En la segunda mitad del siglo V a.C., un grupo excepcional de artistas transformó, bajo la dirección de Fidias, una colina rocosa en un extraordinario conjunto arquitectónico y artístico: La Acrópolis de Atenas ( la más conocida de las acrópolis griegas ). Es una meseta caliza de 270 metros de largo y 85 de ancho, situada a 156 metros sobre el nivel del mar. Su nombre significa, evidentemente, "parte alta de la ciudad". Allí fueron hallados la mayoría de Kuros. --------- Un kuros (plural kuroi ) ( transcrito a veces erróneamente como en inglés kouros) es una estatua de un varón joven, fechada a partir del Periodo Arcaico del arte griego ( sobre 650 al 500 a. C.). Es un tipo de escultura que imperó durante los siglos VIII–VI a. C. El equivalente femenino son las korai (singular koré). Los primeros kuroi estaban hechos de madera y no se han conservado, pero hacia el siglo VII a. C. los griegos comenzaron a tallar la piedra con herramientas de hierro y empezaron a tallar kuroi de piedra, en particular de mármol de las islas de Paros y Samos En griego antiguo la palabra kuros significaba ‘hombre joven’ y fue usada por Homero para referirse a los soldados jóvenes. Desde el siglo V a. C. la palabra aludía específicamente a un adolescente u hombre imberbe, pero no a un niño. Los modernos historiadores del arte han usado la palabra para referirse a este tipo específico de estatua masculina desnuda desde los años 1890. Se caracterizan por un tratamiento de la anatomía corporal, en el que zonas como el cabello o la musculatura se disponen como figuras geométricas o en torno a ejes, verticales y horizontales, que definen partes simétricas. En general, se distinguen por un tórax excesivamente abombado y un abdomen muy reducido, lo que resulta desproporcionado. La representación de la rodilla se solventa dándole forma de trapecio invertido. El cabello se geometriza y otros rasgos característicos son los ojos almendrados y labios cerrados o, a lo sumo, el labio superior levantado, intentando una sonrisa mecánica que se denomina «sonrisa arcaica». Este tipo de escultura está pensada para ser vista de frente siguiendo el modelo egipcio y acusa el principio de simetría. Hasta la época clásica no comenzaron a realizarse esculturas para ser miradas desde cualquier punto de vista. Sin embargo, algunas de las esculturas clásicas seguían contando con esta característica ya que se esculpían para estar situadas en nichos o ábsides. La obra se disponía siempre siguiendo determinados convencionalismos. Se situaban los brazos pegados a lo largo del cuerpo con los puños cerrados y una pierna algo adelantada aunque plantada en el suelo en un tímido intento de reflejar el movimiento. Las figuras no aparecen mostrando sentimiento alguno, esgrimiendo únicamente la típica «sonrisa arcaica» anacrónica, que parece tener objetivos formales de reforzamiento de la boca. Esto es debido a que el objetivo de la escultura era transmitir la sensación de fortaleza y plenitud física del joven triunfador. Kuros de Samos es el más grande creado en el siglo VI a.C. por un artista de Samos. En septiembre de 1980, un equipo de arqueólogos descubrió esta estatua de mármol durante una rutinaria excavación topográfica en el sagrado Camino en el Heraion. El Kouros mide casi 5,5 metros de altura y su cuerpo esta mayormente intacto. Su cabeza permaneció desaparecida hasta el otoño de 1984, cuando fue encontrado y se unió al resto del cuerpo. El Kouros se ubica actualmente en el Museo Arqueológico de Samos. Kuros de Aristodikos - a.C 500 - La escultura fue hallada en el año 1944, en la zona de Mesogeia, cerca del Monte Olimpo en la prefectura de Ática, (Grecia). alt. 1,95 - mármol de Paros Kuros de Tenea, también llamado Apolo de Tenea, es una escultura tipo kuros que data del año 575 - 550 a. C. y que fue esculpida por algún artista de los talleres de Corinto, ciudad de la Antigua Grecia. La escultura fue hallada en el año 1846, en el antiguo cementerio de Tenea, (griego:Τενέα), antigua ciudad del noreste del Peloponeso, Grecia, a unos 15 kilómetros de Corinto. Mármol - 153 cm. alt. Kuros de Anafi es una escultura tipo kuros que data del año 500 a. C. - 490 a. C. y que fue esculpida en la zona de las Cícladas, durante la Antigua Grecia. La escultura se cree que procede de Anafi, (griego: Ανάφη), una isla griega en las Cícladas. Mármol - 101 cm. alt. Kuros de Milán - 530 a.C. Kuros de jinete - Museo de Atenas Kuroi Kleobis y Biton son los nombres de dos hermanos humanos en la mitología griega. También es el nombre dado a un par de estatuas griegas arcaicas que están ahora en el Museo Arqueológico de Delfos, en Grecia. Las estatuas datan de aproximadamente 580 a.C. y provienen de Argos en el Peloponeso, aunque se encontraron en Delfos. Kuros Efebo de Agrigento Kuros colección Getty, Se duda de la autenticidad de kouros Getty, que tiene un origen falsificado y muestra una sospechosa similitud con el kouros Kroisos Kuros de Kroisos es un mármol de Anavyssos en Attica que funcionaba como una lápida para un joven guerrero caído llamado Kroîsos. La escultura con la "sonrisa arcaica" levemente en la cara. La escultura está fechada a c. 540–515 a.C. y de 1,95 metros de altura. Ahora se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas. La inscripción en la base de la estatua pone: ΣΤΕ̑ΘΙ ∶ ΚΑῚ ΟἼΚΤΙΡΟΝ ∶ ΚΡΟΊΣΟ ΠΑΡᾺ ΣΕ̑ΜΑ ΘΑΝΌΝΤΟΣ ∶ / ℎΌΝ ΠΟΤ ' ἘΝῚ ΠΡΟΜΆΧΟΙΣ ∶ ὌΛΕΣΕ ΘΟ̑ΡΟΣ ∶ ἌΡΕΣ. posibles traducciones o interpretaciones: "Parar y mostrar compasión al lado del marcador de Kroisos, difunto, el cual, cuando se encontraba en las primeras filas, furioso Ares destruido ". ………………….. "Permanece triste, en pie junto a la estela del fallecido Kroisos, luchador de primera línea, a quien el tempestuoso Ares ha arrebatado". ……………………….. “Párate ante esta tumba y apiádate de Kroisos, muerto en primera línea de combate por el impetuoso Ares”. ------------ Dentro del tipo kuros de encuentran los kriosphoros, en la cultura de la Grecia Antigua, kriophoros (en griego κριοφόρος) o criophorus, el "porta-carnero," es una figura que conmemora el solemne sacrificio de un carnero. El Kriosphoro Moscóforo ( o portador del ternero, Μοσχοφόρος ), es una escultura tipo kuros que data del año 570 a. C. y que fue esculpida por algún artista de los talleres de Ática, región de la Antigua Grecia, estando considerada como una de las obras maestras del Período arcaico de Grecia. La escultura fue hallada en entre las ruinas de la Acrópolis de Atenas. En el momento de su descubrimiento entre las ruinas de la Acrópolis de Atenas en 1866 La pieza representa a un kuros ( una estatua de un varón joven, fechada a partir del Periodo Arcaico del arte griego (sobre 650 al 500 a. C.). Es un tipo de escultura que imperó durante los siglos VIII - VI a. C. El equivalente femenino son las korai (singular koré). Muestra la característica sonrisa arcaica. La escultura se considera un exvoto, y fue una ofrenda dedicada por Rhombos, hijo de Pales, a Atenea o Atena diosa de la sabiduría, la estrategia y la guerra justa. Fue considerada una mentora de héroes y adorada desde tiempos remotos como patrona de Atenas, donde se construyó el Partenón para rendirle culto. La pieza se expone de forma permanente en el Museo de la Acrópolis de Atenas, (Grecia). Autor: Anónimo, (talleres de Ática). - Estilo: Período arcaico de Grecia. - Material: Mármol del Monte Himeto, con incrustaciones de piedra en los ojos. - Altura: 1,65 metros. - Inscripción en su base donde se dice que está dedicado por Rombos, hijo de Pales. El dios Hermes como Kriophoros

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Introducción a los escultores griegos más influyentes que revolucionaron el arte de la Antigua Grecia con ejemplos e imágenes de sus obras maestras.

Las esculturas griegas son un testimonio excepcional del arte y la cultura de la antigua Grecia. Conocidas por su proporción, realismo y atención al detalle,

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la historia más bonita de la mitología griega es la que une Eros (amor) y Psique (alma) aquí te la contamos narrada para niños

Fidias (Atenas hacia el 490 a. C.-Olimpia hacia el 430 a. C.) es el autor que introduce el pleno clasicismo en la escultura ateniense del siglo V a. Cto. Sus obras más importantes se encuentran en la Acrópolis de Atenas, tanto los relieves como las esculturas de bulto redondo. "Amazona", (450 a. Cto., Museo Capitolino, Roma) realizó una amazona en bronce, de la que nos ha llegado copia romana en mármol, y que fue realizada para un concurso organizado en Éfeso para decorara el Artemisión y que ganó Policleto. Veremos cómo la mayoría de los escultores del siglo V a. Cto. tienen un ejemplar de amazona. Trata los paños de forma más realista que los preclásicos. "Atenea Lemnia", escultura de bronce, nos ha llegado la copia romana en mármol. Fue encargada a Fidias por los habitantes de la Isla de Lemnos. Es muy realista. "Zeus Olímpico", para decorar el templo de Zeus en Olimpia. tenía 12 metros de altura y era de oro y marfil. Nos ha llegado copia romana. "Atenea Promacos", escultura de bulto redondo, tenía 15 metros de altura, estaba realizada en bronce y decoraba la explanada exterior de la Acrópolis. Nos ha llegado la copia romana en mármol. "Atenea Parthenos", escultura de bulto redondo de grandes proporciones que se encontraba en la naos del Partenón. Realizada en bronce y oro, solo nos ha llegado alguna copia de tamaño reducido. La original medía 12 metros de altura. Su obra más importante son los relieves del Partenón en la Acrópolis de Atenas, hoy casi todos en el British Museum de Londres. Frontón Oeste del Partenón: "Lucha de Atenea y Poseidón", lucha de los dioses por dominar el Ática, región en la que se encuentra Atenas. Son esculturas de bulto redondo en dos grupos, uno formado por Atenea y otro por Poseidón y sus respectivos acompañantes. En este caso no hay una figura en el eje del frontón como era normal en la distribución griega. Frontón Este del Partenón: "Nacimiento de Atenea", que surge de la cabeza de su padre, Zeus. Tampoco hay figura en el eje central. Aparecen las Parcas en las que Fidias aplica la técnica de paños mojados al tratar los peplos. Decoración de metopas del Partenón, en total son 92 metopas que se reparten en 14 frontales y 32 en cada lateral, cada fachada tiene una temática: El lado este muestra "La Lucha de los gigantes" o "Gigantomaquia", al oeste la "Amazonomaquia", en el norte "La lucha contra los troyanos" y en el sur la "Lucha contra los centauros" o "Centauromaquia". Es de este lado sur de donde quedan mejores ejemplos. Fidias aprovecha bien el espacio, que es limitado, e introduce lo que se conoce como RELIEVE ÁTICO, en el que se combinan alto-medio-bajorrelieve para intentar dar perspectiva y que luego veremos influir en los escultores renacentistas italianos como Miguel Ángel. El altorrelieve parece más una escultura pegada a la metopa. No hay ambientación y la temática de una no es continuación de la anterior, no hay una narración continua. Estudia el desnudo en profundidad y hay mucho movimiento sin llegar al barroquismo. Metopas del lado sur (Partenón y British Nuseum): Decoración de los Frisos del muro de la Cella del Partenón: "La Procesión de las Panateneas", sigue un estilo típico de la decoración jónica, ya que este friso es típico de los templos de este orden. Llevan el peplo típico de Atenas. El relieve es Ático, sin ambientación. Representa la escena alrededor de todo el muro del templo y en bajorrelieve (no sobresale del muro sino que se imbuye en él). En la procesión aparece también el pueblo de Atenas que lleva sus ofrendas, mezclándose con animales. Al final un grupo de dioses observa la entrega de estas ofrendas. Otras obras: "Apolo de Kassel", que influirá en el estilo desarrollado posteriormente, se acerca mucho a la manera de esculpir de Policleto. "Zeus" Fotos del Partenon tomadas de: http://www.mlahanas.de/Greeks/LX/SouthMetope3ParthenonBM.html

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Roma se desinteresó durante mucho tiempo por el desarrollo de las artes plásticas. El espíritu positivo de los romanos y las guerras interminables contra sus vecinos contribuyeron a prolongar esta indiferencia durante los primeros siglos de su historia. El ciudadano romano, soldado y político, encontraba en el arte una actividad indigna de él que le distraía de los deberes civiles y que iba en contra de los valores austeros romanos. No es de extrañar, por tanto, que las imágenes que podían contemplarse en Roma fueran obra de etruscos y griegos. Sala del museo Capitolino, Roma. Eclecticismo romano. Desde el siglo II a. C., sin embargo, justo cuando Roma poseyó la Magna Grecia, la Hélade y los antiguos reinos de los Diadocos, nació entre las clases privilegiadas la fascinación por este arte y la estatuaria propiamente romana. Los generales vencedores se apoderaron de numerosas estatuas de valor, que se apresuraron a mandar a Roma como botín de guerra. Las esculturas, expuestas en el foro como trofeos, cambiaron de significado y se convirtieron en el testimonio del poder de Roma y empezaron a apreciarlas. A continuación llegaron en masa a la capital los artistas griegos y los romanos ricos, "cautivados" ya por el gusto griego, les encargaron innumerables réplicas de obras maestras griegas y retratos de sus antepasados. Roma se convirtió en la continuadora de la escultura helenística. En la siguiente presentación puedes ver algunas de las obras más notables en bulto redondo que realizaron. Escultura Romana I. Bulto redondo. from Alfredo García Rasgos propios de la escultura romana. Pese a la invasión de la escultura griega ésta no ahogó la profundas tendencias del temperamento romano, heredadas de su ascendencia etrusco-itálica, puesto que: El trabajo de la arcilla no se abandonó. No se puso como finalidad representar la belleza y la armonía del cuerpo. El estudio del cuerpo tentó poco al artista romano y, en cambio, se complació en convertir los pliegues pesados de la toga en felices efectos decorativos. Expresivo detalle de los símbolos imperiales y de paludamento o manto en la cintura del Augusto de Prima Porta. Les interesó el realismo en el retrato. No sólo procuraron captar los minuciosos detalles realistas e individuales, sino también la voluntad moral de aquellos que hicieron el Imperio. La estuatua de culto tuvo menos importancia que en la Hélade. La mitología propiamente romana era pobre, y los romanos pasaron mucho tiempo sin hacer imágenes de sus dioses. Con la introducción de divinades extranjeras y la imitación del arte griego se desarrolló una estatuaria religiosa, pero poco original. El relieve, en cambio, fue su medio preferido porque vieron en él las posibilidades propagandísticas. Sustituyeron las narraciones de los héroes y de los dioses de los griegos por la gloriosa historia de la Urbs. El retrato funerario. El retrato privado. El retrato en Roma surgió del culto que se daba a los antepasados y a las glorias familiares. La costumbre etrusca de guardar en los atrios de las domus las mascarillas de cera que perpetuaban los rasgos de sus antepasados(imagines maiorum), permitió a las familias romanas pasarlos a la piedra en el momento que hubo artístas capacitados técnicamente. Algunos de estos retratos del siglo I a. C. impresionan porque reflejan con patetismo los rasgos físicos particulares de cada persona, pero también los de la muerte puesto que las mascarillas se hacían sobre los cadávares: ojos y mejillas hundidos, nariz afilada y pómulos sobresalientes. El retrato funerario se extenderá a los provincias. En el Museo Romano de Mérida tenemos excelentes ejemplos masculinos y femeninos del primer siglo de nuestra era, que nos muestran a personajes muy reales. El retrato político. Del retrato republicano al retrato imperial. La retratística romana era al principio esencialmente privada, mientras la griega solía representar a personajes famosos y tenía un carácter honorífico. Sin embargo, hacia el final de la República se desarrolló el retrato de carácter público, que luego proliferó en el Imperio. Los personajes que disputan las guerras civiles de este últimos siglo deben hacer propaganda de su persona ante sus seguidores en distintos lugares del Mediterráneo y la efigie cobra una gran importancia en el culto a la personalidad. Sila, Mario, Julio César, Pompeyo, Craso, Cicerón y un largo etcétera de prohombres de Roma serán llevados a piedra o a bronce en estos momentos. Los rostros de los primros hombres de Roma no ocultan sus arrugas, ni su obesidad o su calvicie. Pompeyo y Julio César. Durante la época de Augusto hubo un resurgimiento de los ideales clásicos griegos en la escultura oficial y se abandonaron los austeros retratos del período republicano. La imagen del primer emperador sirve de modelo o prototipo a la de soberanos posteriores. El Augusto de Prima Porta, copia en mármol de un original en bronce, guarda cierto paralelismo con el Doríforo de Policleto, sobre todo en el gesto. Si el Doríforo representa una belleza idealizada, la cabeza de Augusto refelja sus propios rasgos individuales, aunque embellecidos. Su expresión es serena y contenida. Su pose muestra una aire digno. El conjunto presenta una postura más dinámica que el Doríforo, que transmite una sensación de mayor reposo. Es la imagen de un gobernante lleno de naturalidad y dignidad, con autoridad pero sin prepotencia. Augusto de Prima Porta. Augusto es representado arengando a sus tropas con una coraza (thoracata). Los relieves de la armadura ilustran las conquistas de la Galia y de Hispania y todo su programa político, con reminiscencias del Ara Pacis. En la estatua original en bronce, Augusto llevaba el calzado propio de un jefe de ejército. Así pues, es de suponer que esta copia en mármol sea póstuma, ya que los pies desnudos son prerrogativa de los mortales deificados. El delfín y el Cupido que está encima de él actúan de soporte y hace referencia al origen divino de la familia Julia.Otro modelo repetido será el de Augusto como Pontifex Maximus (con el manto sobre la cabeza). En otros emperadores del siglo I podemos ver la continuidad de modelos como el de pretor con el rollo de la ley en la mano y en pie o sedente sobre la silla curul (Tiberio); el semidesnudo como dios Júpiter (Claudio); o el ecuestre (Marco Aurelio). Los únicos cambios evolutivos se manifiestan en los rasgos que con el tiempo volverán al realismo. También se apreciará la evolución en el peinado que, sobre todo, se rizará en el siglo II y III, alcanzando su complicación máxima en el retrato femenino. Marco Aurelio ecuestre. S. II, bronce. Desde el siglo III comienza la decadencia de la plástica romana que se acentúa y multiplica en el Bajo Imperio. Las representaciones e hacen gigantes, pero pierden calidad y sobre todo ganan en esquematismo y en hieratismo, lo que entroncará con el arte bizantino. Restos de la estatua colosal de Constantino, s. IV d. C. ----- El relieve decorativo e histórico en esta página.

La escultura griega recibe influencias de la escultura cretense y micénica, de Egipto y de las culturas de Próximo Oriente. Influirá: en Etruria. - Es importante tanto el relieve como la escultura exenta. - En un principio tiene carácter religioso, pero evolucionará hacia temas profanos. - Da gran importancia a la naturaleza. - Evoluciona desde esquemas geométricos hacia un realismo matizado. - Utilizan piedra y mármol, y suelen policromar las esculturas con colores vivos. Heredan de época geométrica la utilización de la madera. - Ya en época preclásica comienzan a utilizar el bronce. TÉCNICA de "La Cera Perdida": Cuando se trata de escultura de bronce hueca. Realizan una figura de arcilla en forma de molde, esta se cubre de cera y por último se coloca una capa de barro en la que se realizan agujeros para meter el bronce candente que derrite la capa de cera y toma su lugar. La cera sale por el otro agujero realizado. Los agujeros se suelen situar en los ojos, que luego se cubrirán con piedras. ESCULTURA ARCAICA GRIEGA - La figura del hombre aparece en la mayoría de los casos desnuda. La mujer aparece cubierta por el Peplo, que era la vestimenta típica femenina. Lo que demuestra un mayor interés por el estudio de la anatomía masculina. - La escultura de esta época era frontal, rígida, hierática. Normalmente aparecen de pie, con una pierna adelantada y los brazos en paralelo al cuerpo o en actitud oferente. Marcan mucho los ojos y tienen una misteriosa sonrisa que más tarde influirá en el arte Etrusco. - Las figuras femeninas reciben el nombre de KORÉ o KORAY, y las figuras masculinas el de KOUROS o KUROY, y aparecen a partir del siglo VI a. Cto. EJEMPLOS: "La dama de Auxerre" (Museo del Louvre de París, c. 630-600 a. C.): Rígida, hierática, sigue la ley de la frontalidad únicamente rota por la mano. Ojos almendrados, frente saliente, pelo con tirabuzones siguiendo la moda marcada por Creta. Hombros anchos y cintura muy marcada, también de influencia cretense. Las manos y los pies son desproporcionados. "La Hera de Samos" (Museo del Louvre de París, c. 575-550 a. C.) Estatua procedente de Samos dedicada por Ceramies. Más evolucionada que la anterior, apareció sin cabeza y su peplo está más trabajado. “La Koré del Peplo" (Museo de la Acrópolis de Atenas, 530-520 a. C.) Como la mayoría de las Koré aparece oferente. Trabajo evolucionado del cabello, un brazo va paralelo al cuerpo y con el otro extiende la ofrenda. "Kouros de Anabyssos", (Museo Nacional de Atenas, 540-515 a. C.) Es un Kouros desnudo, con los brazos en paralelo al cuerpo. Tiene cierta conexión con la escultura egipcia por la postura hierática, el pie adelantado... Hay mucha idealización y marca mucho las distintas partes del cuerpo. "Frontón del Templo de Artemisa" (corfú). Gorgona del frontón del templo arcaico en Corcira (Corfú), c. 600-580 a. C. "La esfinge alada" del siglo VII o VI a. Cto. Influencia oriental, estaba situada en el frontón del "Templo de Artemisa" en Korfú. "La Malcarada" (Museo de la Acrópolis, Atenas) del siglo VI a. Cto. Se acerca mucho a lo que será el tratamiento clásico. Los ojos no son tan almendrados y la boca sobresale más. "El efebo rubio" (Museo de la Acrópolis de Atenas, c. 490-480 a. C.) Evoluciona en el tratamiento del rostro. Su cabello es más naturalista, pero aún no es perfecto. “El Moscóforo” (Museo de la Acrópolis de Atenas, 575-550 a. C.) o "portador del ternero". Representa a un personaje llamado Rombo en actitud de llevar en ofrenda el animal a Atenea. “El Jinete Rampín”, (575-550 a. C., Museo del Louvre de Paris (cabeza) y Museo de la Acrópolis de Atenas (tronco)). “Critios joven” (Museo Nacional de Atenas, 490-480 a. C.)

La antigua Grecia es una de las civilizaciones que mayor influencia y trascendencia ha tenido en la historia de Europa occidental.