Las típicas corralas madrileñas luchan por no desaparecer. Gracias a actualizaciones e intervenciones como esta de Extrarradio en Lavapiés, auguramos un buen futuro a estos edificios en los que se potencia el sentido de comunidad.

Hemos finalizado la obra de reforma de un apartamento de 700m2 para un soltero.

ronnald ong So glad to announce that I'm ABOUT to start selling some high quality canvas prints of the images showed above SOON!🔈Further announcements coming up, so stay tuned. Great opportunity to be...

“What about socialization/academic rigor/character/etc.?” Well, how’s that working out for the school kids? I’ve heard it all, and more, throughout 20ish years of homeschooling 4 kids. The newbies…

Young Pixelated

El fotógrafo francés Eugène Atget afirmó una vez que “una buena fotografía es como un buen sabueso, tonto pero elocuente”. La cita describe a la perfección las imágenes de esta colección, ya que sus creadores lograron capturar momentos valiosos que la gente común a menudo no percibe.

Pearl Frost Brick Radiance Introducing the stunning Pearl Frost Brick Radiance collection. These remarkable glass bricks and mosaics are designed to captivate, reflecting a captivating radiance that enchants in every light. Crafted from 80% recycled glass, these polished and frosted pieces are created by heating glass to a liquid state and pouring it into moulds, resulting in undulating surfaces that transform under different lighting conditions. With a unique glowing appearance enhanced by a reflective coloured backing, our Radiance collection is a true testament to the beauty of sustainable design. Experience the brilliance for yourself - explore our range of Gloss and Frost options today. Specification Range - Glassworks Radiance Bricks Material - Glass Colour - Iridescent Edge - Straight Finish - Frosted Dimensions - 200 x 75 x 8mm Suitability - Interior dry and wet walls Availability - Usually in stock 6No per box sold by the tile Important Information For optimal results, we suggest utilizing a white rapid-setting cement-based flexible adhesive combined with a latex additive or an epoxy adhesive paired with a non-sanded or superfine grout. It is important to note that the adhesive should not be mixed with water.

"Todos mis trabajos son juegos. Juegos serios" (M.C.Escher) Biografía Maurits Cornelis Escher nació en Leeuwarden (Holanda) en 1898. De niño no fue buen estudiante (sólo disfrutaba de las clases de Dibujo) así que tuvo que repetir curso. Posteriormente, en 1919, ingresó en la Escuela de Arquitectura y Diseño Ornamental de Haarlem, ya que su padre tenía gran interés en que estudiara arquitectura. Pero allí se descubrió que el camino de Escher estaba más en el arte decorativo que en la arquitectura, por lo que se decantó, con la resignada autorización de su padre, por el primero. A ello contribuyó el que era su profesor de artes gráficas, Samuel Jesserun De Mesquita, que se convertiría en su principal maestro. En cualquier caso, en la Escuela Escher tampoco deslumbró y cuando De Mesquita comprobó que su alumno tenía los conocimientos básicos del dibujo, le animó a que empezara a trabajar por su cuenta. En 1922 viajó a Italia, donde le recomendaron por su belleza la zona del Sur de Italia. Se trasladó a Ravelo, en una de cuyas pensiones Escher conoció a Jetta Umiker, con la que se casaría en 1924. Jetta también pintaba y dibujaba, si bien no había recibido ninguna formación para ello. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Autorretrato" (1923), de su época e Italia La familia se trasladó a Roma, donde nació su primer hijo. Desde la capital hacían numerosos viajes a otras regiones de Italia, de donde venían cargados de dibujos. Pero la llegada de Mussolini al poder convirtió progresivamente el ambiente desagradable para Escher y, cuando su hijo fue obligado a llevar el uniforme de la juventud fascista, la familia se trasladó a Suiza, donde Escher pasó dos años muy malos, nada inspirado por los nevados paisajes nevados. Sólo podían hacer algunas escapadas gracias a que una empresa de cruceros aceptaba sus grabados como pago. Instantánea de uno de sus viajes a Italia (Fuente de la imagen). En uno de esos viajes visitaron la Alhambra de Granada, cuyos mosaicos y otros motivos ornamentales cautivaron a Escher e influirían en sus trabajos de partición del espacio (si bien el artista añadiría a sus recubrimientos rostros y animales, algo prohibido en el Islam). También en España, esta vez en Cartagena, sufrió un serio malentendido cuando fue tomado por espía por su costumbre de fotografiar los paisajes urbanos, en este caso las murallas de la ciudad. Por supuesto, el malentendido fue aclarado pero increíblemente no pudo recuperar los dibujos que le confiscaron. Diversos momentos del proceso de creación de "El ojo" (1946) (Fuente de la Imagen). En 1937 se mudó a Bélgica pero el ambiente no era bueno debido a la guerra así que la familia volvió a Holanda en 1941. En Holanda, el mal tiempo ayudó a que aumentara su producción. Su ritmo de trabajo fue constante durante esos años, con la sola excepción de 1962, cuando tuvo que ser operado. Escher falleció el 27 de Marzo de 1972. Su última obra, "Serpientes" data de 1969. La obra de Escher Es imposible incluir en una entrada todos sus trabajos, pero al menos destacaremos los más importantes. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Eight heads" (1922). Representa el primer intento logrado de hacer una partición del plano con figuras que se entrelazan unas con otras. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission Este magnífico autorretrato, "Hand with reflecting sphere" (1935) es una de sus obras más conocidas. De aspecto algo inquietante, es además un ejemplo de como en una pequeña porción de esfera se refleja gran cantidad del espacio que la rodea. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Day and Night" (1938) supuso un punto de inflexión en la obra del artista ya que se hizo muy popular y es un grabado del que se vendieron muchas copias. Utilizando en el centro la partición de los pájaros blancos y negros, Escher adaptó una estampa realista anterior para crear estos dos mundos paralelos que son uno el negativo del otro. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission Metamorphosis II es la obra de Escher de mayor formato (la obra original tiene una longitud de 4 m y aún se hizo una versión alargada para la oficina de Correos de la Haya) y por eso la presentamos separada en cuatro partes. Es una fantástica sucesión de transformaciones a cada cual más original. Puede disfrutarse con calma en el siguiente vídeo: All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Reptiles" (1943) es un juego visual en el que se representa el propio cuaderno donde Escher diseñaba sus teselaciones y desde el que, en este caso, los lagartos que forman parte de ella "toman cuerpo" y se pasean por la imagen hasta volver a reintegrarse en el grabado. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission En "Balcony" (1945) el centro de la imagen está deformado al aumentarlo cinco veces respecto al resto de la imagen. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Other world" (1947) es la versión mejorada de "Gallery", donde la ventana que vemos al fondo era un túnel del que no se veía al final. Con esta variación (utilizada con frecuencia en portadas de libros) se crea una asombrosa imagen en la que se confunden arriba, abajo, izquierda, derecha, delante o detrás. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Drawing hands" (1948) Este es uno de los trabajos con el que Escher quería mostrar los engaños del dibujo ya que, en este grabado, cada mano pinta la otra, estando ambas además en un papel clavado con chinchetas que a su vez forma parte de la superficie plana que contiene el conjunto de la obra. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Relativity" (1953). Una interesante obra en la que lo que se muestra no es realmente una construcción imposible sino que los personajes que se mueven lo hacen con tres diferentes centros de gravedad que conviven en un mismo escenario, lo que produce esa relatividad. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Convex and Concave" (1951) es otro de los mundos imposibles de Escher generados a partir de dos estructuras (las mitades izquierda y derecha) coherentes cada una por su lado pero que no tienen sentido como unidad. La estructura de las ventanas centrales es muy utilizada, por ejemplo, por Istvan Orosz. Hay que fijarse también en la bandera, en la que aparecen cubos reversibles. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission En "Three worlds" (1955), Escher, como el título indica, hace coincidir en una misma imagen "tres mundos": la superficie del lago, marcada por las hojas, el fondo, representado por el pez, y la superficie, mediante el reflejo de los árboles. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission Sin duda "Print Gallery" (1956) es una de las obras más apasionantes de Escher. En ella utiliza una serie de ampliaciones progresivas de forma que el visitante que aparece a la izquierda de la obra está ampliado cuatro veces en relación a los cuadros y a la persona que aparecen abajo a la derecha. Pero el cuadro que aparece arriba a la izquierda está a su vez ampliado cuatro veces en relación al visitante (que sufre en el tamaño de su cabeza la transición hacia esa ampliación...). Y así sucesivamente de forma que la cornisa que aparece bajo la mujer asomada a la ventana estaría ampliada 256 veces en relación a las columnas que (en lo que da grandeza a esta obra) además la sustentan. Un interesante estudio creado por Michael Hogg en la que, a partir de una rejilla similar a la que usó Escher para las sucesivas ampliaciones, muestra cuatro imágenes en las que se ha revertido la deformación y que, de forma cíclica, se van generando mediante la amplición de un detalle de la anterior. Vídeo que recrea el proceso de transformación de "Print Gallery" All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Belvedere" (1958) es sin duda una de las obras más clásicas de Escher. En ella aparecen dos elementos dignos de mención: por un lado, como se puede comprobar en el detalle que hemos ampliado, aparece un plano con el dibujo de un cubo cuyas aristas "críticas" (¿están en primer o en segundo plano?) aparecen marcadas. El hombre sentado en el banco muestra un ejemplo de un cubo imposible (cuyas aristas están "a la vez delante y detrás"). Y como dice Escher, el hombre "contempla reflexivo el objeto imposible sin darse cuenta de que el belvedere a sus espaldas es un ejemplo más de tal objeto imposible". Ciertamente si uno observa las columnas se da cuenta que sufren el mismo problema que las aristas del cubo (y si no, ¿como podría la escalera apoyarse en el interior para acceder a la fachada?). All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Ascending and descending" (1960) es la acertada aplicación de Escher de la escalera imposible de Penrose, imposibilidad que, mediante dos filas paralelas de soldados (una con todos los soldados subiendo y otra con todos bajando), pone de manifiesto de una manera muy intuitiva. La aplicación más interesante de las matemáticas en la obra de Escher es su uso de geometrías no euclídeas (geometrías en las que no se cumple el V postulado de Euclides de que por un punto exterior a una recta sólo se puede trazar una paralela). En alguna de sus obras como en este "Circle Limit IV" (1960) utiliza el espacio de una esfera para representar figuras cuyo tamaño tiende hacia lo infinitamente pequeño. All M.C. Escher works (c) 2014 - Cordon Art - Baarn - Holland. All rights reserved. Used by permission "Waterfall" (1961) es uno de sus dibujos más conocidos, si no el que más. Según Escher, es una múltiple aplicación del triángulo imposible de Penrose. Efectivamente, si uno observa la parte superior de la cascada, los dos primeros tramos del recorrido del agua en zig-zag forman con las columnas que separan los dos "niveles" un triángulo imposible. Más claro: el agua sufre una considerable caída a causa de la cascada pero, entre el inicio y el final de esta, hace un recorrido que las leyes de la perspectiva nos muestran como claramente horizontal, lo cuál por supuesto es incompatible con la caída antes mencionada. "Möbius strip II" (1963) es un ejemplo de la frecuente aparición de elementos matemáticos en la obra de Escher, que los muestra de manera tan artística como intuitiva. En este caso, la "procesión" de hormigas contribuye a reflejar el hecho de que la cinta de Möbius tiene una sola cara. La influencia de Escher La influencia de Escher es evidente tanto en la ciencia como en la cultura popular. A pesar de que tenía una relación con las Matemáticas bastante intuitiva (no tenía una formación superior en dicha disciplina), muchos matemáticos han visto en su obra reflejados de manera genial muchos de los conceptos con los que trabajan. Como decía el propio artista, "con frecuencia me siento más próximo a los matemáticos que a mis colegas los artistas". En cuanto a la cultura popular, lo llamativo de sus obras ha hecho que sean frecuentemente utilizadas en portadas y anuncios o recreadas en series de televisión. Hay hasta un artículo en la Wikipedia dedicado a ejemplos de su presencia en la sociedad. Aquí mostramos algunos ejemplos: Versión de "Relativity" en Lego de Andrew Lipson Homenaje a "Relativity" en "Los Simpson". Hay otras escenas de la serie inspiradas en Escher que pueden verse en Impossible World. Anuncio de coches inspirado en "Relativity" Anuncio que imita a la obra Sky & Water I Portada del primer disco de Mott the Hoople, que utiliza la obra "Reptiles" Una viñeta de Dan Piraro que refleja un "Escher´s Pub" Ilusionario TV "Inspirations" es un magnífico trabajo de animación realizado por Cristóbal Vila en el que recrea lo que él se imagina que sería el estudio de M.C.Escher. Tráiler del libro "Palazzo Inverso", libro infantil creado por D.B.Johnson y que con influencias de Escher sitúa a su protagonista en un mundo de ilusiones ópticas Fragmento de un documental en el que se refleja la construcción de mosaicos y la influencia que para Escher tuvieron los paisajes italianos. Aparece parte de una entrevista con el artista, al que también se le ve trabajando. Documental del Canal Odisea Para saber más - Página oficial de la Fundación Escher Escher. - El libro "El Espejo Mágico de M.C. Escher" de Bruno Ernst quizá la mejor obra sobre el trabajo del artista ya que Ernst siguió la obra de Escher durante años (la foto pertenece a una de sus reuniones). - Libro "Gódel, Escher, Bach" (D.A.Hofstadter) Es una de las obras más conocidas de la divulgación científica reciente y relaciona aspectos de los trabajos del matemático Gödel, de J.S. Bach y del propio Escher. - "La Magia de M.C.Escher" , la obra de Escher en un libro de gran formato. (Esta entrada participa en la edición de Enero de 2014 del Carnaval de Matemáticas).

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El arquitecto chino-estadounidense ideó un símbolo parisino que levantó polémica desde antes de su inauguración en 1989

De vez en cuando te encuentras joyas como esta, idas de olla, destellos de creatividad e imaginación y das gracias por que algo así haya visto la luz, ya que imagino que proyectos como éste tienen más difícil, si cabe, su ejecución. Esta maravilla es obra de Antti Lovag para el diseñador francés Pierre Cardin, […] Read more...

Un piso en Madrid que se inspira en las olas del mar, el interiorismo es obra de Patricia Bustos Studio y cuenta con piezas de mobiliario de Robustos.

Ricardo Legorreta falleció la mañana del 30 de diciembre de 2011 a los 80 años de edad. Fue el primer mexicano en obtener el prestigiado Premium Imperiale 2011 que otorga la Asociación de Arte de Japón, y en septiembre de este mismo año fue reconocido como Doctor Honoris Causa por la Universidad Nacional Autónoma de México.

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Anunciación 1961 Natividad 1961 Familia 1973 D.M.Z. 1994 Eleonore Ananda 1975 El despertar de Julie Tiempo 1965 Vida 1971 El sueño de Alexander 1980 Arte Critico 1976 Cuerpo astral dormido 1968 Cuerpo astral despierto 1969 Autorretrato con modelo Familia de Barcelona 1994 Bizantino Demeter Madre de Dios 1973 Atenas Maria Regina Leh c'est beau 1976 Moises y Aaron 1971 San Juan Susan Berns 1970 Tachyon 1974 Clone ( inacabado ) 2002 Matias Klarwein o Abdul Matias Klarwein ( Hamburgo, Alemania, 9 de abril de 1932 - Deyá, España, 7 de marzo de 2002 ) fue un pintor surrealista célebre por su estilo considerado psicodélico. Sus obras se hicieron famosas al aparecer ilustrando las portadas de discos de diversos artistas y grupos musicales.Klarwein nació en Hamburgo en una familia judía. Su padre Joseph fue un arquitecto vinculado al movimiento Bauhaus y su madre Elsa Kühne fue cantante de ópera. En 1934 con el auge del nacionalsocialismo en Alemania se desplazó con su familia a Palestina. En 1948, a la edad de 17 años se desplazó con su familia a París donde estudió con Fernand Léger y en la Ecole des Beaux-Arts. En Saint-Tropez conoció a Ernst Fuchs cuyo estilo, a diferencia del de Léger, tendría en el futuro grán influencia en su obra. Durante esta época estableció amistad con muchos otros pintores e intelectuales como Kitty Lillaz, Boris Vian o Salvador Dalí. Durante los años 50 viaja y vive en numerosos países, en Europa, Asia, norte de África y finalmente se establece en Nueva York a principios de los 60. En 1965 obtiene la nacionalidad francesa gracias a André Malraux.Desde entonces alternó su residencia en Nueva York con Deià en Mallorca hasta 1984 cuando se instala definitivamente en la isla. Mati es conocido como el pintor “hamburgués errante” y “judío-musulman-sufi-cristiano” budista, estudioso del tantrismo. Su obra pictórica, multifacetica, híbrida y multicultural, se situa entre una suerte de “hiperrrealismo surrealista” y el “visionary-art”, muy de moda en los años 60 y 70, asociadas a los movimientos de contracultura beatnick y la psicodelia, conocido también como movimiento hippie. Klarwein tuvo una intensa vida social, en Nueva York se relacionó con numerosos personajes del mundo cultural, sobre todo relacionados con el pop art y la música como Andy Warhol, Jimi Hendrix, Peter Beard, Timothy Leary o Jon Hassell. En Mallorca vivió en una casa diseñada por su padre sobre la playa de La Cala. Sus fiestas y eventos fueron célebres y contaban en ocasiones con la presencia de artistas y amigos como Ben Jakober, Yannick Vu, Yakov Lind, Annie Truxell, Curtis Jones, Mondino, Annie Lennox o Lynn Franks. Vendió esta casa para financiar una vuelta al mundo. Tuvo cuatro hijos de tres mujeres distintas: Eleonore (1963) con la pintora Sophie Bollack, Sérafine (1971) con la escritora y fotógrafa Caterine Milinaire, Balthazar (1985) y Salvador (1988) con la pintora Laure Klarwein.Dominaba los idiomas inglés, francés, alemán, español, hebreo y se defendía en italiano y árabe.Murió de cáncer a la edad de 69 años mientras dormía en su residencia de Deia, Mallorca

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LA PINTURA DEL SIGLO XIX: EL ROMANTICISMO. El Romanticismo es hijo de un contexto histórico La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas de Antiguo Régimen, provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir. El Romanticismo se opone al carácter encorsetado de la pintura académica, rompiendo con las reglas de composición. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y las épocas pasadas. Algunas causas como la guerra de la independencia griega gozan de un gran predicamento entre los románticos. Entre sus máximos exponentes se encuentran los franceses Géricault y Delacroix, los ingleses Constable y Turner, que anticipa el impresionismo, y el germano Friedrich. Los términos “clásico” y “romántico” son utilizados como términos críticos al arte de cada época. A mediados del siglo XVIII, aparece una división entre lo clásico y lo romántico a partir de la obras de Burke y Winckelmann. Los clasicistas creían que el arte debía buscar la noble simplicidad y la sosegada grandeza. Los románticos, por el contrario, creían que el arte debe sustentar emociones. El término romántico tiene diferentes interpretaciones: peyorativas o laudatorias. El término se acuñó a finales del siglo XVIII para definir una nueva actitud artística que quería poner de relieve lo local y lo individual frente al universalismo, y lo emotivo frente a lo racional. Se propugna la experiencia y romper con el arte mimético y las copias. Aunque los historiadores suelen separar los estilos, lo cierto es que el Romanticismo y el Clasicismo se combinan. El fin podría fijarse con el comienzo del Realismo, aunque resurgían con el Simbolismo. El Romanticismo es un movimiento artístico y literario que apareció al final del siglo XVIII y principios del XIX, que dio fuerza, emoción, libertad e imaginación a la clásica corrección de las formas del arte, fue una rebelión contra las convenciones sociales. El siglo XIX es políticamente bastante comprometido se producen movimientos independentistas, se desarrolla el nacionalismo, la industrialización, el nacimiento de la burguesía. En el campo del arte se renueva la arquitectura con la aparición del hierro que ofrece nuevas posibilidades y surge la arquitectura utilitaria. También aparece la fotografía que pone de moda la realidad. MUERTE DE SARDANÁPOLO, 1827. E. DELACROIX. Óleo sobre lienzo. La pintura romántica: características generales. La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro: • Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías. • La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad. • Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente emocional de primer orden • La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral. • Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos más reposados. • En cuanto a los temas lo característico es la variedad, aunque existen características generales sobre el tratamiento de los temas. Surge el exotismo de la memoria de un misterioso y glorioso pasado que incluye desde la antigua Grecia hasta la edad Media, en especial la época gótica. El gótico es el estilo por excelencia. En la pintura se recogen arquitecturas góticas, leyendas, momentos históricos, etc. El exotismo también en una amplitud geográfica que incluye el mundo desconocido del norte de Africa y la nueva América salvaje. Se descubre Oriente, que ofrece la luz y el color, así como nuevos temas. Por último la fantasía , y sobre todo el drama con un obsesivo sabor por la muerte, la noche y las ruinas, así como por los monstruos y las criaturas anormales. Otro gran descubrimiento del Romanticismo es la Naturaleza y el cultivo del género del paisaje, que será exhaustivo. Se pintan paisajes fantásticos, imaginativos, de estudio, evocados, etc. El pintor se enfrenta a la realidad del paisaje, salen al exterior. Por ejemplo los paisajistas alemanes, con Friedrich a la cabeza, proponen el paisaje espiritual, que ayuda a la evocación religiosa por medio de su grandeza. Valoran los estados atmosféricos, como la niebla. También reivindican la individualidad, el culto al individualismo. El artista prefiere su libertad a la de la colectividad. Por eso son pocos los artistas comprometidos. Por ejemplo Delacroix con la “Libertad guiando al pueblo” donde aparecen pintadas por primera vez las barricadas como testimonio de reivindicación política. Aunque, en general, las reivindicaciones son más exóticas, temas de bandoleros como héroes románticos, etc. Dentro de la individualidad surge una nueva relación entre cliente y artista. Es un trato de igual a igual. Cambian un bien por un bien. El artista ya no es el artesano. Se crean grupos de artistas que trabajan en común sin romper la individualidad, como el grupo Prerrafaelista inglés o los nazarenos alemanes. LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO, 1831. E. Delacroix. Óleo sobre lienzo. El Romanticismo francés.Théodore Géricault (1791-1842) Géricault es un artista puente que durante su corta vida pasa de su formación neoclásica en el taller de Pier Guérin a un planteamiento romántico y antecesor del realismo. Eugène Delacroix (1798-1863) Delacroix fue un artista de gran éxito en su época, guardando aún su obra alguna reminiscencia del Clasicismo a la vez que del Romanticismo más claro. Siendo un supuesto hijo de Talleyrand, estudio también con Guérin, especializándose en 1815 en cuadros de grandes dimensiones. Conoció a Géricault en 1817, quien influirá en su pintura. Delacroix estudió a los grandes maestros del Barroco en el Louvre, interesándose por los grandes artistas venecianos y por Rubens y Rembrandt. También conoce la producción contemporánea, especialmente la de los ingleses Bonington y Constable, y la obra de pintores próximos como Wappers, y le influyen Turner y los retratistas ingleses, de Reynolds a Lawrence. En 1825 viajó a Inglaterra, yendo en 1832 a Marruecos, donde se pone en contacto con el colorismo, la sensualidad y la luz de la pintura norteafricana. En 1833 recibe la protección del primer ministro Thiers. En 1847 visita a Corot, pintor realista, a quien admirará, pero seguirá pintando grandes encargos decoraciones y no obras realistas. En estos momentos también le influirá notablemente Poussin. Delacroix escribió un diario, en el que se presentan vínculos con el Impresionismo "las sombras de un objeto son del color complementario a éste". Esta también en contacto con Chopin, a quién retratará, así como con otros músicos. LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD, 1844. W. Turner. El romanticismo inglés. En los últimos años del siglo XVIII, Inglaterra aporta su contribución a la pintura del paisaje romántico a través de las figuras de Constable y Turner. Los paisajes de Constable transpiran autenticidad y verdad. Están llenos de manchas de colores y se preocupa sobre todo por captar los efectos de la luz y las cambiantes condiciones atmosféricas a través de una técnica rápida y precisa. La obra de William Turner expresa la preocupación por el color y la luz, que utiliza de manera revolucionaria al representar los medios por los que el color parece propagarse a través de la atmósfera: niebla, vapor y humo. Con su obra Lluvia, vapor y velocidad, se convierte en abanderado de la pintura moderna. Viajará por Europa, donde le influirá la tradición del paisajismo clasicista. Preocupado por la la luz, que en sus lienzos cobra gran esplendor y que será su objetivo último en el final de su vida, antecediendo al Impresionismo. En cuanto al color, acude al círculo cromático que ya intuyó Delacroix. Al igual que Goethe se preocupó también por la teoría del color, reuniendo en ella un afán científico y humanista. EL MONJE FRENTE AL MAR, 1808. Friedrich El Romanticismo alemán La figura más importante Caspar David Friedrich(1774-1840). Friedrich nace en la Pomerania del Báltico en 1774, siendo contemporáneo de Constable. En 1807 empieza a pintar paisajes al óleo, a los cuales les da una apariencia religiosa, mística, teniendo un carácter casi anicónico. Sus paisajes no son panteístas, sino religiosos, apreciándose la influencia del Pietismo (tendencia del Protestantismo) y de la filosofía de Schleyermacher. La representación de la naturaleza alcanza la expresión más elevada donde el hombre cumple el insignificante papel de espectador frente a la magnitud del paisaje. Algunas de sus obras son Salida de la luna sobre el mar o Viajero sobre un mar de niebla.

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Es la obra maestra del pintor perteneciente al Siglo de Oro español, que acabó en 1656. De grandes dimensiones (más de 3 m de alto), es uno de los cuadros más visitados del Museo de El Prado (Madrid). El tema central es el retrato de la infanta Margarita de Austria, colocada en primer plano, rodeada por sus sirvientes, las meninas. Foto: Museo Nacional de El Prado.

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