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La collection Essentiæls mise sur un style intemporel et un luxe moderne. Tissus raffinés et finitions luxueuses s’unissent pour créer une collection de classiques mode sophistiqués conçus pour durer et offrant confort et portabilité au quotidien. La cami classique est un incontournable minimaliste conçu pour ajouter un aspect pratique et intemporel à toutes les garde-robes. La texture côtelée, la coupe ultra-confortable et le tissu en coton biologique laissent une sensation luxueuse sur la peau. Le look parfait commence toujours avec une bonne base. Caractéristiques Sans manches Col rond Côtelée Toucher luxueux Taille et coupe Coupe décontractée La mannequin porte la taille P Composition et entretien 58 % coton biologique, 38 % modal, 4 % spandex Prenez soin de vos vêtements pour qu’ils prennent soin de vous en retour. Minimisez l'usure des vêtements en réduisant le nombre de fois où vous les lavez. Prolongez la durée de vie de vos vêtements en les lavant à la machine à l'eau froide et en les séchant à plat. Importée

Autre Lévite, la juppe de couleur différente, les manches de la couleur de la juppe, le Lévite comme la Circassienne n'ayant que des manchons: au lieu d'echarpe un ruban en ceinture. Cette figure est coëffée d'un chapeau noir à la mode.

"Jeune Fille" es cómo se llama éste cuadro, que me encanta, del pintor veronés (nacido en 1707) Pietro Antonio Rotari. Pertenecía a una familia noble, lo que le permitió viajar a Venecia, Roma y Nápoles antes de volver a su ciudad natal y montar allí un taller de pintura. Pero más tarde fue nombrado pintor oficial de la corte en San Petesburgo, dónde se instaló definitivaente, siendo lo más destacado sus retratos. En la mano tiene un librito muy bello que representa la más digna morada de la palabra, la verdadera protagonista, que se encuentra enmarcada en su interior abriendo y cerrando las puertas del discurso. Por otra parte, la expresión de la joven lectora me sugiere que ha sido hábil para interpretar, asociar y transformar lo que ha leído. Me da la impresión de que ella no sólo ha descodificado unos signos, sino que ha recibido el mensaje del autor del texto. Intuyo que conoce las palabras, que maneja los léxicos, que tiene capacidad de reflexión... pero, sobre todo, "su mirada" denota que tiene respeto hacia el autor y el texto, que no le ha juzgado, que no ha leído lo que esperaba sino que ha sido sorprendida y ha captado la esencia. Ha tenido el coraje de ir al encuentro del autor y ha sabido interpretarle, ha quitado lo superfluo, ha reagrupado lo disperso, ha sopesado... ha entendido el mensaje y responde con su gesto... Está muy agradecida, divertida y con cierto pudor muestra su inmensa satisfacción porque la lectura del libro le ha consentido crear espacios que no están sometidos a las leyes físicas; le ha permitido ampliar sus posibilidades de conocer, amar y disfrutar más allá de lo puramente sensible. Los mundos virtuales literarios, el flujo y el reflujo continuo que la ha posibilitado conocerse, interpretarse, evadirse, transformarse y transformar le hacen sentirse una persona diferente, algo importante ha cambiado y ella lo manifiesta. Como escritora, percibo la complicidad de una lectora de mente clara y corazón puro que disfruta de verdad con el placer de la lectura sin ponerse en el lugar del "autor" como hacen los más críticos.

There is a small collection of Opera or Theater Costumes from the time of Marie Antoinette that I simply adore. I have nicknamed this interesting collection of fashion plates "Drama Queens" just for the fun of it. (I liked several these ladies so much that I've created my own altered versions of them; and will be posting some fun artwork using them in upcoming posts.) Late 18th Century Opera or Theatrical Costume (French) Not all the costumes are of women, there are some male entertainers as well; however the costumes are a bit bizarre - which makes them all the more fascinating. These French "Theatrical" Costumes are from the late 1770's. Just the perfect time period for all you Marie Antoinette fans. I hope you enjoy seeing them! *********** A bit about "Galerie des Modes et Costumes Francais" In the late 1700's two print sellers in Paris decided to sell fashion plates of current fashions and costumes of the time. They dubbed this plate series "Galerie des Modes et Costumes Francais" and started selling these plates sporadically from 1778 till 1787. Over the years there have been several book published containing variations of these designs. Some are black and white only versions of the fashions, others are less crisp colorized versions and then there is my favorite the 1912 version by M. Paul Cornu. In 1912 many of them were re-worked and sold as a 4 "folio" set. The images I'm displaying above are from the more modern 1912 version; however I did want you to see an example of an older print from the late 1700's for comparison. A much older version "original" version of this fashion plate I think you will agree that while this older print has a lot of charm; the 1912 versions are a more entertaining way to view these designs. I hope you have enjoyed seeing these fantastical costumes from the late 1700's. Till the next time...

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La Maison du roi employait de nombreux artistes chargés de copier les portraits du souverain et de la famille royale. Ils dépendaient soit de la surintendance des Bâtiments du roi, soit de l’admini...

Today I'm posting 6 French Fashion plates from the 1770's and 1780's as I continue with my fashion series from the time of Marie Antoinette. I've also created a digital artpiece using two of those fashion plates as well as a nice selection of PNGs from the 1779 Walking Dress fashion plate in a variety of color combinations. I hope you Enjoy! EKDuncan digital artscene using vintage French Fashion Plates I created this digital scene in Photoshop using a variety of digital images. The main lady is one of my EKD altered fashion plates, then on the background wall I've digitally framed another of the vintage fashion plates. The table under that is actually from a Regency era 1809 Ackermann's Repository Furniture Plate. The "wallpaper" is a digital scrapbook patterned paper and the rug was created from a photo. Today's selection of French Fashion Plates Today I've chosen a selection of Promenade or Walking Dresses from the 1770's and 1780's for your viewing and crafting pleasure. 1776 French Fashion Plate - Royal Promenade Dress I used this print as the "framed" image in my artpiece at the top of the post. This is the most formal of today' s fashion plates; however the next five costumes are quite lovely too. 1780 French Fashion Plate 1782 French Fashion Plate 1787 French Fashion Plate 1778 French Fashion Plate 1779 French Fashion Plate I altered this image into a PNG and then had a blast creating a variety of color combinations from this original. I can't say I'm a big fan of the original color combination for this or a multitude of other vintage fashion plates in my collection. Many of my vintage fashion plates show some very strange color combinations and it never ceases to amaze me how much an ensemble can be altered by changing the colors. I thinks this is why I'm addicted to playing with these images and creating so many color variations from them. I also remember how frustrating it was to create prior to going digital and being stuck using an image in whatever color it appeared in; so I hope these fun color combinations help add to your crafting potential My EKDuncan Artscene from the top of the post I used the altered Olive and Pink combination of the 1779 walking dress for my digital artscene. Here are the altered PNGs I created. This is the original color combination Teal and Sable Version Slate and Grey Version Blue and Pink Version Peacock and Gold Version Olive and Pink Version Violet and Slate Version Green Version Blue Version Purple Version Brown Version Grey Version I look at a lot of things in an image before I choose it for a PNG upgrade. This 1779 fashion plate showed a lot of promise for conversion and colorizing and I was quite satisfied with my choice in subject matter once the process was complete. I thought her face was lovely, her gown elegant and her pose quite interesting for using in a digital scene. I hope you enjoy using her in your creations too. till next time...

Au XVIIIe siècle, l'influence féminine, jusque–là peu visible face au règne du masculin, s'enracine peu à peu dans le mobilier. Des meubles réservés à un usage typiquement féminin naissent alors à la faveur des règnes de Louis XV puis de Louis XVI. Au nombre de ces nouveautés, on dénombre la table à ouvrage avec son plateau en forme d'auge, la table gigogne ou encore le bonheur-du-jour. Le meuble féminin par excellence Crée vers 1760, le bonheur-du-jour s’expose comme un meuble de dame dévolu en tout premier lieu à leur activité préférée : écrire. De là, son utilité se révèlera différente selon le lieu où l’on le placera - bureau et secrétaire dans le salon, chiffonnier ou coiffeuse dans la chambre ou meuble d'exposition – mais il gardera toujours sa valeur féminine. Ce meuble léger – aisé à déplacer - toujours exécuté avec le plus grand soin en dit beaucoup sur l’engouement dont ils furent l’objet. L’époque Dans le domaine artistique, le XVIIIème siècle est marqué par le « règne » de la Marquise de Pompadour. Cette bourgeoise cultivée et intelligente, amie des arts, possède alors un goût moderne, loin des excès du rocaille. En 1748, l’actualité des fouilles archéologiques d’Herculanum et de Pompéi donne le déclic du revirement. On découvre la civilisation antique sous l’angle de la vie quotidienne et non plus de la seule architecture. L’arrivée du petit salon intime baptisé boudoir donne naissance à de nombreux petits meubles comme la chaise longue, la table à ouvrage ou le chiffonnier. Le bureau de pente, lui, laisse place à un nouveau petit meuble à écrire : le bonheur-du-jour. François Boucher, Portrait de la marquise de Pompadour, 1757, Huile sur Toile © Blauel/ Gnamm - Artothek Sous Louis XVI, le petit salon se substitue au boudoir ce qui amène les ébénistes à créer des meubles plus petits afin de répondre aux désirs d’une clientèle raffinée. Destinés également aux pièces de dimensions diminuées des appartements intimes où l’on demeure en famille, ces meubles légers, de taille réduite, reflètent, plus que les grands les mœurs et les usages d’une société, les plus éphémères changements de mode. « Les époques de foisonnement des modèles », selon Guillaume Janneau, sont celles « de plus grand éclat de la vie privée : le XVème et le XVIIIe siècle ». Ainsi, à une époque où de nombreux meubles sont créés pour remplir une utilité propre, le bonheur-du-jour va jouir d’une grande faveur, qui lui donne son nom, alors que nombre de meubles comme le scriban, la table à écrire ou la table liseuse remplissent déjà ce rôle. Avec la table à ouvrage, la table gigogne ou encore la table de cabinet, le bonheur-du-jour va ainsi rejoindre la liste des petits meubles qui surviennent au milieu du XVIIIe siècle à Paris, suivi par l’ensemble des grandes villes européennes. Caractéristiques Table à écrire de petite dimension - ovale ou rectangulaire, le bonheur-du-jour comporte une écritoire constituée par une tablette escamotable et présente au-dessus du plateau un corps supérieur appelé « gradin » pour ranger livres et papiers, qui lui donne son premier nom de « table à gradin ». Adam Weisweiler, Bonheur-du-jour « à encadrements », Epoque Louis XVI, © Galerie Berger - Anticstore Cette table a connu de nombreuses variantes : le plateau gainé de cuir coulisse ou pivote pour écrire, ou s’il est fixe, c’est un tiroir qui lorsqu’il s’ouvre forme écritoire. Le gradin comporte des casiers et tiroirs ou alors c’est une petite armoire à rideau ou à vantaux. Les pieds sont réunis ou non par une tablette d’entrejambe. Le meuble est coiffé d’un marbre ceinturé par une galerie de cuivre, légèrement échancrée sur la façade pour permettre à la personne assise de loger plus commodément ses jambes. Des bonheurs-du-jour servent parfois également de table de toilette et sont équipés à cet effet d’un tiroir avec tout le nécessaire. De très rares modèles prirent la forme « demi-lune ». Quelques modèles possèdent enfin un corps inférieur à battants. Charles Topino, Bonheur-du-jour, Epoque Louis XVI, © Galerie Pellat de Villedon - Anticstore Les modèles de bonheurs-du-jour s’adaptent aux styles en cours – Transition puis Louis XVI. Ils sont en bois précieux – en acajou sous Louis XVI – plaqués et marquetés d’essences exotiques colorées. Ils présentent des travaux d’ébénisteries de belle qualité, et sont ornés de bronzes délicats. Beaucoup de grands ébénistes de l’époque les réalisent et quelques-uns portent même des signatures prestigieuses : Boudin, Carlin, Riesener, Topino ou encore Weisweiler. Après la révolution de 1789, les aménagements des appartements et le mode de vie changent. Considéré comme un modèle superflu, on en exécute encore quelques copies de modèles à succès mais on ne fabrique plus nouveautés. Quelques ébénistes majeurs de l’époque Roger Vandercruse Lacroix dit RVLC (1727-1799) - maîtrise le 6 février 1755 Parmi les ébénistes de grand talent qui marquèrent le plus la période Transition et contribué à l’évolution du mobilier vers le classicisme, Roger Vandercruse occupe un des tout premiers rangs. D’origine flamande, grand spécialiste du meuble fantaisie, il réalisa une dizaine de tables à gradin tout au long de sa carrière. Sa manière est reconnaissable à sa marqueterie de croisillons et quatre-feuilles dite « à la reine ». Sa première production, à l’époque Louis XV, évolue avec les attributs de l’époque Transition. Il effectue ensuite des modèles Louis XVI d’une grande précision marqué par l’arrivée d’un motif caractéristique, la rosace en hélice. RVLC, Petit secrétaire à gradin, XVIIIème siècle © RMN-Grand Palais (Château de Versailles) Charles Topino (1742-1803) - maîtrise le 4 juillet 1773 Etabli à Paris, ouvrier du faubourg Saint-Antoine, Charles Topino, reconnu en France et à l’étranger, attire une nombreuse clientèle de marchands-merciers et de confrères ébénistes. Considéré comme le premier des petits maîtres, sa production se singularise par des œuvres très personnelles et très reconnaissables, qui appartiennent essentiellement aux styles Transition et Louis XVI. Les marqueteries, décorées de vases, de théières, de tasses, jattes, écritoires et divers ustensiles, ou encore des livres et des cartes à jouer constituent les éléments les plus caractéristiques de ses meubles. Elles s’inspirent le plus souvent des bordures de paravents chinois en laque de Coromandel qui emploient ces mêmes motifs. On les trouve sur des petits meubles Transition, pour lesquels Topino marque une nette prédilection, principalement sur des bonheurs-du-jour et sur des petites tables de salon. Parmi les bonheurs-du-jour, quelques exemplaires se présentent sous la forme classique de plan rectangulaire. Un de ces derniers figure chez le duc de Bedford à Woburn Abbey, mais plusieurs sont également passés en vente. Topino innove également avec des bonheurs-du-jour de forme ovale. Un exemple typique de ce type est aujourd’hui conservé au musée des Arts décoratifs. A côté de ces décors originaux, Topino a enfin pratiqué les marqueteries de fleurs et de paysages. Charles Topino, Bonheur-du-jour aux ustensiles « à la chinoise », vers 1770-1780, Fondation Grandur pour l’Art © Studio Sébert Adam Weisweiler (1744-1820) – maîtrise en 1778 Ebéniste du faubourg Saint-Antoine à Paris, considéré comme l’un des plus grands virtuoses de l’époque Louis XVI, Adam Weisweiler travaille beaucoup pour la cour, par le biais des marchands-merciers, qui lui confient des commandes. Il collabore notamment avec Dominique Daguerre, grand fournisseur de plaques de porcelaine de Sèvres et de Wedgwood pour l’ornementation de nombreux meubles. Sa production illustre le style dit « pompéien ». Elle se compose pour l’essentiel de grandes commodes à vantaux, de secrétaires en cabinet mais aussi de nombreux meubles de petit format : guéridons aux plateaux souvent ornés de plaques de Sèvres, dessertes, consoles, bureaux plats, bonheurs-du-jour et tables à ouvrage. Toutes ses œuvres se distinguent par l’excellence de leur exécution et l’exigence au regard de la qualité des matériaux employés. De nos jours, la majeure partie de ses chefs d’œuvres appartiennent à des musées, principalement anglais ou américains. En France, les musées du Louvre, Cognacq-Jay et Nissim-de-Camondo ainsi que les châteaux de Versailles et de Compiègne conservent de très belles pièces.

(Attention, article au kilomètre!) Voici une petite fiche récapitulative de quelques types de robes de cour portés au XVIIIe. C'est bien entendu très réducteur puisque l'exercice du jeu était d'essayer de dégager de grandes lignes directrices pour essayer de s'y retrouver un peu... Les chiffres renvoient aux illustrations plus bas. Pays Nom Dates Composition Tissus France 1. Grand habit (de cour à la française) Tout le XVIIIe siècle Grand corps baleiné à épaulettes posées horizontalement sur l'épaule, jupe portée sur grands paniers (surtout dans les années 1740-60), queue (traîne), manches ornées de « petits bonhommes”. Le port du corset (de même coupe que le grand corps mais moins baleiné) est accepté lors des relevailles ou si la personne est plus faible physiquement, mais doit être porté avec une pèlerine. Je pense me pencher sur les accessoires dans un article particulier. Brocard, lamé d’or ou d’argent, velours orné de fourrure pour l’hiver, taffetas brodé d’or et d’argent. Le grand habit porté lors de la présentation à la cour est noir orné d’or (dentelle, réseau, etc). Normalement, grand corps, jupe et queue sont de même étoffe et même couleur. Dans les années 1780, les mariages sont autorisés, ainsi que les superpositions d’étoffes pour garnir la jupe et la queue. Les décorations sont essentiellement des broderies et dentelles (métalliques ou pas), des joyaux. Les grands ramages colorés et métalliques sont remplacés par des étoffes plus légères, unies ou à petites rayures et petits motifs sous le règne de Louis XVI. France 2. Robe à la Française Acceptée à partir du dernier tiers du XVIIIe siècle (les années 1770) Sur un corps baleiné et grands paniers. Très ornée (ont dit « parée » à l’époque), les plis du dos se font moins larges à partit des années 1780, les plis sur les hanches ne sont plus de grands plis plats mais des fronces. Portée avec une pièce d'estomac épinglée sur le devant ou des compères (corsage boutonné ou épinglé directement devant). Elle est très ornée, "parée". Tissus plus légers que le brocard : satin de soie en particulier, pékin de soie façonné, gros, taffetas. Malheureusement, ces tissus sont difficiles à trouver aujourd’hui ou très cher. Le satin peut très bien faire l’affaire. Décors de dentelle, ruchés, broderies, gaze, blonde, paillettes et sequins. Beaucoup plus de « fanfreluches » dans la décoration à la fin du siècle. Les couleurs ne sont pas obligatoirement les mêmes pour jupe et manteau. Angleterre 3. Mantua Tout le XVIIIe La mantua dérive du manteau de robe né sous Louis XIV (également appelé mantua en anglais) : sur corps baleiné et grands paniers qui deviennent particulièrement importants dans les années 1740 et demeurent jusqu’à la fin du siècle. Ils ont une forme très carrée (beaucoup plus qu’en France). Le manteau de robe est d’un seul tenant et forme des plis au dos, qui sont cousus sur toute la hauteur du dos. Des petits retroussis sur les côté au dos (cf photos). Manches intégrées au manteau de robe avec manches en raquettes ou engageantes. Pièce d’estomac rapportée épinglée sur le corps baleiné. Brocard, lamé d’or ou d’argent, velours orné de fourrure pour l’hiver, taffetas brodé d’or et d’argent. La fin du siècle privilégie également des étoffes un peu moins lourdes que les brocards (satins, taffetas). Manteau et jupe sont de même étoffe. Russie 4. Robe de cour russe 1780-1800 Corps baleiné ou corset, paniers/cul, jupe et manteau de robe « à la turque » (c’est-à-dire d’un seul tenant des épaules au bas de l’ourlet, sans couture à la taille et dont le devant est coupé en biais) à petites manches (mancherons) laissant passer les manches longues de la soubreveste, des bretelles partant du dos des épaules se croisent et se nouent devant en ceinture. Motifs du manteau souvent rayés et ornés de franges. Toute étoffe de soie (satin, velours, façonné), les lamés d’or ou d’argent. Le motif rayé est particulièrement apprécié. Décoration de franges très fréquentes (au bord des mancherons et sur la coupe en biais du manteau). Décoration de dentelle à l’encolure et au bout des manches. Le manteau peut être dans une étoffe différente du grand corps et de la jupe. Suède 5. Costume de cour suédois 1778- elle est encore portée au XXe siècle, mais la forme a été adapatée L’idée était d’adapter un costume plus adapté au climat. L’inspiration se veut Renaissance française, de l’époque d’Henri IV (n’oublions pas que Louis XVI était comparé au nouvel Henri IV lors de son couronnement et que l’époque était très à la mode). La coupe s’apparente à une robe à la polonaise. Pour avoir plus de détails, je vous conseille d’aller voir le blog d’Elisa Isis’s wardrobe Le blog de Caroline Anno 1776 Des images ici L’article wikipedia en suédois (utilisez un traducteur en ligne !) qui présente des images Les tissus utilisés semblent avoir été fait de satin de soie, de façonnés, de taffetas. Le noir était utilisé pour les événements quotidien, sorte de « petit habit de cour », associé avec une autre couleur en fonction de la personne à laquelle était attachée la femme qui portait la tenue (rouge pour le roi, bleu pour la reine, jaune pour la douairière, il semble également que le rose se portrait). A l’origine la version de gala était rouge vif avec les accessoires blancs mais au final, elle devint blanche avec décors bleus ciel (et l’inverse pour les hommes !). Il n’existe pas de témoignage visuel de cette version (peinture, robe). Il existe une troisième version pour la campagne jaune avec décors bleus. Théoriquement, il semble que toutes les couleurs étaient permises mais seules de versions noires, bleues et grises sont attestés. Les illustrations (cliquez dessus pour agrandir!) 1. Le grand habit à la française: Années 1730, Stiemart, La Reine Marie Leczinska; 1751, Nattier, Marie Josèphe de Saxe, dauphine de France; 1758, Nattier, Madame Adélaïde tenant une partition; Années 1760 Meytens, Marie Amélie de Habsbourg Lorraine. Des brocards colorés, réhaussés d'or et d'argent, les paniers s'élargissent dans les années 1740 (je vais y revenir dans un article spécial), les têtes sont petites et poudrées, décorées de brillants, perles, fleurs et aigrettes. Les devants de corsage sont décorés de broderies ou de bijoux (devants de corsage). Garde robe de la reine Marie Leczinska, printemps 1735. Garde robe de la reine Marie Leczinska, 1736 Garde robe de la reine Marie Leczinska, 1736 1770 Ducreux, La dauphine Marie Antoinette; 1775, Dagoty, La Reine Marie Antoinette; 1775, Drouais, la comtesse d'Artois; années 1770, la Reine Marie Antoinette Dans les années 1770, la coiffure monte en hauteur, les décorations deviennent plus nombreuses mais en même temps de matières plus légères (gaze, mousseline, etc.). Les paniers restent extrêmement larges. Les coiffures sont ornées de hautes plumes d'autruche. Années 1780: la reine Marie Antoinette, Maria Amalia de Habsbourg Lorraine, Frédérique Sophie de Prusse, Marie Antoinette. Charles-Germain de Saint-Aubin, dame en robe de cour de présentation, avec panier garnie en échelle de Jacob. ©Photo Les Arts Décoratifs, Paris Tous droits réservés Les robes restent grosso-modo les mêmes, les coiffures s'abaissent. Echantillon de broderie de grand habit, vers 1780, Victoria & Albert Museum, 1782 Gazette des Atours de Marie Antoinette: les échantillons pour grands habits 1784 Gazette des Atours de Marie Antoinette: les échantillons pour grands habits 1792 Gazette des Atours de Madame Elisabeth: les échantillons pour grands habits 1792 Gazette des Atours de Madame Elisabeth: les échantillons pour grands habits 2. La robe à la française parée ou de cour (les illustrations suivantes ne présentent que des robes portées en France) 1783 La Gallerie des Modes: deux robes à la françaises portées à la cour pendant le voyage de Fontainebleau Charles-Germain de Saint-Aubin: dame en habit de cour 1785. ©Photo Les Arts Décoratifs, on dirait un peu ma robe parée, non? Deux portraits de Madame Adélaïde (par Labille Guiard en 1787 et Hensius en 1788) Robe de cour à la française, 1778, Les Arts décoratifs (bientôt à l'exposition Fashion Forward) Robe à la française parée, le torse est bizarrement mannequinné mais notez les très petits plis du dos. Années 1780. 1780, deux robes de cour à la française très similaires (Kyoto costume Institute à gauche et musée Galliera à droite, elle est en satin de soie cerise). Pour les motifs des tissus, je vous renvoie à l'article de Temps d'Elégance sur le choix des tissus par décennie. 3. Les mantuas, robes de cour au Royaume Uni. Date de tissage: 1734-35 (Spitafields, Angleterre), date de confection: 1735-40, soie brochée, Victoria and Albert Museum. Mantua portée sur paniers ronds. La photo de droite montre que la robe ne devait pas être doublée et la façon dont est formée des "petites ailes" qui forment la queue (traîne). 1740-45, soie brodée de fils colorés et métalliques, Victoria and Albert Museum.La queue du manteau est ici très étroite. Les paniers sont devenus très larges et rectilignes. 1751-53, mantua portée par Ann Fanshawe, la fille de Crisp Gascoyne qui devint Lord Mayor de la ville de Londres en 1753. Museum of London. 1753-55 (tissage), 1755-60 ( confection), mantua en soie tissée de fils métalliques. Victoria and Albert Museum. 1748-50 (tissage), 1760-70 (confection), mantua de soie brochée décorée de "sourcils de hannetons". Sa forme est typique des années 1760. Victoria and Albert Museum. 4. Robe de cour russe 1780-90 Début des années 1790, les filles du tsarévitch Paul Pétrovitch. Milieu des années 1790, les grandes duchesses Alexandra et Eléna Pavlovna. Si vous voulez plus d'informations, je vous renvoie vers l'article que j'ai écrit sur Temps d'Elégance. 5. Le costume national suédois Robe nationale de cour suédoise, porté le 1er janvier 1780 par Sofia Lovisa Brüch (d'après ce que j'ai compris!), Nordiska Museet. Gravures de costume national suédois de 1778 par Jacob Gillberg. Nordiska Museet. Voilà, ce n'est qu'un survol très rapide, bien évidemment à nuancer et à approfondir. J'espère qu'il vous donnera quelques clefs visuelles pour aborder plus facilement de costume de cour féminin du XVIIIe siècle. Bibliographie supplémentaire: Fastes de cour et cérémonies royales, catalogue d'exposition, éditions RMN, 2009 Se vêtir à la cour en Europe, actes du colloque, 2011. Disponible ici gratuitement. Pour paraître à la cour : les habits de Marie-Fortunée d’Este, princesse de Conti (1731-1803) par Aurélie Chatenet-Calyste N'hésitez pas à commenter et à partager, en citant l'origine de l'article. :-)

Grande Robe Francoise reprise à la Cour au voyage de Fountainbleau en 1783.

La Virtuose sensible en robe à l'Anglaise bordée à la Marlbrough et chapeau au demi-Ballon, ne s'occupant du solo qu'elle exécute que dans l'attente d'un charmant duo.