I – DADOS CRONOLÓGICOS: Entre os séculos XV até XVIII II – CONTEXTO HISTÓRICO-CULTURAL: Durante muito tempo, na Idade Média, a região dos Países Baixos foi constituída por feudos independentes. No século XVI, o imperador Carlos V da Espanha denominou “Países Baixos” a essa região, da qual faziam parte sete províncias chamadas genericamente de “Holanda” mais as áreas hoje correspondentes à Bélgica e Luxemburgo. Flandres ficava na região da atual Bélgica, na Europa. Nos século XV e XVI destacou-se, antes mesmo da Inglaterra, pela produção manufatureira de tecidos, principalmente de lã. Rota de comércio em direção ao sul do continente, mais precisamente a Itália, Flandres tinha um comércio muito desenvolvido e uma burguesia comercial importante. Após períodos de independência e de ocupação, no século XIX, deu-se a separação da Bélgica e de Luxemburgo. Com isso, os Países Baixos passaram a ser constituídos somente pela Holanda. O nome “países baixos” deve-se ao fato de seu território ser extremamente plano. Um quarto dele encontra-se abaixo do nível do mar e está protegido por diques e barragens. Tais áreas conquistadas ao mar são chamadas “pôlderes”. III – CARACTERÍSTICAS: O ideal Renascentista italiano que valorizava a cultura greco-romana começa a se expandir e atingir a Alemanha e os Países Baixos. Artistas inspirados pela “nova ideia” e através de conhecimento das técnicas inovaram sua arte através de práticas de ateliê. TÉCNICAS TRADICIONAIS: Conhecida pelos gregos: 1. ENCÁUSTICA A técnica da Encáustica foi utilizada desde a Antiguidade. Os gregos usavam-na, por exemplo, para colorir suas esculturas de mármore. Trata-se de uma técnica difícil e era usada para quadros de pequeno formato. Essencialmente decorativa, retratava objetos do cotidiano. Consiste em diluir os pigmentos em cera quente e derretida de mel abelha. “Cáust” vêm de calor, “aquilo que queima”. O suporte era a madeira e a porosidade que a fazia permanecer no local. Para se conseguir a cor desejada, tem que aplicar várias camadas e atingir a temperatura exata. Sobraram poucos exemplares romanos: nas múmias e retrato mortuário (máscaras do rosto); graças serem protegidas cuidadosamente dentro do túmulo. Ao contrário da Têmpera, cujo efeito é brilhante, a pintura em Encáustica é semifosca. 2. “A FRESCO” O termo “afresco” designa uma difícil e antiga técnica de pintura sobre superfícies grandes (os murais) e úmidas, daí seu nome. A preparação inicial da parede é muito importante: sobre sua superfície é aplicada uma camada de cal que, por sua vez, é coberta com uma camada de gesso fina e bem lisa. Sobre essa última camada, o pintor executa sua obra: primeiro o desenho com carvão; depois a aplicação das cores. O desenho, primeiramente, era criado em uma superfície pequena; em seguida, desmembra o desenho em partes, para posteriormente, ampliá-lo geralmente sobre a pele de um animal. Depois, perfura-se o contorno do desenho, coloca o esboço na parede, passa tinta preta e com os buracos fazem o contorno. Ele deve trabalhar com a argamassa ainda úmida, pois, com a evaporação da água, a cor adere ao gesso e o gás carbônico do ar combina-se com a cal e a transforma em carbonato de cálcio, completando a adesão do pigmento à parede. O pintor precisava, portanto, realizar a obra com rapidez; pois o gesso seca rapidamente e com firmeza, e as correções eram praticamente impossíveis. O “afresco” se distingue das demais técnicas porque, uma vez seca a argamassa, a pintura se incorpora ao reboco, tornando-se parte integrante dele. Nas outras técnicas, as figuras pintadas permanecem como uma película aplicada sobre um fundo. Além disso, como a parede deve estar úmida para receber a tinta, a camada de gesso é colocada aos poucos. Assim, se alguma área já pronta não receber pintura, ela precisa ser retirada e aplicada posteriormente. Por esse motivo, observando um afresco de perto, podemos notar os vários pedaços em que foi sucessivamente executado. A dificuldade para se criar uma pintura em “afresco”, faz com que o trabalho seja coletivo, onde cada pessoa desempenha a sua função. 3. TÊMPERA A OVO Têmpera é o nome que recebe um dos modos que os artistas bizantinos utilizavam para preparar a tinta usada em seus ícones (quadros que representam figuras sagradas). A Têmpera substituiu a Encáustica da Era Medieval. Consiste em misturar os pigmentos a uma goma orgânica, para facilitar a fixação das cores à superfície do objeto pintado. A mais comum é a gema de ovo. Bate a clara do ovo até atingir o ponto de suspiro, mistura o pigmento e em seguida, aplica sobre o suporte de madeira. O resultado é uma pintura brilhante e luminosa. Técnica muito usada nos retábulos (painéis que ficavam acima do altar, que podem ser fechados uns sobre os outros e abertos durante as celebrações religiosas). Conforme o número de painéis, o retábulo recebe um nome especial. Possuindo dois painéis, ele se chama díptico, com três, ele é um tríptico; e com quatro ou mais, é um políptico. A cor vinha da natureza (pigmentos): da própria terra, dos minerais, das fuligens e dos animais. TERRA: as cores chamadas terrosas eram o vermelho, o amarelo e o castanho. Pegava-se a terra, filtrava-a, queimava-a e depois, moía muito bem, deixando-a com uma espessura finíssima. Em virtude disso, há diversidades de tonalidades, dependendo do lugar de onde vinha. MINERAIS: principalmente o tom de azul. A pedra que dava a tonalidade de azul, vinha do norte da África e pela dificuldade de transporte e preço muito elevado era usada apenas nas roupas de personagens importantes: exemplo, manto da Virgem Maria. Por vir do outro lado do mar, ficou conhecida como azul-marino. FULIGEM: a cor preta era extraída da fuligem. Queimava-se uma panela com uma vela e depois, raspava-se a fuligem. ANIMAIS: o tom de azul, “o azul da Prússia”, era extraído através do sangue do porco. Colocava-se o sangue num tacho para ferver até evaporar a água, sobrando somente o ferro. Raspava-se; em seguida, moía e misturava-se com água ou com ovo e tinha-se o azul. A partir do surgimento da Pintura a óleo (1360, pigmento com óleo de nozes ou de linho, a “linhação”), onde a cor ficava mais transparente, translúcida e mais próxima de cera, possibilitando aplicar várias camadas e propiciando tons mais brilhantes e efeitos de vidros, água, sombras e fumaça; além do ganho na expressividade; os artistas abandonaram a técnica da Têmpera. Mas alguns contemporâneos continuam a usá-la, como foi o caso do pintor brasileiro Alfredo Volpi. IV – ARTISTAS REFERIDOS: ALBRECHT DÜRER (1471-1528) Dürer foi um dos primeiros artistas alemães a representar o corpo humano com uma beleza ideal, como imaginaram os artistas clássicos gregos e romanos. Dedicou-se a geometria e à perspectiva, valorizando a observação fiel da natureza, dominando a técnica do desenho e da pintura. O artista foi um grande gravador, produzindo gravuras usando como matriz a madeira ou o metal. TÉCNICA DA XILOGRAVURA: Na xilogravura o artista desenha uma figura sobre um bloco de madeira. Inicialmente, com um instrumento chamado goiva, ele faz sulcos na madeira, seguindo o desenho. Esses sulcos deixam aprofundadas as partes da figura que ele quer que fiquem brancas na impressão. Os contornos e detalhes ficam salientes e como serão cobertos por tinta preta aparecerão como os traços negros da figura. Depois de fazer os sulcos na madeira, o artista cobre as partes salientes com tinta preta, geralmente nanquim – muito adequada para desenhistas e gravadores porque permite recobrir linhas muito finas. Aplicada a tinta sobre a figura, o artista coloca o bloco de madeira sobre uma folha de papel, com o desenho voltado para ela, e o pressiona, decalcando o desenho, isto é, transferindo-o para o papel. Como o gravador pode repetir algumas vezes a impressão do que foi gravado na madeira, dizemos que, na xilogravura, a madeira é a matriz desse tipo de gravura. TÉCNICA DA LITOGRAVURA: Tendo início por volta de 1430, a litogravura é uma técnica oposta ao relevo saliente da xilogravura. É um dos vários métodos conhecidos como “intaglio” (a tinta a ser transferida fica abaixo da superfície), em que a impressão é feita a partir de linhas ou cortes numa placa. Na litogravura, as ranhuras são feitas numa placa de metal (geralmente cobre) com um instrumento de aço chamado buril. Depois, esfrega-se a tinta nas ranhuras, limpa a superfície e a placa é colocada numa prensa, de modo a transferir para o papel o desenho entalhado. As formas podem ser modeladas em linhas muito finas, de modo a criar nuances. Essa técnica floresceu no começo do século XVI, com Dürer, cujo uso do buril era tão sofisticado que, com a placa de cobre, ele obtinha efeitos de luz e volume muito aproximados aos conhecidos pelos holandeses no quadro a óleo e pelos italianos nos afrescos. Gravura de Durer - Casa de Estudo de São Jerônimo “Combate de São Miguel com o dragão” Essa xilogravura ilustra uma cena do livro do Apocalipse, do Novo Testamento, que teria sido escrito por João, um dos apóstolos de Jesus Cristo. Segundo alguns estudiosos, esse livro refere-se ao fim dos tempos. O trecho ilustrado diz respeito à luta entre Miguel e os anjos do bem contra o dragão e os anjos do mal: seria, portanto, o conflito final entre o bem e o mal (“O Juízo Final”). A riqueza de detalhes das imagens e a grande quantidade de traços negros e áreas brancas mostra o trabalho na madeira usada como matriz. O artista conseguiu expressar a intensidade da luta e a determinação das forças do bem, a resistência e a agressividade das forças do mal. Dürer criou, ainda, outro contraste interessante: enquanto no espaço celeste é travada uma batalha, no espaço humano vê-se uma pequena e tranquila cidade, levantando várias hipóteses: será que há uma intensa luta entre o bem e o mal, que não está sendo percebida pelos seres humanos? Ou, será que os anjos do bem protegem os seres humanos combatendo o mal em seu lugar? HANS HOLBEIN (1498-1543) O artista ficou famoso como retratista de personalidades políticas, financeiras e intelectuais da Inglaterra e dos Países Baixos. Seus retratos são característicos pelo realismo e sensação de tranquilidade que as pessoas retratadas transmitem, aliada a um dos ideais renascentistas de beleza, que é a dignidade do ser humano. “Erasmo de Roterdã” Uma das mais famosas pinturas de Hans Holbein. Ao retratar o grande filósofo Erasmo, compenetrado em sua mesa de trabalho, com simplicidade e realismo, dando-nos a impressão de serenidade e não preocupação com uma pose especial para a pintura. HIERONYMUS BOSCH (1450-1516) Autor de uma obra diferenciada, rica em símbolos da astrologia e da magia do final da Idade Média. Combinando diferentes aspectos de elementos em suas telas (animais ou vegetais); criando estranhas formas, sua obra torna-se complexa e inconfundível. No final da Idade Média, muitas crenças religiosas surgiram na Europa e Bosch retratava em suas telas o conflito do homem dessa época: o dualismo entre o sentimento do pecado ligado aos prazeres materiais; de outro, a busca do perdão, ligado a vida espiritual. “O jardim das delícias” Representando os pecados capitais, o artista cria um tríptico. No painel da esquerda, apresenta o Paraíso, onde o artista retrata a criação de Adão e Eva, tendo como cenário uma paisagem diferente da descrita na Bíblia. O painel central é o próprio “Jardim das Delícias”, personagens estranhas, animais, vegetais, aves, peixes e frutos, formam um conjunto indecifrável. No painel da direita, o Inferno, onde encontramos formas humanas misturadas com outras formas em meio a tonalidades escuras. JAN VAN EYCK (1390-1441) Jan Van Eyck e seu irmão Hubert Van Eyck (1366-1426) inauguram a fase renascentista da pintura flamenga. “Ao famoso holandês de Kempen, isto é, Jan van Eyck – nascido em Maaseik, à margem do Maas, coube a descoberta que nem aos engenhosos gregos e romanos, nem a nenhum outro povo (por mais que tenham se esforçado nessa direção) foi dada. (...) Jan van Eyck foi desde jovem um rapaz inteligente e sagaz. como demonstrou uma inclinação natural para o desenho, seu irmão bem mais velho, Hubertus, tomou-o como aprendiz. Este, por sua vez, era um pintor capaz, embora não se saiba de quem aprendeu o ofício.” [...] A pintura chegou sem dúvida alguma à nossa terra vinda da Itália, quer dizer: pintura baseada em cola e claras de ovos (...) Jan van Eyck “pesquisou a natureza de diversos tipos de tinta e fez experimentos em domínios como alquimia e destilação. Desta forma teve êxito em substituir o verniz apropriado para tintas baseadas em têmpora por uma mistura de vários óleos. Isto agradou ao público, pois deu ao trabalho um brilho esplendoroso.” O artista fez uma pintura sobre madeira que lhe custou muito trabalho e tempo. Depois de envernizada com a sua fórmula recém descoberta, colocou-a para secar ao sol e a pintura se quebrou e rachou nas junções. Decepcionado com o acidente, Jan dedica-se a criar uma fórmula de verniz que secasse dentro de casa, à sombra e não mais ao sol. “Após se aprofundar em estudos sobre as propriedades de diversos óleos e outros materiais, acabou por concluir que uma mistura de óleos de linhaça e nozes secava com a maior rapidez”, além de descobrir que vários pigmentos “dissolvidos nestes óleos se mesclavam com facilidade, secavam rapidamente e era bastante a prova de água. Também descobriu que as tintas a óleo pareciam ter tons mais vivos e ganhavam um brilho próprio, dispensando o verniz. Mas aquilo que mais o admirou e alegrou em sua descoberta foi que a tinta a óleo se deixava trabalhar e esticar mais facilmente sobre a superfície, tornando desnecessária uma pincelada ao retilínea.” Essa sua nova descoberta trouxe-lhe fama e atraiu muitos pintores interessados nessa nova técnica, inclusive, Antonello de Messina, da Sicília, que foi a Brugge, onde Jan residia e depois de aprender a pintar com tinta a óleo, volta para a Itália a difundi-la. É possível identificar as minúcias, os detalhes e o realismo em suas obras. Além de superar o espírito da miniatura e abrirem o universo da pintura para o mundo exterior, e revelar os efeitos que as diferentes distâncias e a própria atmosfera causam na percepção visual dos seres representados. “O casal Arnolfini” Esta pintura mostra os aposentos e as vestes de um rico comerciante e sua esposa, no século XV. Podemos notar a riqueza de detalhes e do realismo com: os tamancos e chinelos deixados despreocupadamente no chão; a presença do cachorro (fidelidade); as frutas deixadas no parapeito da janela e sobre um móvel do quarto, dando-nos a impressão de ver de fato um aposento, e não um cenário idealizado pelo pintor. Para sugerir a profundidade o artista utiliza-se da representação do piso do quarto, a distribuição dos elementos da cena: o casal, os tamancos e o cachorro em primeiro plano; parte de uma janela, parte de um móvel, o lustre no teto e parte da cama em um plano intermediário, um móvel com almofadas, um espelho e uma parede em um plano de fundo. Da janela vazada luminosidade, sugerindo vida nesse recinto. O artista enriquece a sua obra apresentando riquíssimos detalhes: as pregas da roupa feminina; o arremate de pele na roupa masculina; os desenhos na beirada do tapete; a madeira decorada da cabeceira da cama; os trabalhos na decoração do lustre e do espelho; uma pequena parte de uma possível grade na janela; um trabalho na parte superior da janela; o encardido das paredes; o brilho dos metais; a textura do piso etc. O casal é visto de costas, a janela e um móvel junto dela, as frutas, o lustre e parte da cama, a porta do quarto e uma pessoa perto dela. Observando atenciosamente o espelho, podemos notar em sua volta, cenas religiosas na moldura (“Os passos da paixão de Cristo”). Esta cena doméstica, sugerindo um casamento, é tão rica em detalhes que nos transmitem a ideia de que o artista de fato presenciou e documentou a mesma. “Retábulo do Cordeiro: Adoração do Cordeiro Místico” O retábulo do “Cordeiro Místico” foi realizado entre 1426 e 1432 pelos irmãos Van Eyck, para a igreja de São Bavão, em Gand, na Bélgica. No referido retábulo é possível observar a influência da arte da ilustração dos manuscritos, pois são evidentes o espírito de minúcia e a preocupação com os detalhes das roupas das figuras, dos adornos das cabeças ou dos elementos da natureza. ROGIER VAN DER WEYDEN “Crucificação” - Dramaticidade da cena - Virgem caindo - Há expressividade no sofrimento, no corpo e com as sombras, causando dramaticidade da cena. “Isabella de Portugal” - Tecido brocado dando a impressão de veludo - Retrato realista PIETER BRUEGEL (1525-1569) Pieter Bruegel, o Velho, viveu nas grandes cidades de Flandres, já sob a influência dos ideais renascentistas, mas retratou a realidade das pequenas aldeias que ainda conservavam a cultura medieval. Com a arte de Bruegel não mais deparamos com qualquer acomodação com idealismos de qualquer espécie. Não se tiram mais as figuras simplesmente da vida: escolhem-se propositalmente nas classes baixas. Bruegel era camponês e assim também eram José e Maria e todos os que os cercavam. O artista tinha em mente afirmar este fato: e imaginou que, ao fazê-lo, engrandecia a ação. “Jogos infantis” Nessa obra podemos notar a composição com grande número de personagens, característica principal do artista; a impressão de movimento e a ausência da felicidade das crianças. Elas brincam mecanicamente e suas expressões sombrias. Essa sensação nos é transmitida pela ausência de sorriso em seus rostos.

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De Valknut-driehoek is een Vikingsymbool dat staat voor eer, trouw, dood en wedergeboorte. Het wordt beschouwd als een symbool van bescherming en kracht. De 'Sacred Valknut' tattoo is daarom perfect voor diegenen die hun innerlijke kracht en vastberadenheid willen uitdrukken, terwijl ze zich verbinden met hun Viking erfgoed.

Where exactly did Richard the Lionheart defeat Saladin during the famous Battle of Arsuf? A key 12th century battleground from the Third Crusade appears

🇮🇹Il 21 maggio del 1471 venne al mondo in quel di Norimberga il pittore Albrecht Dürer: quel frugoletto con il passare degli anni diventerà uno dei più grandi esponenti dei Rinascimento del Nord Eu…

Jan van Eyck was a Flemish painter active in Bruges. He is one of the early innovators of what became known as Early Netherlandish painting, and one of the most significant representatives of Early Northern Renaissance art.

Hans Holbein the Younger was a German painter, draftsman, and designer, renowned for the precise rendering of his drawings and the compelling realism of his portraits, particularly those recording the court of King Henry VIII of England. He was a part of a family of artists, including his father, Hans Holbein the Elder.

Jan van Eyck was a Flemish painter active in Bruges. He is one of the early innovators of what became known as Early Netherlandish painting, and one of the most significant representatives of Early Northern Renaissance art.

Símbolo das potências do Caos, a Serpente Midgard (Midgardsormir) foi lançada ao mar por Odin para neutralizar o seu poder desestabiliz...

Jan van Eyck, Maaseik ca. 1390 - Brügge 1441 Verkündigungs-Diptychon - Diptych of the Annunciation (ca. 1433 - 1435) This diptych is an outstanding example of grisaille painting. Here, van Eyck deliberately rejects the use of primary colours, painting the figures in white on a black background to create the illusion of a sculptural group. The painting forms part of a series of small-format works probably intended for private devotion. The inscriptions on the frames—a common device in van Eyck’s panels—refer to the subject of the diptych: the first and last sentences of the dialogue between the Archangel (‘Hail, full of grace, the Lord is with thee’ [I-28]) and Mary (‘Behold the handmaiden of the Lord; be it unto me according to thy word’ [I-38]), taken from the Gospel of St Luke. The frames were painted by the artist using trompe l’oeil effects and playing with the exquisite set of mouldings that decorate the panel. Van Eyck presented this Annunciation in the manner of a sculptural group. The figures, isolated in niches with moulded surrounds, are painted in grisaille. The figures, with their ample draperies that fall into crisp folds, are standing on hexagonal bases. The backgrounds are painted to create the effect of a smooth, black enamelled surface that not only repeats the figures’ outlines but also in the case of the Virgin reveals part of her back as if reflected in a mirror. The use of this background can be related to the mirror, a sacred object that symbolises purity itself: the speculum sine macula. From the way that they are located in the pictorial space the two figures seem to protrude over the edge of the frame. This is evident in their pedestals, in the red marble-effect frame on which the foremost edges of the pedestals have been painted, and in the projection of Gabriel’s right wing, which bends outwards to emphasise the effect of its volume through the strong shadow that it casts. Overall, the composition reveals the complexity and richness of the optical resources used by the artist. This Annunciationhas been compared to the Dresden Triptych in which Van Eyck depicted the same subject on the outside wings in grisaille, with the two figures similarly separated.Van Eyck presented this Annunciation in the manner of a sculptural group. The figures, isolated in niches with moulded surrounds, are painted in grisaille. The figures, with their ample draperies that fall into crisp folds, are standing on hexagonal bases. The backgrounds are painted to create the effect of a smooth, black enamelled surface that not only repeats the figures’ outlines but also in the case of the Virgin reveals part of her back as if reflected in a mirror. The use of this background can be related to the mirror, a sacred object that symbolises purity itself: the speculum sine macula. From the way that they are located in the pictorial space the two figures seem to protrude over the edge of the frame. This is evident in their pedestals, in the red marble-effect frame on which the foremost edges of the pedestals have been painted, and in the projection of Gabriel’s right wing, which bends outwards to emphasise the effect of its volume through the strong shadow that it casts. Overall, the composition reveals the complexity and richness of the optical resources used by the artist. This Annunciationhas been compared to the Dresden Triptych in which Van Eyck depicted the same subject on the outside wings in grisaille, with the two figures similarly separated. ER

'Adam and Eve' by Albrecht Durer (1471-1528); engraving; 1504

Hans of Antwerp, circa 1532. Sir Charles Wingfield, circa 1532-40. Hermann von Wedigh III, 1532. Simon George of Cornwall, circa 1536-37. Same as above. Portrait of a Young Merchant, probably Hans von Muffel of Nuremberg, 1534. Portrait of an Unknown Man, possibly Thomas Seymour, circa 1535-40. De Vos van Steenwijk, 1541. Nicolas Bourbon, 1535. Portrait of a Young Merchant, 1541. Henry Howard, Earl of Surrey, circa 1532-3. Same as above, circa 1541-43. Sir Nicholas Poyntz, 1535. Portrait of a Man in a Red Cap, circa 1532-35. Portrait of an Unidentified Man, 1535. Dirk Tybis, 1533. William Parr, Marquess of Northampton, circa 1538-40. Derick Berck of Cologne, 1536. Sir Thomas Wyatt, circa 1535-37. Sir Thomas Wyatt the Younger, circa 1540-42. Portrait of an Unknown Gentleman, circa 1532-43. Portrait of a Hanseatic Merchant, 1538. Edward Stanley, Earl of Derby, circa 1532-43. Portrait of a Member of the von Wedigh Family, called "Hermann Hillebrandt von Wedigh", 1533. Sir Philip Hoby, circa 1532-43. Portrait of an Unknown Gentleman, circa 1540. Sir Thomas Lestrange of Hunstanton, circa 1536. Portrait of a Merchant of the German Steelyard, called "Hans of Antwerp", after September 1532. William Reskimer, circa 1532-34. Same as above. Edward Fiennes de Clinton, 9th Lord Clinton, 1st Earl of Lincoln, circa 1532-43. Charles de Solier, Sieur de Morette, circa 1534-35. George Brooke, 9th Baron Cobham, circa 1532-43. Portrait of a Falconer, 1542.

Lágrimas de San Juan Museo del Prado .

.css-1sgivba{display:-webkit-box;display:-webkit-flex;display:-ms-flexbox;display:flex;-webkit-align-items:center;-webkit-box-align:center;-ms-flex-align:center;align-items:center;-webkit-flex-direction:row;-ms-flex-direction:row;flex-direction:row;gap:0.5rem;margin-bottom:var(--chakra-space-2);} .css-cosgki{font-size:16px;font-weight:var(--chakra-fontWeights-bold);} Product Type: Giclee Print Print Size: 9" x 12" Finished Size: 9" x 12" .css-1336n79{display:-webkit-box;display:-webkit-flex;display:-ms-flexbox;display:flex;-webkit-align-items:center;-webkit-box-align:center;-ms-flex-align:center;align-items:center;-webkit-flex-direction:row;-ms-flex-direction:row;flex-direction:row;gap:0.5rem;margin-top:var(--chakra-space-8);margin-bottom:var(--chakra-space-8);} Product ID: 53794557042A

Ritual de Ostara ..Abençoada seja a Primavera que chegou. Agora as flores mostram toda a sua vida através das cores. ..A estacão da Esperança e da Alegria chegou. Que a Deusa e o Deus abençoem a Terra com equilíbrio e renovação. ..Acenda as velas ao redor do Caldeirão dizendo: ..Eu acendo estas velas em homenagem a Rainha da Primavera para que a Luz do Sol possa trazer Alegria e Vida. ..Coloque algumas flores dentro do seu Caldeirao com agua e lave as suas maos mentalizando os seus desejos e fazendo seus pedidos. Depois pegue o Ovo de Ostara e refaca seus pedidos. Diga: ..Abençoada seja ti, Deusa fertilizadora, que abençoa a Terra com a Tua bondade através de Tua união com o Deus fertilizador. Que este Ovo represente a semente do meu desejo. ..Eleve a Taça e diga: ..Abençoada seja a Primavera que regressou. Que a Roda da Vida sempre gire. Que assim seja e que assim se faca ! ..Beba um gole da agua e faca uma libação a Deusa e ao Deus. Cante e dance em homenagem aos Deuses. Destrave o Circulo Magico.

Albrecht Durer, painter and printmaker generally regarded as the greatest German Renaissance artist. His vast body of work includes altarpieces and religious works, numerous portraits and self-portraits, and copper engravings. His woodcuts retain a more Gothic flavor than the rest of his works.

1512-13c Self Portrait of the Sick Dürer pen and ink and watercolour on paper 11.8 x 10.8 cm Kunsthalle, Bremen Albrecht Dürer (1471-1528) was a German painter, engraver, printmaker, mathematician and theorist. Dürer revolutionised printmaking, elevating it to an independent art form. His high quality woodcuts established his reputation and influence across Europe when he was still in his twenties, and he is regarded as the greatest artist of the Northern Renaissance. His vast body of works include altarpieces and other religious works, numerous portraits and self-portraits, and copper engravings. For more biographical notes see part 1. For earlier works see parts 1 - 6 also. This is part 7 of a 9-part post on the works of Albrecht Dürer: 1511 Virgin and Child with a Pear engraving The Metropolitan Museum of Art, New York 1511c View of Kalchreut watercolour and gouache on paper 21.6 x 31.3 cm Kunsthalle, Bremen 1512 Dead Bluebird watercolour on paper 28 x 20 cm Graphische Sammlung Albertina, Vienna 1512 Harrowing of Hell engraving 12 x 8 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1512 Madonna of the Pear oil on wood 49 x 37 cm Kunsthistorisches Museum, Vienna 1512 Man of Sorrows with Hands Bound drypoint 11.5 x 7.4 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1512 Saint Jerome by a Pollard Willow drypoint: second state of three 21 x 17.9 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1512 St. Jerome in the Cave woodcut 17 x 12.5 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1512 The Holy Family drypoint 21 x 18.1 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1512 The Holy Family in an Enclosed Garden pen and reddish brown ink 26.8 x 19.8 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1512 The Virgin Nursing the Child charcoal 41.8 x 28.8 cm Graphische Sammlung Albertina, Vienna 1512c Emperor Charlemagne and Emperor Sigismund oil and tempera on lindenwood 215 x 115 cm each panel with frame Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1512c Emperor Charlemagne oil on lindenwood 188 x 87.6 cm Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1512c Emperor Sigismund oil on lindenwood 187.7 x 87.5 cm Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1512c Knight on Horseback pen and and wash 23.9 x 17.3 cm Biblioteca Ambrosiana, Milan 1513 Knight, Death and the Devil engraving 24.4 x 18.9 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1513 Sudarium displayed by Two Angels engraving 9.8 x 13.8 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1513 The Virgin Seated Caressing the Child engraving The Metropolitan Museum of Art, New York 1513-17 The Desperate Man engraving The Metropolitan Museum of Art, New York 1514 Arion pen and ink and watercolour on paper 14 x 23 cm Kunsthistorisches Museum, Vienna 1514 Cupid the Honey Thief pen and ink and watercolour on paper 22 x 31 cm Kunsthistorisches Museum, Vienna 1514 Melancholia I copper engraving 23.7 x 18.7 cm Museum Kunstpalast, Düsseldorf, Germany 1514 Peasant Couple Dancing engraving Metropolitan Museum of Art, New York 1514 Portrait of the Artist's Mother charcoal on paper 42.1 x 30.3 cm Staatliche Museen, Berlin 1514 Saint Jerome in His Study engraving 24.6 x 18.9 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1514 Seated Woman pen 21.7 x 16.2 Staatliche Museen, Berlin 1514 St. Paul engraving The Metropolitan Museum of Art, New York 1514 St. Thomas engraving The Metropolitan Museum of Art, New York 1514 The Bagpiper engraving 11.6 x 7.5 cm ( plate ) The Metropolitan Museum of Art, New York 1514 The Nativity pen 31.3 x 21.7 cm Graphische Sammlung Albertina, Vienna 1514 Virgin and Child Seated by the Wall engraving The Metropolitan Museum of Art, New York 1515 Agony in the Garden etching The Metropolitan Museum of Art, New York 1515 Celestial Map of the Southern Sky woodcut 43.1 x 43.1 cm 1515 Male and Female Nudes pen 27.1 x 21.2 cm Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt 1515 Portrait of a Girl charcoal 42 x 29 cm Staatliche Museen, Berlin 1515 Rhinoceros pen 27.4 x 42 cm British Museum, London 1515 Rhinoceros woodcut 21.4 x 30 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1515 Rhinoceros woodcut 23.5 x 29.8 cm Private Collection 1515 Stork pen and ink Musée d'Ixelles, Brussels 1515 The Celestial Map - Northern Hemisphere woodcut 61.3 x 45.6 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1515 The Man of Sorrows Seated etching first state of three 11 x 6.5 cm ( sheet ) The Metropolitan Museum of Art, New York 1515-17 Triumphal Arch: 1515-17 Triumphal Arch woodcut 341 x 292 cm Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 The Betrothal of Mary of Burgundy from the Triumphal Arch woodcut The Metropolitan Museum of Art, New York 1515-17 The Betrothal of Philip and Joanna woodcut 17.3 x 14.5 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1515-17 The Congress of Princes at Vienna woodcut 17.5 x 15 cm The Metropolitan Museum of Art, New York The Triumphal Arch, printed from 195 blocks on 36 sheets with various scenes glorifying the house of Habsburg and Maximilian's military achievements, the Arch is divided in seven parts: the three gates of Honour, Praise, and Nobility; the central tower; the historical events of Maximilian's reign over the side gates; the busts of emperors and kings on the left the Emperor's kinsmen on the right; the round towers at either end; panels of text under each scene and five columns of text underneath; the word 'Halt' is gilt. 1515 Woodcut: 1515-17 Triumphal Arch woodcut British Museum, London 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1515-17 Triumphal Arch woodcut ( detail ) Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1516 Abduction of Proserpine etching 31.4 x 21.4 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1516 Christ on the Cross between the Virgin and St. John woodcut 27.7 x 22.2 cm The Metropolitan Museum of Art, New York 1516 Male and Female Nudes pen and ink 25.8 x 22.5 cm Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt 1516 Portrait of a Cleric parchment on canvas, 42.9 x 32 cm National Gallery of Art, Washington, DC 1516 Portrait of Michael Wolgemut oil and tempera on lindenwood, 29 x 27 cm Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1516 The Apostle James the Elder tempera on canvas 45 x 38 cm Galleria degli Uffizi, Florence 1516 The Apostle Philip tempera on canvas, 46 x 37 cm Galleria degli Uffizi, Florence

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