una, espaciadas por 12,80 m. Sobre los postes, en cada nivel, se articulan elementos de acero moldeado denominados gerberettes, de 8 m de longitud y 10 toneladas de peso. Las vigas, de una longitud de 45 m, se apoyan en estas gerberettes, que transmiten el peso a los postes y se equilibran mediante tirantes anclados en barras. Cada planta tiene una altura de 7 m entre suelo y techo. La superestructura de vidrio y acero envuelve los grandes espacios camuflados. En las fachadas oeste y este hay «cruces de San Andrés», unos tensores cruzados perpendicularmente entre sí, e inclinados aproximadamente 45º respecto del suelo, colocados en cada cuadrado formado por las barras horizontales y verticales que hay en el exterior de estas fachadas. Estos tensores son sorprendentemente finos y tienen mucha seguridad, es decir, que para que la estructura que conforman fracasase habría que cortar bastantes de estos tensores. Para rematar la «maraña de barras y estructuras» que hay en las fachadas, en la que da a la plaza se suma la estructura que sujeta la escalera exterior. Hay barras y tubos de las fachadas que no tienen función estructural, y su único acometido es contribuir en el caos visual que dificulta la comprensión del espacio. Detrás de este conjunto de barras y tubos están las fachadas propiamente dichas. Tienen un acristalamiento continuo, dividido en módulos rectangulares y con carpintería metálica ortogonal. Las instalaciones del edificio tienen una serie de colores que sirven de código para que el visitante sepa la función que tiene cada elemento. Las piezas pintadas de rojo cumplen con la función de comunicación (ascensores y escaleras), el azul es la climatización, el verde las instalaciones del agua , el amarillo es la electricidad, y el blanco las tomas y extracciones de aire. La escalera exterior de la fachada de la plaza tiene sus forjados inclinados pintados de rojo. Las escaleras, que son mecánicas, están recubiertas por un tubo de sección circular transparente. Están divididas en varios tiros, y entre cada tramo hay una zona llana que comunica con una planta. Dentro del tubo hay muchos elementos tecnológicos para dificultar la percepción espacial. En el centro de la fachada de servicio (la fachada este, la opuesta a la plaza) hay una torre con tres ascensores exteriores, y en la fachada de la plaza (la fachada oeste) hay una escalera exterior que cruza el edificio de izquierda a derecha (según se mira desde la plaza), que está dentro de un tubo transparente y está dividida por tramos. Es esta fachada la única que es mediática, es decir, que en ella se fijan carteles de gran tamaño con fines comerciales. El Pompidou tenía tres plantas subterráneas usadas como aparcamientos, pero después de la restauración de 1997 pasó a tener dos. El Pompidou tiene un total de siete plantas situadas sobre el nivel del suelo. La planta es rectangular, siendo los lados más largos los correspondientes a la fachada de la plaza y la de servicio. En la última planta hay un famoso restaurante de comida de fusión. Tiene un patio situado en la esquina superior derecha (según se mira al edificio desde la plaza). A esta terraza se accede por la escalera exterior de la fachada de la plaza. Dentro del restaurante hay piezas «gehriescas» de clara influencia deconstructivista que no guardan relación con el estilo del Pompidou. Estas esculturas fueron diseñadas por una pareja de arquitectos y colocadas en la reforma de 1997. Las instalaciones y estructuras del edificio tienen una serie de colores que sirven de código para que el visitante sepa la función que tiene cada elemento. Las piezas pintadas de rojo cumplen con la función de comunicación (ascensores y escaleras), el azul es la climatización, el verde las instalaciones del agua (fontanería, desagües,…), el amarillo es la electricidad, y el blanco las tomas y extracciones de aire. La escalera exterior de la fachada de la plaza tiene sus forjados inclinados pintados de rojo. Las escaleras, que son mecánicas, están recubiertas por un tubo de sección circular transparente. Están divididas en varios tiros, y entre cada tramo hay una zona llana que comunica con una planta. Dentro del tubo hay muchos elementos tecnológicos para dificultar la percepción espacial. En la fachada este hay muchos tubos de servicio, cada uno con el color correspondiente a su función. La gran cantidad de barras estructurales y tubos crean «cinco capas de tecnología». Aunque la disposición de los tubos de esta fachada no guarda ningún orden aparente, se puede observar que los tubos azules están pareados, sin embargo llama la atención la existencia de elementos horizontales que sobresalen de la fachada frente a los verticales. En la fachada sur hay soportales que protegen de la lluvia a los transeúntes. A pesar de que todos los tubos y barras no dejen ver las fachadas del Pompidou, el interior es bastante luminoso ya que el acristalamiento es continuo. Por los techos interiores pasan todas las tuberías y elementos que hay en las fachadas, estando todos estos elementos a la vista. De esta manera, dentro del edificio se consigue esa misma imagen de caos y maraña de elementos tecnológicos propia del exterior. Renzo Piano colocó sobre cada obra de arte un pequeño falso techo para protegerla visualmente de la red de tubos que hay en el techo y evitar que la mirada se distraiga al contemplar la obra expuesta.
Entre ambas guerras mundiales Europa no se paralizó. Todo lo contrario, fue el espacio de una serie de movimientos importantes para el siglo XX...
China conmemora el final de la guerra contra Japón
Las uniones homosexuales, especialmente las masculinas, fueron bastante frecuentes en la Grecia Clásica. Eran visibles, bastante estables pero raramente había compromiso legal o religioso. (Para ampliar la información clicar sobre los textos resaltados.) Tumba del nadador, Paestum La rigidez oficial señalaba que el mayor y mas poderoso (erastés) debía ser el amante activo, y el más joven o de condición social mas baja (erómenos) el pasivo. Seguramente en la intimidad esto cambiaba, como lo fue en la propia realidad. Durante siglos Aquiles fue el amante pasivo del maduro Patroclo, pero cambiaron esta historia para adaptarse a esta rigidez. Los casos más antiguos que se conocen fueron en tiempos de la poetisa Safo. Los "thiasoi" fueron unas comunidades de mujeres que los historiadores nos han vendido como "escuelas de muchachas de clase alta" o cosas parecidas, eran esto y mucho mas. Allí tenían sus propias divinidades y ceremónias y las relaciones se producían de forma muy similar a la educación masculina. Las relaciones amorosas entre mujeres eran mas paritarias que las masculinas, raramente existía el sometimiento y sumisión mas frecuente en las relaciones heterosexuales.Durante los siglos VI y VII a JC llegaron a celebrarse ceremonias de tipo iniciático en las que se unía a un par de mujeres en un ritual parecido al del matrimonio tradicional. En el Museo del Louvre se encuentra el mejor documento que ilustra este tipo de uniones, conocido como el "partenio de Alcman" el documento nos narra una ceremonia nupcial entre dos mujeres: Agido y Hagesícora. Se desconoce si en épocas posteriores se dieron este tipo de uniones. Partenio de Alcman, Louvre En esta época una pareja de amantes, Harmonio y Aristogitón se levantaron contra el tirano Kritios, su tortura y muerte significó el levantamiento de la ciudad de Atenas que acabó con la tiranía. Los atenienses no olvidaron a Aristogeitón como el valiente que había sido el detonador del complot. Cuando el tirano fue derrocado, los ciudadanos rindieron honores a los dos amantes como salvadores de la ciudad. considerados como dos héroes, tratados como mártires de la libertad y ejemplo para los jóvenes y la democracia ateniense. Los tiranicidas, Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. El general tebano Epaminondas (418-362) jamás se casó, ni tuvo relaciones sexuales con mujeres, a pesar de ello fue uno de los mas admirados hombres de la antigüedad. No solo no se casó nunca, vivió en pareja con Pelópidas durante veinte años y tuvo además sus propios erómenos: Micetas, Asópico con quién luchó en Leuctra y finalmente Capìsdoroscon quien fue enterrado. J.K.Dover cita la relación entre Pausanias y Agatón que acudieron juntos y como pareja al célebre banquete realizado en su propia casa y que sirvió a Platón para su celebre obra. Dover califica esta unión como matrimonio y señala que los participantes al banquete "admiran con añoranza como el estado al que todo varón aspira" En Tebas, Aristóteles conoció la tumba de Filolao, un legislador, y Dioclesio, un atleta olímpico. Con sorpresa y admiración ve como la ciudad les rinde tributo. El filósofo describe positivamente como esta pareja vivió toda la vida, juntos, compartieron fortuna y enfermedad, mantuvieron un solo hogar y al final de sus vidas pidieron ser enterrados juntos. Plutarco señala la tumba de Iolao, la pareja más frecuente de Hércules, como el lugar donde las parejas del mismo sexo se juraban mutua fidelidad. Más información: Eva Cantarella, "Según natura", AKAL universitaria. Alberto Mira "Para entendernos" Ediciones de la tempestad John Boswell "Bodas de la semejanza" JK Dover, Homosexualidad griega El cobre ediciones.
Explore Giancarlo - Foto 4U's 35982 photos on Flickr!
