bue hice la historia mientras me sentía rre lokito, pero ojalá y sea de su agrado ese FIC o historia, es sobre el ship de Oliver y Abbie como dice en el título, ni creo que vayan a ver esta historia ¡¡¡¡AVISO DE QUE ESTA HISTORIA TOCARÁ TEMAS TANTO SENSIBLES COMO FUERTES Y TAMBIÉN SOBRE PROBLEMAS!!!! es responsabilidad tuya si quieres o no leerla... estaré empezando de una forma no tan amigable la historia... no me funen 💔

The violet ink has connotations of modesty and humility, and the anemones on the bureau signify abandonment and a fleeting love. The central figure pulls distractedly at her necklace, scattering its beads, as the hand of an unseen figure pulls the door shut behind them, suggesting the end of a passionate love affair. [Christie’s, London - Pencil and watercolour heightened with body colour and gum arabic on paper laid on a Lambert & Co. board, 52.7 x 35.5 cm]

Imagina que tratas de transmitir tanta ternura y delicadeza a través del VELO con uno de los materiales mas duros de la tierra, el MARMOL. El mármol. Tecnicamente, el mármol es una piedra de origen calizo (calcita), cuyo componente principal es el carbonato de calcio vitrio-cristalizado, formado por un largo proceso geológico que lo hace muy compacto. Una piedra fría y sumamente dura que los artistas escultores han logrado moldear en verdaderas obras de arte. "El David" o "La Piedad" de Miguel Angel son obras ampliamente reconocidas y esculpidas en mármol, si bien las siguientes obras no son de artistas tan reconocidos podemos encontrar que visualmente impactan al notar que el VELO que les cubre no es de un material distinto a la misma piedra de lo que está hecha el resto de la escultura.. "La Virgen con VELO" con el efecto de transparencia, fué esculpida en el siglo XIX, por el Italiano GIOVANNI STRAZZA, es una escultura realizada en mármol de Carrara y fué tallada en Roma. Representa el busto de una Santísima VirgenMaría cubriendo su rostro con un delicado VELO. La didicultad de modelar un VELO sobre un rostro en un material que está entre los más duros, el mármol, se le agrega otra dificultad y es que el mármol no permite adición. Es una escultura hecha al 100% por sustracción. Por eso es que dicen que para esculpir una figura, tomas el bloque y " simplemente remueves todo lo que a la figura le sobra"...lo recuerdas?. El nacionalismo Italiano estaba instaurado a mitad del siglo XIX. LA VIRGEN CON VELO de STRAZZA ( 1818- 1875) es un buen ejemplo del Movimiento Nacionalista del Arte Italiano llamado Risorgimiento. La imagen de la mujer con velo estaba destinada a simbolizar Italia como Britannia simboliza a Inglaterra, Hibernia simboliza a Irlanda, y la Libertad simboliza a Estados Unidos. Pietro Rossi y Monti Raffaelle fueron los contemporáneos Italianos más importantes de STRAZZA que también esculpieron mujeres con VELOS. La Virgen con Velo, tallada en una sola pieza, el autor consiguió hacer casi traslucido el mármol, llevando a este a un elevado nivel de dificultad al esculpir esta escultura sin quebrarlo. Existen grandes esculturas que forman bellísimos VELOS de mármol.

Entre las obras del Renacimiento más representativas se encuentran La Gioconda de Leonardo da Vinci, El Nacimiento de Venus de Botticelli o La transfiguración de Rafael, pero son muchas más las maravillas que nacieron en esta etapa tan prolífica artísticamente.

Albert Samuel Anker [Swiss painter 1831-1910] Ancher been called the "national painter" of Switzerland because of his enduringly popular depictions of 19th-century Swiss village life. Biography: da.wikipedia.org/wiki/Michael_Ancher Oil on canvas Kunstmuseum Bern, Germany: www.kunstmuseumbern.ch/en/service/media/images-more-2010/... ___ Image compilation by plumleaves

Artist Hope Gangloff captures the personalities of her friends and family in brightly colored large-scale portraits. Gangloff’s acrylic and collage paintings show her subjects in intimate settings—often domestic interiors—in poses of relaxation or quiet focus. The artist’s strong but gestural lines create defined shapes that are filled with repetitive marks and bright patterns. Gangloff gives equal textural attention to all areas of the painting, which draws the viewer’s eye to every detail and also contextualizes each portrait sitter in a unique set of surroundings. More

En tiempos de incertidumbre y angustia, nada mejor que poder disfrutar de imágenes hermosas

Ref. http://www.wikipaintings.org/es

Inspirado en uno de los episodios más importantes en la historia de la literatura inglesa, el pintor británico John Everett Millais...

El trabajo remoto se está volviendo cada vez más común para muchos profesionistas y las plataformas de video conferencias como Zoom nos permiten conectarnos a la oficina desde la comodidad de nuestras casa y hasta nos dan la opción de agregar un fondo virtual para darle a nuestra llamada un toque

Visita la entrada para saber más.

Para mí el mejor artista bélico del momento,Augusto Ferrer Dalmau es un pintor español espectacular, sus obras en especial sobre los temidos tercios españoles y las guerras carlistas todo un espectáculo visual de nuestro arti

Last month I caught the Encounter: Drawings from Leonardo to Rembrandt exhibition, held at the National Portrait Gallery.

It’s the first full week of Lent, when the fervor of Ash Wednesday starts to die down and we wonder what we really signed ourselves up for. As I mentioned in an earlier post, I’m eating like St. Hildegard this Lent. I know many of you are wondering what that exactly means, and maybe some...

Hans Holbein the Younger, (born 1497/98, Augsburg, Bishopric of Augsburg [Germany] - died 1543, London, England), German painter ⎆, draftsman, and designer, renowned for the precise rendering of his drawings and the compelling realism of his portraits, particularly those recording the court of King Henry VIII of England.

Artist Kim English Omaha, Nebraska, 1957

Schlumpfine (original französischer Name Schtroumpfette) ist eine der Hauptfiguren in der Schlümpfe Comic-Serie und der Schlümpfe Zeichentrickserie. Sie ist für lange Zeit der einzige weibliche Schlumpf im Dorf, bis Sasette hinzukommt. Ursprünglich wurde sie vom bösen Zauberer Gargamel geschaffen, um Unruhe unter die Schlümpfe zu bringen. Zu diesem Zeitpunkt hatte sie kurze, struppige, schwarze Haare und eine große Nase. Erst Papa Schlumpf verwandelte sie in die hübsche Schlumpfine, die wir heut

Two superb series of paintings of scenes from Goethe’s Faust Part One, by Ary Scheffer and James Tissot.

“Newcomers #realism #belsky”

Lawrence Alma-Tadema (1836-1912) fue uno de los pintores de mayor renombre de Gran Bretaña a finales del siglo XIX. Se especializó en la representación de la Antigüedad Clásica, aunque también trabajó otros temas históricos y el retrato. Las claves de su éxito fueron su técnica primorosa, un colorido atractivo y un realismo arqueológico que conectaba íntimamente con el espíritu de los coleccionistas de arte victorianos. El triunfo de las vanguardias y la Primera Guerra Mundial vino a sentenciar el fin del régimen liberal elitista y con él su arte que cayó en desgracia. Desde finales del siglo XX ha vuelto a ser rescatado del olvido y puesto en valor. Mujeres de Anfisa, 1887. Detalle. Analicemos su obra en dos artículos. En este primero veremos su formación y sus primeros años como pintor en Bélgica (1836-1870). Este power point puede ser un buen resumen de este periodo. Si queréis disfrutar con la pintura de esta primera etapa desplegarla a pantalla completa Lawrence Alma-Tadema (i). Formación e inicios en Bélgica (de 1836 a 1870). from Alfredo García En un segundo artículo analizaré su etapa de madurez y éxito en Gran Bretaña (1870-1912). Datos biográficos y primeros años (1836-1865) Infancia. Nació en un pueblecito cercano a Leeuwarden (Holanda) en el que, a diferencia de otras localidades renombradas de este país, no había mucha tradición pictórica. Tampoco en la familia recibió el aliento pictórico; todo lo contrario, al joven Alma se le empujaba a que estudiara notaría como su padre. Sin embargo, él mostró un interés innato y autodidacta por la pintura. Formación en Amberes. La familia tuvo que ceder. En 1852, con 16 años, marchará a estudiar a la Real Academia de Amberes (Bélgica) durante cuatro años (1852-56). Su formación en esta ciudad, la de Rubens y Van Dyck, será clave para impregnarse de la pintura flamenca de todos los tiempos, pero también para recibir clases de Dyckmanns y de Louis (Lodewijk) Jan de Taeye, los dos maestros de la Institución que más le aportarán: - Dyckmanns le formó técnicamente como pintor en un estilo entre el romanticismo belga y el neoclasicismo de David. Cuadros detallados de pincelada suave con la que se consigue un acabado aporcelanado y colores armoniosos y cálidos. - Taeye, profesor de la Academia de historia y de traje histórico, influyó en la elección de los temas históricos y en la preocupación por contextualizarlos de forma precisa o arqueológica. A él también se debe el gusto por el subgénero costumbrista amoroso. Fausto y Margarita, 1857. Ejemplo de cuadro romántico de inspiración literaria, que se hacía en la Academia. Trabajos bajo el taller de otros. Durante los primeros años al salir de la Academia trabajará como ayudante de sus maestros. El hecho de no poseer taller propio y todavía estar en formación de un estilo le llevará a fluctuar temática y técnicamente. Cuando trabajó para Dyckmanns ambientó sus cuadros en los siglos XVI y XVII y en temas literarios del romanticismo alemán. La declaración de amor (1856) es un anticipo de escenas amorosas que más tarde ambientará en época clásica. Fausto y Margarita (1857) toma como referencia el Fausto de Goethe. Con Taeye, que era un apasionado de la Historia de Francia y de Bélgica, fue animado a basarse en la Alta Edad Media de los francos. Tomó como referencia para ello los textos de Thierry Augustin, Relatos de los tiempos de los merovingios (1840) y de Gregorio de Tours, Historia de los francos (590). A este impulso debemos los cuadros que le dieron su primera fama desde 1858 y en la década siguiente (Clotilde en la tumba de sus nietos, 1858). A la influencia de Taeye también se debe los primeros cuadros de historia de Egipto (La muerte de Cleopatra, 1858-9, obra destruida) y de Roma (Mario en las ruinas de Cartago, 1858, acuarela). En toda esta obra inicial había mucho de truculento (destrucción, muerte) que, sin ninguna duda, hay que atribuir a sus maestros, puesto que es algo que no encaja en el talante positivo y alegre de Tadema y que desaparecerá de su producción posterior. La educación de los hijos de Clodoveo,1861. Su primer cuadro de éxito. En 1858 dejo el taller de Taeye e ingresó en el de Hendrik Leys que terminó de instruirle y le promocionó en los círculos pictóricos. La educación de los hijos de Clodoveo (1861) fue la primera obra importante enteramente pintada bajo su dirección. La escena muestra el entrenamiento con la hachas de unos niños educados para vengar la muerte de su padre. La crítica que recibió de su maestro acerca de que los mármoles de la columna le habían recordado a un queso, le hicieron reaccionar tomando como determinación especializarse en pintar este material. Aún así, esta obra fue el espaldarazo a su carrera ya que causó sensación en la exposición de Bellas Artes de Bélgica, siendo comprada por el rey Leopoldo por 1600 francos. El éxito le permitió independizarse, montar estudio propio y casarse en 1863. La luna de miel la pasó en Italia. Esta primera visita fue de enorme importancia para su carrera pictórica puesto que marcó el comienzo de la inspiración clásica que hizo famoso a Alma-Tadema. Inicialmente pensaba estudiar allí el arte bizantino de la zona, pero fue cautivado por las ruinas de Roma y de las avanzadas excavaciones de Pompeya. Interior de la Iglesia de San Clemente en Roma, 1863. Este cuadro nos indica la determinación con la que fue de viaje de novios a Italia: para seguir aprendiendo y para conocer mejor el periodo alto medieval. De regreso a Amberes, visitó por primera vez París, donde se celebraba la Exposición Universal y tenía expuesta su obra Pasatiempos en el Antiguo Egipto (1863). Este cuadro causó sensación y ganó con él la medalla de oro del certamen. Napoleón III le ofreció 3.000 francos por el óleo, pero el artista declinó la oferta, y lo valoró en 4.000, lo que nos indica que el artista ya se sentía seguro de su triunfo. La medalla del Salón le permitió además codearse con muchos pintores parisinos consagrados, entre ellos, Jean Léon Gérôme, con el que le unen muchos lazos estilísticos. Pasatiempos en el Antiguo Egipto, 1863. El cuadro La reina Fredegonda junto al lecho de muerte del obispo Praetextatus (1864), fue uno de los últimos cuadros de la historia merovingia que pinto Alma-Tadema. Ese año 1864 fue también clave porque conoció al marchante inglés Ernest Gambart, que será quien impulsará su carrera y le abrirá a los mercados internacionales. Gambart se aseguró la exclusividad del prometedor pintor encargándole veinticuatro cuadros a 80 libras cada uno. Los jugadores de ajedrez egipcio (1865) fue el primero de los encargos terminado. Bruselas (1865-1870) Alma-Tadema se siente económicamente seguro con el dinero que ingresa por el contrato con Gambart, por lo que en 1865 decide trasladar su taller a Bruselas, donde el ambiente cultural era más propicio para su carrera. También tomó la decisión de centrarse en un tipo de cuadros que definan su estilo: - Temáticamente. Escenas de verosimilitud arqueológica que representan dos tipos de composiciones. Las más simples, son figuras femeninas de cuerpo entero en primer plano tomadas en un momento intrascendente dentro de su domus. Es, por tanto, el género costumbrista holandés de mujeres captadas en el interior de su vivienda, pero ambientado en la antigüedad grecorromana. A veces a través de una puerta o de una ventana hay un destello de luz natural que deja ver el cielo (En el peristilo, 1865). Mujer oliendo flores, 1868. Fondo rojo pompeyano. Detalles de mucha calidad. Otras obras son más complejas y podemos ver escenas de grupo narrando momentos de la vida cotidiana de los romanos acomodados (Entrada a un teatro, 1865) o algún episodio histórico en absoluto idealizado (Proclamación del emperador Claudio, 1867). Hay cuadros seriales. El éxito de la Tienda de un armero romano de 1866 le lleva repetir el motivo con una gallería de pintura y con otras de escultura y de cerámica, pintando varias versiones en años siguientes. También le inspira la historia personal de los poetas latinos (Albius Tibullus en casa de Dellia, 1867). Todavía, de vez en cuando, sigue trabajando sobre temas egipcios. Colección de pinturas en tiempos de Augusto, 1867. Pinta obras arqueológicamente posibles junto a sus amigos y clientes en toga. - Técnicamente, los cuadros van desde algunos muy terrosos, de pigmentación turbia, y poco iluminados, tal vez influidos por el uso de fotografías (en blanco y negro), que el pintor utilizaba para trabajar con las tonalidades y la gradación de luces y sombras; a otros entonados en colores brillantes y atractivos. En 1867 terminó el encargo de 24 cuadros para Gambart, que de nuevo le solicitó un nuevo pedido, esta vez 48, a un precio muy superior. En el invierno del 67-68 debió visitar nuevamente Pompeya e Italia, lo que sin duda le inspiró a realizar importantes lienzos, como La siesta, El amante del arte romano, El mercado de flores y el conocidísimo Fidias y los relieves del Partenón. Este cuadro fue polémico porque por aquellos tiempos todavía se discutía sobre si los relieves estaban policromados y sobre cómo se realizaron. Fidias mostrando los relieves del friso del Partenón a sus amigos, 1868. Cerró su producción de 1869 con Danza Pírrica que fue duramente criticado por Ruskin, pese a su originalidad, como “una visión microscópica de un pequeño destacamento de escarabajos negros en busca de una rata muerta.” Danza Pírrica, 1869. Una crítica tan injusta y la muerte de su esposa en mayo de 1869, que le dejaba viudo con dos hijas pequeñas, estuvieron a punto de hacerle desfallecer. Dejó de pintar durante casi cuatro meses y cuando retomó su trabajosus primeros cuadros se inspiraron en la enfermedad, El convaleciente (1869). Aún así pronto superó esos trágicos momentos y paradójicamente realizó una de sus obra maestras La fiesta de la vendimia (1870). Una fiesta báquica ambientada con todo lujo de detalles en un templo. La fiesta de la vendimia, 1870. En julio de 1870 tomó la decisión de trasladarse a Londres, para estar más cerca de sus clientes y, porqué no decirlo, para huir de la Guerra Franco-prusiana como hicieron muchos otros pintores. Había además otro motivo oculto, en una de sus visitas de los meses pasados a la capital británica había conocido a una joven de 17 años,Laura Epps, que le había devuelto la alegría y las ganas de trabajar y con la que se casará al año siguiente. La historia continúa en el cápitulo siguiente.

En los antiguos tiempos de la República, los romanos no eran muy exigentes con la higiene personal. En sus casas tenían apenas pequeños cuartos de baño (lavatrinae) en los que se lavaban cada día los brazos y, una vez cada nueve días, las piernas y el cuerpo entero; así al menos lo aseguraba el político y escritor Catón.

Exhibition dates: 7th November 2015 – 8th January 2017 GERDA WEGENER: The unusual story of a love between painter and muse that transcends gender boundaries Gerda Wegener (Danis…

The National's spring show delves deep into the German Renaissance, from Hans Holbein the Younger's The Ambassadors to Jan Gossaert's A Man Holding a Glove

5 personajes de la historia del arte que están hartos de todo

Un genio inglés. Pintor, dibujante, grabador y poeta. Su variopinta producción artística fue el resultado de su carácter místico -que rozaba lo visionario en muchas ocasiones- y que fue, afortunadamente vistos los resultados, muy poco convencional en el terreno religioso. Su temática artística tiene mucho que ver con ese sentido místico y profético que le embargaba y en su estilo pictórico fusiona de una manera muy sugestiva las pautas propias del neoclasicismo y las del romanticismo. A los quince años su padre le puso a trabajar como aprendiz de grabador en el taller de James Balire., con quién permaneció durante varios años hasta conseguir el grado de maestro. Hay constancia de que en estos primeros años realizó diversos dibujos y grabados de temática medieval y también de que empezó a interesarse por los relatos bíblicos y las obras de clásicos como William Shakespeare, Dante o Milton. En 1778 ingresó en la Royal Academy y allí dejó claro su rechazo del óleo y del color proclamando el dibujo como uno de los fundamentos esenciales de su arte. Una postura tan radical le granjeó enfrentamientos con figuras tan importantes con Reynolds quien, en sentido contrario, proclamaba la primacía del color como base de toda realidad pictórica. En 1784 expuso José revela su identidad a sus hermanos, una acuarela que no fue bien recibida por los académicos del momento. Junto a sus comentarios e ilustraciones bíblicas o de La Divina Comedia hay que destacar numerosos textos como los Cantos de inocencia (1789), Matrimonio del cielo y del infierno (1790) o Cantos de experiencia (1798) merecedores de un destacado puesto en la poesía inglesa. Su compleja cosmovisión y su universo artístico en el que intermezcla textos, poesía, dibujos e ilustraciones hacen de la obra de Blake algo realmente muy poco común y valioso. Sin embargo no fue reconocido hasta mucho tiempo después pues no resultó del agrado de sus coetáneos. De hecho, cuando en 1809 expuso su obra en Londres, fue rechazada tanto por la critica como por el público. Amigo de John Flaxman y de Füsli, Blake -que en algunos aspectos de su obra recuerda a Goya- no tuvo más que un protector y mecenas, Thomas Butts. https://www.jotdown.es/2015/03/el-viajero-mental-i-algunos-conceptos-sobre-william-blake/ http://www.blakearchive.org/ El profesor Carlos Reyero, en su excelente Introducción al arte occidente del siglo XIX, afirma: "El arte de William Blake, como el de Goya, escapa a las pautas sociales, ideológicas y estéticas de su tiempo. Individuo en gran medida hecho a sí mismo, vuelve la espalda a la realidad y produce un número ingente de imágenes que encierran símbolos privados y enigmáticos, metáforas visuales que sugieren nuevas sensaciones, relaciones inesperadas entre las cosas, a través de las cuales presentimos la capacidad del arte para dar forma a otro universo. Sus fuentes -aparte de las literarias, la Biblia y las leyendas medievales- son raras para la época: llama la atención el interés por la obra grabada de Durero, Rafael y Miguel Ángel y por la intensidad emocional el gótico. Tampoco se interesó por el óleo, sino por la acuarela, el dibujo sobre papel y los grabados coloreados de tirada única" (P.65). https://www.youtube.com/watch?v=6DqsyxfvC60&feature=youtu.be https://www.zendalibros.com/los-mejores-poemas-william-blake/ http://amediavoz.com/blake.htm https://www.tate.org.uk/art/artworks/blake-christ-appearing-to-the-apostles-after-the-resurrection-n05875 http://bq.blakearchive.org/35.3.butlin Si te ha interesado este artículo, también te puede interesar: https://desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com/2014/07/william-blake-1757-1827.html https://www.youtube.com/watch?v=6DqsyxfvC60&feature=youtu.be Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran corresponden al artista o artistas referenciados. Su exposición en este blog pretende ser un homenaje y una contribución a la difusión de obras dignas de reconocimiento cultural, sin ninguna merma a los derechos que correspondan a sus legítimos propietarios. En ningún caso hay en este blog interés económico directo ni indirecto. Javier Nebot

When you really think about it, modern wedding traditions are weird. Wearing something borrowed and blue? Getting our garters publicly pulled out from under our dresses by our partner's teeth? Throwing a bouquet backwards at a bunch of our female…