La bella, perturbadora y surrealista pintura de Dino Valls

El fotógrafo japonés Masao Yamamoto, representado por la galería Valid Foto BCN, fue otro de los artistas presentes en la pasada edición de la feria de arte Art Marbella. Si aún no conoces su obra, es el momento de descubrirla. Imágenes difusas que parecen pinturas. Fotografías que evocan otros tiempos, una época ya lejana donde la naturaleza parece reinar. Así son las fotografías en blanco y negro del artista Masao Yamamoto. Este artista imprime sobre gelatina de plata y transforma las imágenes que captura con otros procesos. A veces tiñe las superficies, otras veces sólo las rasgas hasta conseguir el efecto deseado: unas bellas y oníricas imágenes.

Dernièrement, je suis allée voir Egon Schiele à la fondation Vuitton. J'aime son trait, noir, dur et saccadé.

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Édouard Vuillard (1868-1940) A mí este hombre me pone contenta por sus amarillos, por sus azules, por sus caras sin rostro, por los naranja y los rojos, por el papel que aflora, por los sorprendentes encuadres, por los dormidos, por los desnudos, por los desayunos, por sus neblinas, aunque también me gusten las líneas claras, por los verdes, incluso por sus marrones -¡los marrones!-. Édouard Vuillard me pone contenta. Édouard Vuillard, La madre del artista abriendo una puerta Édouard Vuillard, Mujer dormida, 1891 Me trae, a ráfagas, un recuerdo ajeno: el de un organillo que suena en la calle, una calle desconocida en una ciudad que ignoro. Todo por los rojos, los amarillos, los azules… Ya sabéis que escucho los colores, aunque no acabo de entender qué pinta un organillo en esta historia. No importa: lo dejaremos sonar, mientras damos un paseo con Édouard y entramos en sus casas. Eso sí, sin hacer ruido, no vayamos a despertar a quienes duermen. Édouard Vuillard, En la cama, 1891 Aunque… ¿y si hacemos un poquitín de ruido y sí que les despertamos, para que salgan a disfrutar del día? Ánimo, señores, tomen el desayuno y vengan. Les esperamos. Édouard Vuillard, Mujer con una taza de café, 1895 Édouard Vuillard, Dos mujeres tomando café, 1893 Édouard Vuillard, Desayuno en Villerville, 1910 Mirad qué día tan espléndido. Es un día, incluso, como para sacar a pasear a la oca. O para leer en el jardín o en una terraza soleada. Édouard Vuillard, El banco rosa¸ 1890 Édouard Vuillard, La oca, 1890-91 Édouard Vuillard, Madame Hessel leyendo en la terraza de Le Clos Cézanne, 1925 Una terraza soleada: iluminada. Vuillard también era un iluminado. Un profeta, vamos: es decir, un miembro del grupo de los nabis, estos señores tan amables que nos visitan de vez en cuando y que, volcados en el color, introducen el exotismo de lo oriental en los plácidos ambientes domésticos franceses. Édouard Vuillard, El kimono o la habitación azul, 1908 Édouard Vuillard, Plaza de Batignolles, 1898 c. Un ámbito este, el doméstico, en el que Vuillard se mueve con la misma agilidad que la aguja que sostiene su madre, una modista con la que convive hasta que el artista alcanza los sesenta años. Édouard Vuillard, Taller de costura Édouard Vuillard, Las costureras Con una modista en casa y un tío dedicado al diseño textil, no cabe duda de que los tejidos le rodean. La decoración le interesa a Vuillard, como a todos los nabis. Los estampados y los arabescos trepan y se expanden sobre vestidos, cortinas, papeles pintados, tapicerías de todo tipo. Édouard Vuillard, El vestido estampado Édouard Vuillard, En el Café-Concert, 1898 c. Édouard Vuillard, Interior verde Édouard Vuillard, Vida de familia, 1896 Édouard Vuillard, La cortina amarilla, 1893 Unos arabescos y un decorativismo en que se funden los planos, que encontraremos también en Matisse, que no es nabi, porque Matisse es Matisse. Henri Matisse, Naturaleza muerta con berenjenas, 1911 Henri Matisse, Interior con figuras Vuillard, como otros muchos artistas, se interesó también por la escenografía teatral. Fue uno de los fundadores del teatro de L'œuvre (1893-1900), junto a Camille Mauclair y Lugné-Poe. En su repertorio figuraron obras de Strindberg, Maeterlinck, Ibsen, Björnson, Hauptmann, Henri de Régnier, Henry Bataille y Alfred Jarry, entre otros. Édouard Vuillard, Lugné-Poe, 1891 Entre los pinceles que colaboraron en las tareas escenográficas y en la ilustración de los programas del teatro se encuentran los de Maurice Denis, Pierre Bonnard, Henri de Toulouse-Lautrec, Felix Vallotton, Félicien Rops, Odilon Redon, Edward Burne-Jones, Jan Toorop y Edvard Munch. Un auténtico despliegue de talentos, no cabe duda. Un lujo. Henri de Toulouse-Lautrec, Decoración india, 1894 Cartel anunciador del estreno de Ubu Rey, 1896 Los trabajos decorativos de Vuillard comenzaron en los años 90, cuando conoció a Alexandre y Thadée Natanson, fundadores de La Revue Blanche. Entre sus diversas obras en este campo artístico destacan los nueve paneles de los Jardines públicos, pintados para Alexandre Natanson. Édouard Vuillard, Jardines públicos, 1894 Vuillard realizó también pinturas decorativas para domicilios particulares como los de Bernstein, Desmarais y Bernheim, para locales de ocio como Le Grand Teddy tea-rooms de París y para edificios públicos, como el Teatro de los Campos Elíseos, el Palacio de Chaillot, en París, y el Palacio de las Naciones, en Ginebra. Édouard Vuillard, decoración para Le Grand Teddy tea-rooms, París, 1918 “No hago retratos. Pinto a la gente en su entorno”, dijo Vuillard. Esos entornos domésticos representados, en general, en pequeño formato, y en los que sus modelos son las personas de su familia, sus amigos, sus amantes. Édouard Vuillard, Madame Vuillard en un interior, 1920 Édouard Vuillard, El gato, 1893 Édouard Vuillard, Retrato de Pierre Bonnard Édouard Vuillard, Madame Hessel y la manicura, 1906 Édouard Vuillard, Madame Hessel en el tocador, 1917 Édouard Vuillard, Madame Hessel en el jardín de Vaucresson, 1920 c. Édouard Vuillard, Madame Hessel en su habitación de Cleyes, 1930-35 Uno de los rasgos que ya habréis advertido en algunas de las obras de este artista es la fuerte tendencia a la síntesis y la abstracción que se aprecia en sus obras, sin que estas abandonen el terreno de lo figurativo: Édouard Vuillard, Autorretrato, 1890 Édouard Vuillard, Bois de Boulougne, 1890 Édouard Vuillard, Lilas, 1890 En los interiores domésticos, en los retratos que no son retratos, en los paisajes, en las escenas callejeras y en las figuras de Vuillard se advierte una delicadeza que, al menos para mí, resulta simpática. Édouard Vuillard, La florista Édouard Vuillard, Marie Vuillard con un vestido amarillo, 1890 c. Édouard Vuillard, Mujer de rojo Sus desnudos están impregnados también de ternura y de cierto aire melancólico: Édouard Vuillard, Desnudo en un sillón Édouard Vuillard, Desnudo sentado, 1890-92 c. Hasta aquí llega nuestro recorrido de hoy con Édouard Vuillard. ¿Conocíais sus obras? ¿Qué os han parecido? Por cierto, ¿se os ocurre alguna idea acerca de por qué me evoca la música lejana de un organillo? Porque yo no lo sé. Venga, vamos a sentarnos aquí un rato y charlamos. Édouard Vuillard, Conversación en Le Pouliguen, 1908

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Geaorges-Pierre Seurat was a French neoimpressionist artist. He is best known for his painting Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jette.

FRESCOS DE LA CAPILLA SCROVEGNI de Padua (1303-1306). Enrico Scrovegni de Padua, encargó en el año 1300 la construción de un palacio y una capilla privada en Padua, en una zona junto al antiguo anfiteatro romano conocido como La Arena. De todo ello sólo ha sobrevivido la iglesia de una sola nave conocida popularmente como la Capilla de La Arena. La obsesión de Enrico era la salvación del alma de su padre, a quien Dante situó en el infierno, y la suya propia, dedicando la capilla a la advocación de Nuestra Señora de la Caridad. El rostro de Enrico aparece retratado entre los salvos del Juicio Final por Giotto. Podemos considerar la decoración de frescos de ésta capilla como una obra comparable a la de Miguel Ángel en la Sixtina. Toda la capilla aparece decorada de frescos que narran la historia de la Salvación pero enfocada al Nuevo Testamento y utilizando narraciones de los evangelios apócrifos como la historia de San Joaquín y la vida de la Virgen. La cubierta aparece decorada como la bóveda celeste, cuajada de estrellas y con la imagen de una Madonna con el Niño, rodeados por los evangelistas. La pintura que decoraba la cubierta de la Capilla Sixtina antes de que Miguel Ángel realizara sus pinturas era semejante. El muro occidental a los pies de la capilla tiene el Juicio Final, el muro oriental que coincide con el altar está decorado por las escenas de la Anunciación y coronado por la imagen de Dios Padre. Los muros laterales desarrollan la historia de San Joaquín, la Vida de la Virgen, la Vida de Cristo e imágenes de las Virtudes y los Vicios. Lo realizó de arriba a abajo utilizando la técnica al fresco, teniendo que aplicar estuco húmedo en la zona que iba a ser pintada cada jornada y retirando el sobrante, ya que no podía secarse antes de aplicar la pintura, la misma técnica que usará Miguel Ángel en la Sixtina. Probablemente Giotto se dedicara a las figuras principales, dejando los personajes secundarios a sus ayudantes, de no ser así no hubiera podido realizar semejante obra en tan poco tiempo. ESCENAS DE LA VIDA DE SAN JOAQUÍN 1. "Expulsión de San Joaquín del Templo" Joaquín es expulsado del templo en el que se educó desde niño, los rostros del sacerdote y del santo expresan los sentimientos en ésta situación. Su sacrificio es rechazado al ser anciano y no tener hijos, lo que era una auténtica maldición en Israel. 2. "San Joaquín entre los pastores" muestra a un entristecido e introspectivo Joaquín que llega al campamento de los pastores. Giotto muestra de manera magistral el estado de ánimo del santo. 3. "La Anunciación a Santa Ana" que aparece en postura orante mientras escucha de boca del ángel que asoma por la ventana abierta el anuncio del nacimiento de una hija, María. Giotto utiliza aquí su sistema de realizar conjuntamente interiores y exteriores, donde una mujer aparece tejiendo. 4. "La ofrenda de San Joaquín" ubicada en un espacio abierto Joaquín aparece de rodillas escuchando al ángel que le comunica que su ofrenda ha sido aceptada, sobre ellos surge del cielo la mano de Dios bendiciéndole. 5. "El sueño de San Joaquín" que aparece dormido a la puerta de una cabaña a los pies de un monte. Dos pastores asisten a la escena en la que un ángel anuncia a Joaquín su próxima paternidad. Las dos figuras convergen en la misma diagonal, lo que nos hace entender que se trata de un diálogo entre las dos figuras. Tanto el paisaje como los animales son casi infantiles, no así las figuras, realizadas con gran volumen y tratamiento detallista. 6. "Encuentro en la Puerta Dorada", muestra el encuentro entre San Joaquín y Santa Ana, escena en la que Giotto rompe la ley del marco al cortar la imagen del pastor que acompaña a San Joaquín. Los dos rostros se confunden en un beso, expresado con gran ternura por parte del artista. Al mismo tiempo juega con el movimiento expresado en el fluir de mujeres que forman la corte de Ana, pero lo hace con maestría para que las miradas se dirijan a la pareja protagonista de la escena. ESCENAS DE LA VIDA DE LA VIRGEN, se encuentran en el muro opuesto al que muestra las escenas de la vida de San Joaquín. 7. "Nacimiento de la Virgen" tiene lugar en el mismo enclave en el que tuvo lugar la anunciación a Santa Ana. Se reflejan en el fresco varias escenas diferentes: la comadrona entregando a Santa Ana a su hija recién nacida. A los pies de esta escena Giotto sitúa otra en la que Santa Ana aparece alimentando a su hija. Como gusta hacer al autor, combina escenas de interior y exterior. 8. "La Presentación de la Virgen en el Templo" nos muestra el mismo marco arquitectónico del templo que aparecen en las escenas de San Joaquín. Los apócrifos cuentan que María fue entregada a Dios por sus padres y dedicada a Él, por ello se educará en el mismo templo. 9. "Las varas llegan al templo" Habiendo sido educada en el Templo, María debía casarse con un hombre elegido por el propio Dios mediante un milagro. Los hombres solteros acuden al templo a dejar sus varas, Dios hará florecer la de el hombre elegido por Él para María. El Sumo Sacerdote recoge las varas mientras que en el extremo izquierdo José se mantiene dubitativo ya que se considera demasiado anciano para María tal y como cuentan los evangelios apócrifos. 10. "Oración de los pretendientes", el grupo de hombres y sacerdotes oran de rodillas ante el altar en el que se han colocado las varas de cada pretendiente con la finalidad de que Dios obre el milagro de elegir quién habria de desposar con María. De la zona de la bóveda de horno del templo sale la mano de Dios, que hará florecer la vara de José. 11. "Desposorios de la Virgen" que se producen a la entrada del templo que ya ha aparecido en las escenas anteriores. El sacerdote acerca las manos de los dos contrayentes de manera suave, mientras que San José hace el gesto de poner el anillo en el dedo de María, que aperece llevando su mano al vientre indicando su inminente embarazo. 12. "La procesión de la boda" María se dirige a pie junto con sus acompañantes y familiares a la casa de José, donde es recibida por músicos. Su manera de caminar agarrándose el manto parece anunciar su próximo embarazo. La palma que aparece asomando por la ventana de la casa simboliza el próximo nacimiento del Salvador. La misma ventana aparecerá de nuevo en la escena de la Anunciación. 13. "Dios envía al Arcángel Gabriel a la Virgen" decora la parte alta del arco que abre paso al coro de la Capilla, a sus lados se encuentra la escena de la Anunciación que analizaremos más abajo. Dios Padre aparece entronizado rodeado de la corte de ángeles y hablando con Gabriel. La imagen de Dios aparece frontal, hierática, con gran majestuosidad y luminosidad que subrayan su omnipotencia. Al observarla vemos que algo la diferencia del resto del fresco, y se debe a que en realidad se trata de pintura al temple sobre madera. 14. "La Anunciación: El Ángel Gabriel enviado por Dios", situado en el lateral izquierdo del arco que abre paso al coro de la Capilla. Al igual que veremos en la representación de María, aparece de rodillas dentro de un marco arquitectónico gótico abierto y decorado con cortinajes. 15. "La Anunciación: la Virgen recibe el mensaje", aparece en el lateral derecho del arco que enmarca la zona del coro de la capilla. La representación, aunque muy dañada por la humedad, es magnífica. Muestra a María también de rodillas en el marco de una decoración arquitectónica abierta que combina formas góticas junto con cortinajes, interiores con exteriores. Aprovecha también la existencia de éste arco en la capilla para realizar de forma natural la separación entre las dos figuras al tiempo que las une en el acto de la Anunciación; recordemos que es típica en la pintura Italiana la separación artificial de las dos figuras, ya sea por una columnilla, un atril, etc. El conjunto se completa en la parte alta del arco de la capilla con la representación de Dios Padre enviando a Gabriel ya analizada que parece presidir la escena. El manto rojo de María parece anunciar la Pasión de su Hijo y su propio sufrimiento. 16. "La Visitación" María aparece acompañada por dos mujeres cuando abraza a su prima Isabel, embarazada de Juan el Bautista a las puertas de la casa que aparece recubierta de mármol. Las dos mujeres intercambian una mirada cariñosa, marcando Giotto la diferencia de edad entre las dos. Es el momento en que María entona el Magníficat. La puerta del fondo aparece abierta de manera que Giotto hace un estudio acertado de la profundidad. "ESCENAS DE LA VIDA DE CRISTO" 17. "La Natividad" Aparece la Virgen tendida bajo un sencillo establo representado por cuatro postes de madera y una cubierta, aparece atendida por una comadrona que le entrega al Niño, dato que no encontramos en ninguno de los 4 Evangelios pero si aparece en los Apócrifos. José descansa a sus pies, entre la mula y el buey y unos carneros. Dos pastores reciben el mensaje del ángel en el extremo derecho del fresco, sus imagenes no se adaptan a la ley del marco. 18. "La Adoración de los Magos" bajo el mismo establo sencillo que no quiere quitar protagonismo a la escena, los tres Reyes hacen sus ofrendas a los pies del Niño, tras ellos aparecen camellos y pajes que no se amoldan a la ley del marco. La escena muestra gran reverencia y quietud. 19. "La Presentación de Jesús en el Templo" la imagen del Niño, realizada con gran realismo, extiende sus brazos mientras Simeón le sujeta en los suyos. Una de sus manos se dirige hacia su Madre, que al tiempo extiende sus brazos hacia Él. Las tres figuras aparecen bajo un palio sobre columnas salomónicas, las que se decía adornaban el Templo de Salomón en Jerusalén. Se trata del mismo enclave arquitectónico que aparece en la "Expulsión de Joaquín del Templo" y en la "Presentación de María en el Templo". Detrás de Simeón aparece la Profetisa Ana. 20. "Huída a Egipto" dentro de un marco paisajístico montañoso, realizado con poco realismo como es propio en Giotto, aparecen las figuras en movimiento, relacionándose entre ellas, sólo María y el Niño parecen inmóviles. Es la muestra clara del interés principal de Giotto en su pintura: la figura humana, algo que ya no abandonará a los pintores italianos. 21. "La Matanza de los Inocentes" Giotto subraya la tragedia mediante la plasmación de los cuerpos de los niños muertos amontonados en el centro de la escena. A la derecha las mujeres con gesto angustiado y a la izquierda los soldados que llevan a cabo la tarea con rapidez y violencia. El personaje que aparece asomado a la ventana del palacio es el propio rey Herodes que observa la escena sin piedad. 22. "Cristo entre los doctores del Templo" vestido con un manto rojo símbolo de Pasión, mantiene una discursión tal y como nos indica Giotto con los gestos, las miradas de los hombres se concentran en el niño. María y José se sitúan en el extremo izquierdo con el gesto de padres que acaban de enontrar al Niño perdido. 23. "El Bautismo de Cristo", la composición nos lleva a fijar nuestra atención en el eje central de la misma: la Trinidad, el cielo se abre y aparece Dios Padre del que emana la fuerza del Espíritu Santo sobre el Hijo. A la izquierda un grupo de ángeles sostiene las vestiduras de Cristo, que aparece desnudo, únicamente parece cubierto por el agua que es representada a modo de veladura, ésto permite a Giotto hacer un infantil estudio anatómico. Esta manera de mostrarnos la escena obliga a Giotto a ser poco realista a la hora de estudiar la perspectiva. 24. "Las Bodas de Caná" , Cristo, en la esquina izquierda ha convertido el agua en vino, que en ese momento está catando el maestresala. Su Madre observa la escena desde el otro lado de la mesa del banquete. 25. "La Resurrección de Lázaro", sigue el mismo esquema que empleó en la representación de ésta escena en la Basílica de Asís. El gesto de Cristo es enérgico, dándo la orden al muerto de que se levante. A sus pies las dos hermanas de Lázaro, Marta y María, que caen agradecidas, mientras el resto de los presentes muestran su asombro y en algún caso espanto. Los paisajes son poco realistas, mostrando el deseo de que las miradas se centren en los personajes principales. 26. "Entrada en Jerusalén", el centro de la escena lo ocupa Cristo sobre el asno a cuyos pies un hombre extiende su manto. Detrás de Cristo sus discípulos observan la escena y frente a ellos una multitud ante la Puerta Dorada de Jerusalén, la misma que aparecerá en "Camino del Calvario". Es llamativa la manera de representar el conjunto, mientras que Cristo parece en movimiento sobre el asno, los discípulos parecen estar totalmente estáticos. 27. "Expulsión de los mercaderes del Templo" Cristo es el centro de la representación, y con gesto violento echa a los mercaderes. Aparecen varios animales aptos para los sacrificios sueltos por la estancia, y en un detalle curioso varios niños se refugian bajo el manto de los apóstoles. En la esquina derecha los escribas hablan entre ellos buscando la manera de prender al Señor, sus miradas muestran la maldad. 28. "Judas recibe el pago por su traición" Las mismas figuras de los escribas que aparecían hablando en la escena anterior aparecen aquí convenciendo a Judas para que traicione a su Maestro. Judas lleva el saco de monedas en su mano y a sus espaldas aparece la figura del Diablo empujándole hacia el escriba. 29. "La Última Cena", todos rodean al Señor que tiene a San Juan recostado sobre su pecho. Judas aparece de espaldas y se distingue por no llevar el nimbo de santidad (aunque parece como si hubiera sido borrado), su manto es el mismo que el "El Beso de Judas". 30. "El lavatorio de los pies" De nuevo encontramos un marco arquitectónico abierto. Rodean a Cristo los apóstoles, unos con gesto de atarse las sandalias, otros portando los utensilios y la mayoría observando cómo San Pedro se opone a que Jesús lave sus pies al tiempo que éste le reprende "si no te los lavo no tienes nada conmigo". El recinto es el mismo que el de la Última Cena, pero no el mismo que el de Pentecostés. Curiosamente en esta escena los 12 llevan el nimbo de santidad. 31. "El beso de Judas" introduce numerosas figuras en la escena en cuyo centro Judas abraza a Cristo envolviéndolo completamente en su manto, mientras que una muchedumbre los rodea esgrimiendo varas y antorchas que se distribuyen de forma desordenada imprimiendo movimiento. Al mismo tiempo en el extremo izquierdo, Pedro corta la oreja de uno de los guardias. La mayoría de los que rodean la escena miran hacia los personajes centrales, Judas parece abalanzarse con toda su fuerza sobre Cristo con una mirada maléfica, mientras el Señor se mantiene sereno. 32. "Cristo ante Caifás", escena de interior, que muestra a Jesucristo en el centro izquierda recibiendo la bofetada del guardia del templo, mientras que frente a Él aparece Caifás sentado rasgándose las vestiduras. 33. "La Flagelación". Cristo aparece en el lateral izquierdo sentado con gesto introspectivo y entregado mientras recibe los insultos, burlas, salibazos y golpes de un grupo de hombres. Viste un manto real, dorado con decoración de piedras preciosas, lo que contrasta con la situación real del momento. En el extremo derecho Pilatos discute la situación con un grupo de hombres. 34. "Camino del Calvario", Cristo avanza con la cruz sobre sus hombros hacia el Calvario, Giotto represneta la Puerta Dorada tras de Él. María observa la escena en la esquina izquierda, aparenta como si fuera empujada lejos de su Hijo mientras que otros golpean la espalda del Señor. El rostro de Jesús muestra su soledad y desolación durante este trayecto. Giotto rompe con la ley del marco al dejar figuras truncadas en los extremos. 35. "La Crucifixión", la imagen de Cristo en la cruz divide en dos los grupos de figuras. A sus pies se encuentra María Magdalena a quien el manto se le ha caido a los pies dejando al descubierto una larga melena, mientras que el grupo de la izquierda muestra a María la Madre de Jesús sostenida por Juan y una mujer. Al otro lado de la Cruz los soldados se echan a suertes las vestiduras del Señor, entre ellos coloca a uno con el nimbo de santidad, probablemente aquel que reconocerá más tarde que Jesús es el Hijo de Dios. El cielo aparece lleno de ángeles que observan la escena alterados, sus cuerpos parecen emerger de las nubes. La representación de Cristo sigue los mismos cánones que utiliza Giotto a la hora de realizar sus Crucificados, con un paño de pureza que llega a las rodillas y transparente, lo que le permite hacer un suave estudio del desnudo siempre dentro de la exigencia de respeto ante la imagen de Cristo. 36. "La Lamentación sobre Cristo muerto" muestra con los gestos de las figuras el drama de la escena. María aparece abrazando a su Hijo mientras la Magdalena toma sus pies, esta manera de representar la escena se generalizará en el Arte. El gesto de María es doloroso pero sereno frente a las actitudes de otras figuras de la escena, más dramáticas, al tiempo que sitúa otras, como las del extremo derecho, que asisten sin alterarse. El paisaje es acartonado y poco realista, el cielo tiene diferentes tonalidades y de nuevo aparece lleno de ángeles que presencian la escena. 37. "Noli me tangere", muestra a Cristo Resucitado encontrandose con la Magdalena junto a la tumba. Cristo dice a María Magdalena que no le toque (noli me tangere) porque aún no ha subido al Padre. Frente al estatismo de las figuras de los ángeles y los soldados, la imagen de Jesucristo muestra movimiento, tanto por los gestos como por la badera que porta en las manos. 38. "La Ascensión del Señor", curiosamente en esta escena aparece la Madre de Jesús, que en la Escritura no se especifica que estuviera presente. 39. "Pentecostés" realizada en un marco gótico abierto, en el que distribuye las figuras de los apóstoles sin incluir la imagen de María la Virgen que en la Escritura si aparece como presente en este momento. La efusión del Espíritu Santo se refleja como pequeños rayos que se posan sobre las cabezas de los presentes, no como lenguas de fuego, que es la forma tradicional de representarlo. Los rostros reflejan sorpresa y arrebato. "LAS SIETE VIRTUDES", situadas en la parte baja del muro frente a los siete vicios, están realizadas al igual que estas en tonos monócromos, imitando las formas de esculturas de mármol. Simulan imágenes dentro de nichos y son un modelo de expresividad y simbolismo. Utiliza figuras femeninas para representar la mayoría de Vicios y Virtudes, excepto para la Infidelidad y la Injusticia, para las que usa figuras masculinas. 40. La Prudencia aparece sentada tras un escritorio, con una pluma en una mano la otra sostiene un espejo en el que se está mirando. El espejo es el símbolo del conocimiento de uno mismo. 41. La Fortaleza es representada con la imagen de una mujer fornida sobre un fondo oscuro, lleva un escudo y una vara en posición defensiva. 42. La Templanza es una mujer que aparece de forma tranquila enrollando un lazo alrededor de la empuñadura de una espada. 43. La Justicia, al igual que la representación de la Injusticia situada frente a ella, es de mayor tamaño que las otras representaciones, ocupando ambas la parte central de los muros laterales de la Capilla. Se trata de una mujer entronizada sobre un trono gótico, sostiene la imagen del castigo y la clemencia en sus manos. En la zona del banco se representan escenas de paz y armonía que son el fruto de su reinado. 44. La Fe lleva en sus manos una Cruz y un pergamino. Es, de entre los Vicios y Virtudes la que muestra mayor frontalidad, inexpresividad y hieratismo. Quizá Giotto quiso simbolizar la solidez de la fe que no se altera ante las pruebas. 45. La Caridad es una mujer que porta una cesta de frutas en una mano y con la otra reibe un corazón que le da Dios Padre. 46. La Esperanza, representada como una mujer alada que recibe una corona de Dios Padre. "LOS SIETE VICIOS" Representados frente a las virtudes. Con tonos monócromos y mucha expresividad. 47. La desesperación aparece representada en su consecuencia extrema: el suicidio. Se trata de una mujer que se ahorca y un demonio aparece llevándose su alma. 48. La envidia es una mujer anciana y fea de grandes orejas, de cuya boca sale una serpiente que se enrosca en su cabeza. Lleva un saco de dinero en una mano y tiene sus pies ardiendo en el fuego de los celos. 49. La infidelidad está representada como un hombre que mantiene un ídolo en su mano, es por lo tanto la representación de la infidelidad al seguimiento de la Verdad que es Jesucristo. 50. La Injusticia, aparece representada por una figura masculina, es la que ocupa la parte central del muro frente a la de la Justicia, y ambas están realizadas en mayor tamaño que el resto. El hombre aparece estático, con una frialdad notoria, situado sobre varias representaciones de injusticia y abuso. 51. La Ira es representada por una mujer con el rostro alterado que rasga sus vestiduras llena de rabia. No hay sinembargo interés alguno en el estudio anatómico del desnudo, lo que interesa a Giotto es el rostro y su expresión. 52. La inconstancia. La representa como una mujer sentada sobre una gran rueda que gira sobre un suelo resbaladizo e inclinado. La mujer intenta mantener el equilibrio en esta situación caótica. Giotto representa de manera magistral para su época el movimiento y la inestabilidad, con el manto que vuela y el gesto angustiado de la mujer. 53. La estupidez o la locura. Representada por una figura con una tiara de plumas y cola de pavo real que porta un garrote. "El Juicio Final", Se encuentra en el muro occidental a los pies de la capilla, tal y como era tradicional en esta época. Se trata de una representación grandiosa, cuajada de figuras, que Giotto ordena en una composición clara y ordenada en franjas superpuestas: la separación la marca Cristo en el centro y los doce apóstoles alineados a los dos lados, sobre ellos la corte celestial y bajo ellos el mundo de los vivos y los muertos dividido en salvos y condenados. La escena aparece presidida justo en el centro por Cristo en Majestad, como Juez Supremo, sobre un trono sostenido por ángeles y envuelto en la almendra mística o mandorla con los colores del Arco Iris. El fondo de la representación de Cristo es dorado y viste el manto rojo de la Pasión que se abre para mostrar las llagas. Los extremos superiores del fresco muestra a dos ángeles que parecen enrollar la escena y tras ella aparece la imagen de la Jerusalén Celestial de la que habla el Apocalipsis. Los doce apóstoles aparecen sentados rodeando a Cristo dispuestos a juzgar a las doce tribus de Israel. Sobre ellos el coro de los Santos que ya en el Cielo observan la escena. A la derecha de Cristo (izquierda del espectador), sitúa a los salvos, entre los que podemos ver gentes de iglesia y laicos, hombres y mujeres, que son acompañados en su ascenso al Cielo por ángeles. Las figuras de perfil aparecen diferenciadas. Por debajo aparecen las tumbas abiertas de las que salen los cuerpos de los difuntos que resucitan en el día del Juicio. Enrico Scrovegni ofrece la construción de la Iglesia a las tres Marías, se trata de un retrato del donante que aparece entre los salvos en el Juicio Final, estando aún en vida cuando se realizo el fresco. Giotto representa a Enrico con vestiduras sencillas, indicando penitencia. Un clérigo sostiene la representación real de la capilla en sus brazos. Para la representación del infierno (a la derecha del espectador, y en la mano izquierda de Cristo), Giotto utiliza colores sombríos, mezclando negro y ocre para simbolizar la oscuridad y el fuego eterno. Las figuras se amontonan desnudas, con un desnudo casi infantil y nada erótico, lo que muestra el poco interés de la época por el estudio del cuerpo que aún se identificaba con el pecado. Las representa sufrientes, martirizadas por monstruosos demonios con piel de lobo y formas de dragón. El Diablo, príncipe de las tinieblas aparece representado como un monstruoso dragón entronizado que se alimenta de los condenados. Toda la estancia aparece decorada, y entre las escenas coloca tiras decorativas con pequeñas representaciones del Antiguo y Nuevo Testamento, santos y detalles como el del rito de la circuncisión. VOLVER A GIOTTO

Referencias con la pintura de Klimt KLIMT: Judith II, Schiele siempre admiró a Klimt. Esto supuso una reacción frente al dogmatismo de la formación académica.

love its a tree with great fruits but full of hidden dangers. and leaves you with a weird taste.

On the eve of a major exhibition on the printmaker, painter and poet, Fiona Maddocks chooses her 10 favourite works

Hans Holbein the Younger (1497-1543) - Hermann Hildebrandt (?) (1533) - Gemäldegalerie, Berlin

The curator and art historian Susan Landauer met Elmer Bischoff in 1985, while she was a graduate student at Yale, and this encounter helped lead to her first book: The San Francisco School of Abstract Expressionism (1996).